Bibliothèque musicale : discussion générale, actualité et bavardages

Re-bonjour à toutes et à tous ! :)

Retour pour ce mois de février à une formule déjà expérimentée : un seul package par mois, divisé en deux « demi-packages ». Commençons cette fois par des compositeurs de l'initiale A à l'initiale G.

Quelques oeuvres rares pour cette fois, notamment une Symphonie pour orchestre en ré d'Arriaga.
Arriaga, souvent surnommé le "Mozart espagnol" en raison de son talent précoce et de sa mort prématurée à l'âge de 19 ans, est bien sûr principalement connu pour ses quatuors à cordes. Cependant, il a également composé de nombreux autres types d'oeuvres - voyez sa fiche Wiki ici pour ceux qui ne me croiraient pas :D :bebe: ; et parmi celles-ci, cette symphonie, achevée vers 1824. Elle est structurée en quatre mouvements : Adagio - Allegro vivace - Presto ; Andante ; Minuetto : Allegro - Trio ; Allegro con moto (la marque de la moto n'est pas précisée).
L'oeuvre reflète l'influence du Sturm und Drang, avec une atmosphère générale de colère et de désespoir, sans jamais sombrer dans la résignation. L'Andante se distingue par sa grande beauté, mettant en évidence la maîtrise d'Arriaga dans le traitement des intervalles mélodiques et des effets des instruments à vent. Le Minuetto est peut-être la partie la moins originale de l'oeuvre, alternant entre un rythme parfois traînant et à une structure rythmique et métrique plus conventionnelle.
Malgré sa grande jeunesse, Arriaga démontre dans cette symphonie une maturité impressionnante, tant dans la construction formelle que dans l'orchestration brillante. Tout au long des quatre mouvements, on est frappé par la force de la composition et le dynamisme de l'oeuvre.

Voici pour suivre une petite présentation de trois oeuvres d'Atterberg : la Ballade et passacaille sur un thème folklorique suédois, Les Vierges Folles et l'Ouverture "Aladin", chacune représentent des facettes très différentes de la musique d'Atterberg. C'est très subjectif évidemment, mais j'ai envie de placer en exergue la Ballade et passacaille, une oeuvre qui illustre le talent d'Atterberg pour intégrer des thèmes folkloriques dans un cadre orchestral sophistiqué. C'est une oeuvre profondément ancrée dans le patrimoine suédois, riche en expressivité, et elle incarne bien son amour pour la musique populaire nordique. Les Vierges Folles est un poème symphonique inspiré d'une légende folklorique suédoise, souvent associé à des atmosphères mystiques ou sombres. Reflètant une facette plus narrative et romantique d'Atterberg et s'inscrivant dans une tradition symphonique à programme et se démarquant par son caractère dramatique et descriptif, ce serait peut-être une oeuvre plus captivante pour les auditeurs sensibles à l'évocation d'images narratives. L'Ouverture "Aladin" est probablement l'oeuvre la plus spectaculaire des trois, grâce à son caractère brillant et à sa capacité à captiver l'auditeur dès les premières mesures.

Poursuivons dans la même démarche avec quatre oeuvres de Jean Absil (petit renvoi vers sa fiche Wiki pour qui le connaîtrait peu) : la Fantaisie concertante pour violon et orchestre ; la Rhapsodie roumaine pour violon et piano sur des thèmes de Bartok ; la Sérénade pour orchestre de chambre ; et la Symphonie n°2.
La Symphonie n°2 est une oeuvre majeure dans son catalogue ; puissante et structurée, typique des grandes oeuvres orchestrales d'Absil, elle témoigne d'une approche plus sombre et introspective par rapport à ses autres oeuvres. Parmi les oeuvres proposées ici, c'est sûrement - à mon sens - celle à découvrir en priorité. La Fantaisie concertante ou la Rhapsodie roumaine sont des oeuvres plus intimes et pourtant parfois virtuoses. La Sérénade pour orchestre de chambre séduit par son charme et son accessibilité, mais pourrait être perçue comme moins ambitieuse en termes de contenu émotionnel. C'est pourtant une oeuvre légère et élégante, pleine de clarté et d'humour, parfois comparée aux sérénades néoclassiques de Stravinsky ou d'Hindemith.

Ensuite, une oeuvre qui me tient particulièrement à coeur : il s'agit de The Plague de Roberto Gerhard. Vous vous souviendrez probablement qu'en octobre dernier je vous avais proposé une large sélection d'oeuvres de Gerhard ; mais je ne pouvais pas vous présenter parmi cet ensemble The Plague : il s'agit en effet d'un enregistrement de 1974 (avec Dorati à la direction), c'était donc trop tôt en 2024. Aujourd'hui c'est bon :D
The Plague est une oeuvre étonnante, composée en 1964 et inspirée par La Peste de Camus. Gerhard, compositeur catalan exilé en Angleterre après la guerre civile espagnole, a marqué cette composition par un profond sens de l'humanité et une réflexion sur les thèmes de l'exil, de la souffrance et de la résilience face aux catastrophes. Gerhard a composé The Plague dans un contexte de préoccupations sociopolitiques mondiales, notamment des craintes liées à la guerre froide et aux menaces existentielles comme les épidémies ou les crises nucléaires. L'oeuvre témoigne de son intérêt pour les réflexions philosophiques de Camus sur l'absurdité de la condition humaine et la solidarité. De la sorte, l'oeuvre explore les thèmes de l'épidémie, de la désolation et de l'isolement, mais aussi de la lutte commune pour la survie et la capacité humaine à résister à des forces oppressantes.
C'est une oeuvre pour orchestre, solistes vocaux et narrateur. Le texte du narrateur est tiré de passages clés du roman La Peste. L'orchestre utilise les techniques sérielles, mais avec une flexibilité qui reflète la liberté stylistique de Gerhard. Les influences de Schoenberg et de la musique moderne européenne en général sont ainsi perceptibles, mais Gerhard intègre également des éléments qui reflètent ses racines catalanes.
Une oeuvre puissante donc, peut-être (selon moi) l'une des plus ambitieuses et les plus impressionnantes de Gerhard. À écouter de toute urgence (si je peux me permettre :bebe:) !

Terminons pour cette fois avec des oeuvres plus « fréquentées », déjà présentes en BM, mais que j'ai choisi de retenir pour leurs interprétations d'exception : la version pour voix et piano de La Bonne Chanson de Fauré, un cycle de neuf mélodies mettant en musique le recueil du même nom de Verlaine, cette fois avec Suzanne Danco - d'autres versions suivront ;) ; le Quatuor pour piano, violon, alto et violoncelle n°2 de Beethoven par Neuhaus et le Quatuor Beethoven. Plus les Études pour piano op. 10 et op. 25 de Chopin par Cortot ; bon je sais que ce dernier ne recueille pas toujours l'unanimité (pour les raisons que tout le monde connaît) ; mais du seul point de vue pianistique, c'est qd même ... pas si mal :) :D

Enfin, en guise de bonus pour cette fois :) on va finir pour cette fois par un peu de Grieg, si cela vous dit :)
Bon tout le monde connaît déjà très bien les suites n°1 et n°2 de Peer Gynt, il n'en va peut-être de même pour la Musique de scène pour solistes, choeur et orchestre - la version complète donc. Cette « version » était jusqu'alors absente de la BM.
Elle inclut des parties chantées (solistes et choeurs) qui enrichissent considérablement l'expérience musicale. Par exemple, le chant de Solveig est bien plus poignant dans ce contexte. Elle permet aussi de découvrir des morceaux inédits : certaines sections de la musique de scène ne figurent pas dans les suites, comme les interludes instrumentaux ou les passages vocaux qui accompagnent directement les dialogues ou les scènes du drame d'Ibsen.

La liste complète pour cette fois :

• Absil : Fantaisie concertante pour violon et orchestre
• Absil : Rhapsodie roumaine pour violon et piano sur des thèmes de Bartok
• Absil : Sérénade pour orchestre de chambre
• Absil : Symphonie n°2
• Arriaga : Symphonie pour orchestre en ré
• Atterberg : Ballade et passacaille sur un thème folklorique suédois
• Atterberg : Les Vierges Folles
• Atterberg : Ouverture "Aladin"
• Beethoven : Quatuor pour piano, violon, alto et violoncelle n°2
• Chopin : Études pour piano op. 10 et op. 25
• Fauré : La Bonne Chanson (version pour voix et piano)
• Gerhard : The Plague
• Grieg : Peer Gynt, musique de scène pour solistes, choeur et orchestre

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à tous pour ce second demi-package de février, que nous recommençons à la lettre H.

Maria Bergmann (1928 - 2002) est une pianiste relativement méconnue ; commençons donc par elle avec du « pur classique » et trois Sonates de Haydn jusqu'ici inédites en BM.
Pour qui souhaiterait en apprendre un peu plus sur elle, voici un aperçu de sa carrière - accompagné de nombreuses photos.

La Symphonie n°13 de Lev Knipper est une oeuvre qui se distingue par son caractère à la fois nostalgique et empreint d'une certaine gravité. Knipper, souvent associé à des compositions inspirées par les folklores russe et soviétique, a cette fois écrit cette symphonie avec une vision davantage introspective.

Nous possédons à l'heure actuelle trois versions des Lieder eines fahrenden Gesellen de Mahler : par Schmidt-Isserstedt, par Winfried Zillig et la troisième, j'avoue ne pas l'avoir écoutée :rose:
Aujourd'hui j'ai la possibilité de vous en proposer trois nouvelles versions : par Adrian Boult et Blanche Thebom, par Bruno Walter et Mildred Miller et par Hermann Scherchen et Lucretia West ; chacune est assez unique.
Boult-Thebom est un peu atypique, car Adrian Boult, connu surtout pour son répertoire anglais, s'aventure dans Mahler avec une sensibilité très propre. Blanche Thebom, contralto américaine, était réputée pour la chaleur et la richesse de sa voix. Leur collaboration peut offrir une perspective différente, avec une approche peut-être plus retenue et introspective.
Walter-Miller : Bruno Walter, grand ami et grand interprète de Mahler, apporte toujours une authenticité et une profondeur uniques à ses interprétations. Mildred Miller, mezzo-soprano américaine, a une voix expressive qui s'accorde bien à ce cycle. Cette version pourrait se distinguer par son lien direct avec l'héritage mahlérien.
Scherchen-West : Scherchen, chef avant-gardiste et audacieux, pourrait offrir une lecture plus analytique ou « décalée ». Lucretia West, contralto afro-américaine, était connue pour son expressivité et sa diction claire. Cette version pourrait avoir une intensité dramatique marquée.
En résumé, trois lectures bien distinctes : l'une avec un attachement "historique" (Walter), une approche plus classique (Boult), ou une lecture plus originale (Scherchen), chacune avec ses atouts et ses qualités propres.

Pour en rester au lyrique (outre une version de La Cenerentola de Rossini par Abbado) mais dans un genre tout différent, La Tempête (1952-1955) de Frank Martin est évidemment inspirée de la pièce de Shakespeare - qui s'en serait douté ? :D
Contrairement au Vin herbé, une oeuvre méditative et dépouillée que mah70 vous propose dans sa PL actuelle, peut-être la plus réputée de Martin, est décrite comme un « oratorio dramatique pour choeur et petit ensemble instrumental » - une oeuvre totalement à contre-courant donc de la tradition wagnérienne.
La Tempête est plus dense, plus lyrique, avec une véritable recherche sur les textures orchestrales et les atmosphères suggérées.
Martin en fait une sorte de « musique de scène » ou comme une « musique dramatique » plutôt que comme un opéra traditionnel, car Martin y intègre dialogues parlés, parties chantées et passages orchestraux évocateurs avec une grande liberté, transformant l'oeuvre en un mélange unique d'oratorio, d'opéra et de théâtre musical.
L'oeuvre est divisée en trois actes, suivant fidèlement la trame de la pièce originale de Shakespeare. Les personnages principaux de la pièce (Prospero, Miranda, Ariel, Caliban, etc.) y figurent, chacun ayant sa propre caractérisation musicale.
Frank Martin a écrit le livret lui-même en français, ce qui est rare pour un compositeur, mais qui témoigne de son profond investissement dans l'oeuvre. Il a condensé l'histoire pour l'adapter à la forme musicale, tout en respectant l'essence poétique et dramatique du texte original.
La partition illustre bien le langage musical de Martin : un style modal teinté d'influences post-romantiques et modernes. Les instruments jouent un rôle central pour évoquer les éléments naturels de l'île : les vents, les vagues et l'atmosphère mystérieuse. Les parties vocales sont expressives, avec des lignes mélodiques souvent proches du récitatif dramatique.
La première a eu lieu à Genève en 1956, sous la direction d'Ernest Ansermet, un fervent défenseur de Martin. La version que je vous propose ici est un live de 1967 et constitue la version française établie par Pauline Martin, toujours par Ansermet avec les Choeurs du Grand Théâtre de Genève et l'Orchestre de la Suisse Romande ; une interprétation précieuse car peu de versions existent. La direction d'Ansermet, proche de Martin, garantit une interprétation fidèle à l'esprit de l'oeuvre.
Son Concerto pour violon et orchestre, quant à lui, semble rester l'une des pièces les plus appréciées de son répertoire concertant. À vous d'entendre ! :)

Passons à Enoch Arden, un mélodrame adapté par Richard Strauss du récit d'Alfred Tennyson ; une forme musicale rare qui ressemble à un opéra miniature mais qui n'en est pas un stricto sensu : un opéra c'est chanté. Ici c'est « parlé ».
L'histoire est celle d'Enoch Arden, pêcheur qui part au long cours pour améliorer le sort de sa famille, fait naufrage et revient après de nombreuses années pour faire une découverte dramatique.

Pour changer de style, la Symphonie n°3 d'André Jolivet est une oeuvre intéressante, peut-être généralement pas considérée comme l'une de ses oeuvres majeures, mais néanmoins significative dans l'ensemble de sa production. Elle a été commandée par la BBC et montre le talent de Jolivet à manier les couleurs orchestrales, en mêlant des éléments modernes et tonaux à une écriture parfois austère mais très expressive.
Outre ses Cinq Danses rituelles, pour orchestre (clic pour qui souhaiterait en apprendre plus), le Concerto pour ondes Martenot, du même, vaut peut-être plus encore le détour ! C'est une oeuvre extrêmement inventive qui explore à fond les possibilités expressives et sonores de cet instrument si particulier. Le concerto mêle des moments souvent poétiques et des passages plus dramatiques, où l'orchestre dialogue magnifiquement avec les ondes Martenot. L'instrument, souvent associé à des sonorités futuristes ou éthérées, est ici traité de façon très lyrique et humaine, presque vocale par moments. La version proposée ici avec Jeanne Loriod (soeur de Yvonne Loriod) en soliste est particulièrement admirée, la soliste maîtrisant les ondes Martenot comme personne au point d'en sublimer la partition.

Quant à Oedipus, il s'agit d'une oeuvre majeure dans l'univers de Harry Partch, une incarnation parfaite de sa vision d'un théâtre musical total et d'un rejet des conventions occidentales. Il s'agit d'une adaptation musicale de la tragédie grecque classique de Sophocle, traduite par W.B. Yeats, - laquelle privilégie une simplicité poétique, proche du langage parlé.
Partch met en musique le texte de manière syllabique, respectant les rythmes naturels des mots tout en les amplifiant par ses sonorités microtonales.
Ici, Créon revient de consulter l'oracle avec un message inquiétant pour la cité. Tirésias, le devin aveugle, accuse Oedipe d'être la cause du malheur qui frappe Thèbes. Oedipe, furieux, accuse Créon de conspirer contre lui. Cherchant la vérité, il interroge Jocaste sur le meurtre de Laïs et partage son propre récit de l'oracle. Peu à peu, Jocaste découvre qu'Oedipe est son fils. Ce dernier, en interrogeant un berger, comprend alors la terrible vérité de son destin. La tragédie atteint son apogée lorsque Jocaste se pend et qu'Oedipe, désespé, se crève les yeux. La composition, portée par les instruments, les voix et les danses, culmine avant que le choeur final ne conclue le drame.
Partch a travaillé sur cette oeuvre pendant plusieurs décennies, entre 1930 et 1950, ce qui en fait l'une de ses compositions les plus élaborées et réfléchies. À sa création en 1951 à Mills College, Oedipus a été salué comme une oeuvre profondément originale, bien que difficile d'accès en raison de son langage musical unique.

Jean Thiriet, compositeur méconnu, n'est pourtant pas un inconnu ici et semble d'ailleurs apprécié : son Concerto pour flûte a déjà été "vu" plus de 10000 fois ... C'était pourtant (jusqu'aujourd'hui :D) la seule oeuvre de lui constituant son sous-foum, la difficulté avec Thiriet étant que peu de ses oeuvres ont fait l'objet d'enregistrements diffusés avant 1974.
J'ajoute aujourd'hui de lui La Nuit vénitienne, une musique de scène composée en 1953 pour une pièce de Musset.

Pour terminer, et clôturer - pour cette fois - la liste des "disparus de 1974", 5 Miniatures de Wellesz et deux oeuvres de Darius Milhaud :
Les Rêves de Jacob est une sorte d'oratorio biblique, à l'instar de David ou de La Création du Monde.
L'oratorio est basé sur l'épisode biblique du rêve de Jacob (Genèse 28:10-22), où Jacob voit une échelle reliant la terre au ciel, avec des anges montant et descendant. Ce passage est typique de spiritualité et de mysticisme, ce qui se reflète dans la musique de Milhaud. Le texte est tiré de la Bible en hébreu, fidèle à l'intérêt de Milhaud pour ses racines juives. La musique s'organise en plusieurs tableaux illustrant le rêve de Jacob et la vision céleste. La musique y oscille entre des moments de grande simplicité et des passages complexes, traduisant les contrastes entre le divin et le terrestre.
À noter, pour l'anecdote, que le soliste de Quatre visages, l'autre oeuvre de Milhaud que je vous propose aujourd'hui, l'altiste Michael Mann n'est autre que le fils de Thomas Mann, prix Nobel de littérature 1929.

La liste complète des oeuvres constituant la présente livraison :

• Haydn : Sonate pour clavier n°2
• Haydn : Sonate pour clavier n°9
• Haydn : Sonate pour clavier n°10
• Jolivet : Cinq Danses rituelles, poutr orchestre
• Jolivet : Concerto pour ondes Martenot
• Jolivet : Symphonie n°3
• Ketelbey : In the mystic land of Egypt
• Knipper : Symphonie n°13
• Mahler : Lieder eines fahrenden Gesellen (x3)
• Martin : Concerto pour violon et orchestre
• Martin : La Tempête
• Milhaud : Les Rêves de Jacob
• Milhaud : Quatre visages
• Partch : Oedipus
• Rossini : La Cenerentola
• Saint-Saëns : La Jeunesse d'Hercule
• Strauss (Richard) : Enoch Arden
• Thiriet : La Nuit vénitienne
• Wellesz : 5 Miniatures

Bonnes écoutes :coucou:

Salut à toutes et à tous ! :)

Nous célébrions hier le sesquicentenaire de la naissance de Ravel (auquel un prochain package sera consacré) mais c'est aujourd'hui la « Journée internationale des droits des femmes » et cela m'a fait réfléchir au « droit » qu'avaient les femmes de composer …
En effet, il n'y avait - jusqu'à présent - dans la liste des compositeurs composant la BM - et qui comporte des milliers d'oeuvres et des centaines de compositeurs masculins, que deux femmes : Boulanger et Bacewicz, alors qu'il y en a de nombreuses autres - le pb étant surtout qu'elles n'ont été enregistrées que fort récemment, et donc que ces enregistrements ne sont pas encore encore "dans les clous" …
Néanmoins en nombre restreint par rapport à leurs homologues masculins ; la question restait donc pertinente : pourquoi la composition semble-t-elle, ou apparaît-elle en tout cas (ou bien faut-il poser la question au passé ?), comme un domaine quasiment "réservé" aux hommes ?
La réponse semble être à la fois historique, sociologique et culturelle.

Pendant des siècles, les femmes ont souvent été exclues des sphères publiques et professionnelles, - y compris la musique, oeuf corse. Composer nécessitait un accès à une éducation musicale formelle, aux réseaux d'influence, et à des opportunités de représentation, toutes choses qui étaient souvent refusées aux femmes. Les normes sociales ont longtemps assigné aux femmes des rôles domestiques, les éloignant des carrières artistiques considérées comme un domaine masculin. Même lorsqu'une femme montrait des talents exceptionnels, elle pouvait être découragée ou limitée dans ses ambitions.
Il y eut aussi un manque de reconnaissance assez flagrant : plusieurs compositrices talentueuses, comme Fanny Mendelssohn, Clara Schumann ou Louise Farrenc, ont été éclipsées par leurs homologues masculins. Certaines oeuvres de Fanny Mendelssohn, par exemple, ont été publiées sous le nom de son frère Felix, entraînant leur invisibilité. De plus, la manière dont l'histoire de la musique a été écrite a contribué à marginaliser les compositrices. Les manuels, les concerts et les enregistrements ont longtemps mis en avant des hommes, créant en cela une perception biaisée.

Des compositrices, il y en eut pourtant de tout temps ; sans nécessairement remonter à Sappho ou à Cassienne de Constantinople, il suffit pour cela de citer - et nous sommes alors ici au XIIe siècle, Hildegarde de Bingen. Mais sans remonter obligatoirement aussi loin, on peut citer pêle-mêle Beatriz de Dia (quasi contemporaine de Hildegarde), Francesca Caccini, Barbara Strozzi, Mel Bonis, Hélène de Montgeroult, Alma Mahler ou Bettina Brentano parmi celles qui furent largement ignorées des studios d'enregistrement durant de longues années. Certains enregistrements sont disponibles aujourd'hui, mais les premiers ne datent pas d'avant le milieu des années 80. Les choses sont donc en train de changer, ce qui est une fort bonne chose ; hélas, je ne puis rien vous présenter d'aucune d'entre elles - et particulièrement de celles citées ci-dessus - en BM pour cause d'inéligibilité liée aux dates d'enregistrement.
Néanmoins j'ai décidé de ne pas en rester à ce triste constat, et j'ai donc cherché et découvert un ensemble de compositrices éligibles en BM.
Une grande déception fut le cas de Germaine Tailleferre, du « Groupe des Six », dont j'avais sélectionné plusieurs enregistrements antérieurs à 1975, avant de me rendre compte qu'elle est décédée en 1983 à l'âge de 91 ans - donc non éligibles en vertu de la norme dite « des 50 ans » ... :heu:
Voici donc une liste de qqs compositrices dont j'ai pu trouver des oeuvres éligibles en BM ; j'ai choisi de vous les présenter d'abord par ordre chronologique, afin d'illustrer le fait que des femmes compositrices, hé bien il y en eut de tout temps :

• Élisabeth Jacquet de la Guerre (1665 - 1729)
• Clara Schumann (1819 - 1896)
• Agathe Backer Grøndahl (1847 - 1907)
• Cécile Chaminade (1857 - 1944)
• Amy Beach (1867 - 1944)
• Jeanne Demessieux (1921 - 1968)

Claveciniste et compositrice française, Élisabeth Jacquet de la Guerre est l'une des rares femmes à s'imposer dans la musique baroque. Protégée de Louis XIV, elle compose des oeuvres pour clavecin, de la musique de chambre et même un opéra, Céphale et Procris, en 1694. Son style raffiné et expressif la place parmi les figures marquantes de son époque.
Pianiste virtuose et compositrice, Clara Schumann est l'une des musiciennes les plus influentes du XIXe siècle. Épouse de Robert Schumann, elle s'impose par son talent exceptionnel, à la fois comme interprète et comme compositrice. Ses oeuvres, bien que peu nombreuses - et très peu jouées jusqu'il y a peu, témoignent d'une grande sensibilité romantique profondément lyrique.
Agathe Backer Grøndahl, une compositrice norvégienne, est quant à elle une parfaite inconnue dans nos contrées. Mais si vous avez lu sa fiche Wiki, vous avez pu vous rendre compte de son importance et de sa notoriété dans son pays. Pianiste et compositrice, elle a étudié en Allemagne avec Hans von Bülow et a joué un rôle clé dans la vie musicale scandinave. Elle est surtout connue pour ses pièces pour piano et ses mélodies, influencées par la tradition romantique et le folklore norvégien.
Pour l'anecdote, une exposition consacrée à sa soeur Harriet, peintre célèbre et reconnue, vient de se tenir au musée d'Orsay.
Cécile Chaminade, quant à elle, est une compositrice et pianiste française ayant connu une grande renommée à son époque, notamment en Angleterre et aux États-Unis. Elle excelle dans la musique pour piano, avec des pièces de caractère très populaires, ainsi que dans la mélodie française. Son Concertstück pour piano et orchestre est l'une de ses oeuvres majeures, malheureusement absente de cette sélection pour cause de date d'enregistrement.
Première compositrice américaine de renom, Amy Beach est une figure clé du mouvement nationaliste aux États-Unis. Pianiste prodige, elle compose de nombreuses oeuvres, dont sa Symphonie "Gaélique", première symphonie composée par une femme étasunienne, qui s'inspire de mélodies irlandaises. Sa musique expressive s'inscrit dans la tradition romantique tardive.
Organiste et compositrice française, Jeanne Demessieux, d'ailleurs déjà présente en BM pour son interprétation de l'intégrale de l'oeuvre pour orgue de César Franck, a marqué le XXe siècle par sa virtuosité exceptionnelle et sa maîtrise de l'orgue. Élève de Marcel Dupré, elle a composé de nombreuses oeuvres pour son instrument, dont les 6 Études pour orgue (que vous pouvez retrouver ici) et la Suite op. 5. Son langage musical, d'une grande profondeur spirituelle, conjugue tradition et modernité.

Comme vous le voyez, rien malheureusement de Louise Farrenc ou d'Emilie Mayer par exemple … c'est introuvable, apparemment … :(

Une évolution notable a semble-t-il eu lieu au XXe siècle, avec des compositrices largement reconnues car ayant gagné une reconnaissance internationale comme Elsa Barraine, Sofia Gubaidulina, Kaija Saariaho, Unsuk Chin, Galina Ustvolskaia, Olga Neuwirth ou encore Betsy Jolas - entre autres. C'est une fort bonne chose, mais vous aurez déjà compris que je ne puis rien vous proposer d'aucune d'entre elles aujourd'hui … :heu:

La liste complète des oeuvres présentées cette fois ci-dessous, comme d'hab :

• Backer Grøndahl : 3 Pièces pour piano op. 15
• Backer Grøndahl : 4 Esquisses pour piano op. 19
• Backer Grøndahl : 4 Etudes de Concert
• Beach : Ah ! Love, but a day ! pour soprano et piano
• Beach : Concerto pour piano et orchestre
• Beach : Symphonie "Gaélique"
• Chaminade : Petites Pièces pour piano
• Chaminade : Sérénade espagnole
• Chaminade : Sonate pour piano en ut mineur
• Demessieux : 12 Préludes choral sur des thèmes de chant grégorien
• Demessieux : 6 Études pour orgue
• Demessieux : 7 Méditations sur le Saint-Esprit
• Demessieux : Prélude et Fugue en ut
• Demessieux : Répons pour le Temps de Pâques
• Demessieux : Te Deum
• Demessieux : Triptyque
• Jacquet de la Guerre : Suite n°1 du Second Livre de clavecin
• Jacquet de la Guerre : Suite n°2 du Second Livre de clavecin
• Schumann (Clara) : 4 Visions Fugitives
• Schumann (Clara) : Concerto pour piano et orchestre
• Schumann (Clara) : Scherzo n°1 pour piano
• Schumann (Clara) : Scherzo n°2 pour piano
• Schumann (Clara) : Trio pour piano, violon et violoncelle

Bonnes écoutes ! :coucou:

Re-bonjour à tous pour ce nouveau package « complet », plutôt copieux et typiquement « Un peu de tout », avant de reprendre (je pense) dès le mois prochain le rythme des demi-packages en principe étalés sur un mois.

Voici pour commencer deux versions de Ein deutsches Requiem de Brahms, par Celibidache (1957) et Karl Richter (1964), deux versions bien différentes, notamment sur l'approche interprétative : l'interprétation de Celibidache est lente (qui l'eût cru ? :D) et contemplative, portant une attention méticuleuse aux nuances et aux textures orchestrales. Il privilégie une approche méditative qui met en valeur la profondeur spirituelle de l'oeuvre et les timbres orchestraux avec un souci du détail qui laisse transparaître toute la richesse de l'écriture de Brahms. L'orchestre respire, et chaque phrase musicale est « sculptée » avec soin.
L'interprétation de Richter est en revanche plus directe et dramatique. Richter, qui était aussi organiste et spécialiste de la musique sacrée, adopte une approche plus rigoureuse sur le plan rythmique et plus énergique, avec des contrastes plus marqués et plus dynamiques ; la lecture est en gros plus structurée et moins expansive que celle de Celibidache.
En conclusion : une version méditative et presque mystique chez Celibidache ; une lecture plus dramatique et rythmée chez Richter.

J'ai aussi pensé vous présenter Jean-Rodolphe Kars (clic) à travers deux oeuvres célèbres de Debussy : la Fantaisie pour piano et orchestre et l'ensemble des Préludes pour piano. Kars, à l'instar de Brunhoff, est un pianiste entré dans les ordres. On lui doit peu d'enregistrements : un Messiaen superbe, mais trop tardif à la fois pour Messiaen et pour l'enregistrement ; de même, l'intégrale du piano de Schoenberg, mais … 1975 ... il faudra attendre un peu ...

Pour poursuivre au piano (enfin par d'autres, pas par moi :bebe:), voici trois nouvelles versions de la Sonate en si mineur de Liszt. Deux d'entre elles sont de Nelson Freire et de Rafael Orozco, tous deux bien connus ici et qu'on ne présente plus.
La dernière est d'Alexander Slobodyanik, un pianiste américain d'origine ukrainienne, dont le nom est certainement moins connu de tous. Pourtant son interprétation de la Sonate de Liszt est absolument remarquable et pourrait peut-être bien même figurer au top du top, aux côtés de qqs autres (Horowitz, Barère, Cziffra ...) ; si vous ne l'avez jamais entendue par lui, n'hésitez surtout pas ! :up:

Michael Praetorius (page wiki ci-dessous) n'est sûrement pas le compositeur le plus connu du monde. Il a cependant écrit une multitude d'oeuvres d'inspiration religieuse ou profane. Parmi ces dernières, sa composition le plus célèbre reste sûrement Les Danses de Terpsichore, dont je propose ici de larges extraits par David Munrow (enregistrement de 1974), ainsi qu'une oeuvre ambitieuse, Weihnachtliche Chormusik (Musique chorale pour Noël). Bonne découverte donc si vous le le connaissiez pas :)

Vous n'avez jamais entendu parler du Boeuf sur le toit de Milhaud ? (je plaisante :bebe:) En voici une jolie version, par Louis de Froment.
Pacem in terris du même, est en revanche une oeuvre moins connue. Composée en 1963, cette oeuvre est un oratorio inspiré de l'encyclique du même nom publiée par le pape Jean XXIII la même année. C'est une oeuvre profondément humaniste et spirituelle, qui reflète les préoccupations pacifistes et universalistes de Milhaud, lui-même marqué par les drames du XXe siècle (exil, guerres mondiales ...). À découvrir peut-être, pour certains.

Cela fait un bon moment que je cherche à développer le sous-forum dédié à Matthijs Vermeulen, un compositeur remarquable comme vous l'aurez constaté si vous avez écouté sa Symphonie n°2 ; tâche plus difficile que prévu et puis, bang, voilà que je découvre (avec une certaine dose de stupeur, je l'avoue), que sa Sonate pour violoncelle et piano n°1 par Anner Bijlsma et Reinbert de Leeuw a été enregistrée en 1963 ! Je n'imaginais pas Biljsma né en 1934, je l'imaginais plus « récent » ; mais à la date de cette version Bijlsma avait donc moins de 30 ans ...
Il en existe une autre version par René van Ast au violoncelle et le même Reinbert de Leeuw au piano, mais je ne suis pas certain de la date de cet enregistrement et donc de son éligibilité ici.

Les Pièces en style libre de Louis Vierne ne sont pas à proprement parler l'une de ses oeuvres « majeures » au même titre que ses six symphonies pour orgue ou ses Pièces de fantaisie, mais elles constituent tout de même un recueil important dans son oeuvre.
Composées en 1913, ces Pièces en style libre sont destinées aussi bien à l'orgue avec pédalier qu'à l'harmonium, ce qui les rend plus accessibles techniquement et plus « domestiques » que ses grandes oeuvres symphoniques. Elles restent néanmoins typiquement « vierniennes », avec une écriture harmonique raffinée, influencée par Debussy et Franck, un lyrisme souvent poignant, parfois sombre, et une alternance entre pièces méditatives et pièces plus animées (comme le Scherzetto, ou la Marche funèbre par exemple).
Elles sont donc très belles, représentatives de son style, mais moins monumentales que ses symphonies.

L'interprétation par Rafael Kubelik (1971) du Lohengrin de Wagner est une version assez particulière et, peut-être bien, notable à plusieurs égards. En effet, Kubelík privilégie ici une lecture très lyrique, fluide et claire, avec une direction souple, évitant toute lourdeur excessive. En cela, il se distingue de chefs plus « massifs » comme Karajan, Furtwängler, Knappertsbusch ou même Solti, et met l'accent sur la transparence des textures, ce qui donne une lecture davantage aérée et détaillée.
Ce n'est donc peut-être pas la version la plus « mythique » de Lohengrin, mais une alternative rafraîchissante face aux mastodontes wagnériens plus traditionnels.

Pour terminer pour cette fois, deux concertos de Jolivet : le Concerto pour trompette n°2 - l'une de ses oeuvres les plus réputées il me semble - et le Concerto pour violoncelle n°1 ; deux pièces de Schumann par des interprètes d'exception, dont Dennis Brain pour son Adagio et Allegro pour cor et piano ; Mondi celesti de Malipiero ; trois Ballades de Martin (Ballade pour piano et orchestre, Ballade pour trombone et orchestre et Ballade pour violoncelle et piano) et enfin deux courtes pièces de Stravinsky : Scherzo à la russe pour orchestre de jazz, version pour orchestre symphonique et The Dove descending breaks the air, anthem pour choeur a cappella.
Le Scherzo à la russe peut tout à fait être soumis aux projecteurs. Qualifié parfois d'oeuvre « amusante », surtout dans sa version orchestrale, c'est une pièce vive, légère et pleine d'esprit, avec un certain côté burlesque typique du Stravinsky néoclassique : un rythme enlevé et dansant, avec des syncopes et des surprises typiques du jazz, une orchestration pétillante, pleine de couleurs et d'effets inattendus ; et enfin un mélange de styles qui frôle parfois la caricature, mais toujours avec l'élégance, bien sûr, de Stravinsky :)
Bref un style propre à certaines compositions typiques de son goût pour les contrastes marqués et une certaine ironie musicale. Il s'amuse clairement avec les codes du jazz tout en gardant son écriture rigoureuse et soignée. Une sorte d'oeuvre qui peut être prise comme une « fantaisie orchestrale ludique », avec un esprit espiègle, malicieux ... bon tout à fait dans l'esprit de Stravinsky donc ! :)

La liste complète pour cette fois :

• Brahms : Ein deutsches Requiem (x2)
• Debussy : Fantaisie pour piano et orchestre
• Debussy : Préludes pour piano, Livres I et II
• Jolivet : Concerto pour trompette n°2
• Jolivet : Concerto pour violoncelle n°1
• Liszt : Sonate en si mineur (x3)
• Malipiero : Mondi celesti
• Martin : Ballade pour piano et orchestre
• Martin : Ballade pour trombone et orchestre
• Martin : Ballade pour violoncelle et piano
• Milhaud : Le Boeuf sur le toit
• Milhaud : Pacem in terris
• Praetorius : Danses de Terpsichore (extraits)
• Praetorius : Musique chorale pour Noël
• Ravel : Mélodies hébraïques
• Schumann : Adagio et Allegro pour cor et piano
• Schumann : Scènes d'Enfants
• Stravinsky : Scherzo à la russe pour orchestre de jazz, version pour orchestre symphonique
• Stravinsky : The Dove descending breaks the air, anthem pour choeur a cappella
• Vermeulen : Sonate pour violoncelle et piano n°1
• Vierne : Pièces en style libre, pour orgue, Livres I et II
• Wagner : Lohengrin

Bonnes écoutes :) :coucou:

Re-bonjour à toutes et à tous :)

Package « de transition » si l'on veut, consacré cette fois exclusivement au piano (pour la plupart au piano solo, à l'exception de quelques oeuvres concertantes pour piano avec Cortot et Nelson Freire) et que l'on pourrait intituler « Pianistes d'exception ». De nombreuses oeuvres ci-dessous m'ont été fournies par lebewohl, qu'il en soit infiniment remercié :zen:
Mais que peut-il nous en dire ?

Certains enregistrements sont de vrais documents historiques : c'est le cas du Concerto pour la Main gauche de Ravel par Cortot et Munch. Musique tout à fait contemporaine à l'époque, le concerto n'avait pas dix ans ! Les autres enregistrements de Cortot sont consacrés à Chopin, une des grandes spécialités de ce pianiste, mais aussi aux Jeux d'Eau de Ravel.
Pas mal de Chopin dans des versions relativement anciennes (de toute façon plus de 50 ans !). Claudio Arrau est représenté par un enregistrement des Etudes datant des années 50, et par les Préludes qu'il a gravés dans les années 70 chez Philips. Son magnifique enregistrement des Nocturnes est malheureusement encore un peu trop récent, mais patience ! D'autres « chopiniens » confirmés comme Guiomar Novaes, Benno Moïsewitch, Samson François ont enregistré les Préludes ou les Etudes dans les années 50.
Chopin était un des compositeurs de prédilection de Nelson Freire, et il est représenté ici par les Préludes. Mais Freire est aussi présent par quelques-uns de ses chevaux de bataille, avec Grieg, Schumann ou Tchaikovsky.
Aldo Ciccolini enfin. On l'associe surtout à la musique française, Satie, Saint-Saens, Séverac, qu'il a, de fait, joués magnifiquement, ainsi que Debussy, ce qui est déjà moins connu. On oublie plus souvent encore qu'il a enregistré les sonates de Beethoven ou les Années de Pèlerinage de Liszt. Mais c'est un compositeur peut-être inattendu pour beaucoup qui est ici proposé, Johannes Brahms, dans ses derniers opus pour piano solo.

Point besoin donc de s'attarder davantage sur ces oeuvres et interprètes, merci Leb pour cette présentation :)
Je me contenterai pour ma part de vous en présenter la liste, classée cette fois par ordre alphabétique des noms des interprètes et ensuite de l'intitulé des oeuvres.

Claudio ARRAU

• Chopin : 3 Etudes pour piano op. posthume
• Chopin : Études pour piano op. 10 et op. 25
• Chopin : Préludes pour piano op. 28, op. 45 et sans op.

Alfred CORTOT

• Chopin : Barcarolle
• Chopin : Berceuse
• Chopin : Impromptus
• Ravel : Concerto "pour la main gauche"
• Ravel : Jeux d'eau

Aldo CICCOLINI

• Brahms : 2 Rhapsodies pour piano op. 79
• Brahms : 3 Intermezzos op. 117
• Brahms : 4 Klavierstücke op. 119
• Brahms : 6 Klavierstücke op. 118
• Brahms : 8 Klavierstücke op. 76
• Brahms : Fantaisies pour piano op. 116

Samson FRANÇOIS

• Chopin : Études pour piano op. 10 et op. 25
• Ravel : Jeux d'eau
• Ravel : Pavane pour une infante défunte (version pour piano)
• Ravel : Sonatine pour piano
• Ravel : Valses nobles et sentimentales (version pour piano)

Nelson FREIRE

• Chopin : Préludes pour piano op. 28
• Grieg : Concerto pour piano en la mineur
• Liszt : Totentanz
• Schumann : Carnaval, pour piano
• Schumann : Concerto pour piano
• Tchaikovsky : Concerto pour piano n°1

Benno MOÏSEWITCH

• Chopin : Préludes pour piano op. 28, op. 45 et sans op.

Guiomar NOVAES

• Chopin : Études pour piano op. 10 et op. 25

Bonnes écoutes :) :coucou:

Re-bonjour à toutes et tous :)

Saluons pour commencer à l'occasion de ce premier « demi-package » d'avril l'arrivée de deux compositeurs nouveaux venus en BM - tous deux peu connus aujourd'hui et qui pourtant furent de grandes célébrités en leur temps : Samuel Coleridge-Taylor et Benjamin Godard. Des enregistrements, il y en a, avec les redécouvertes récentes des gloires passées, mais d'éligibles il y en a peu - or il faut faire avec ce qu'on a.
Les présentations et biographies de ces deux compositeurs, retraçant leurs parcours respectifs, se trouvent :
- pour Coleridge-Taylor, en anglais ici avec une traduction (automatique) en français ici ;
- et pour Godard, ici.

Trois oeuvres de Coleridge-Taylor, dont la plus importante ou tout au moins la plus célèbre est évidemment Hiawatha's Wedding Feast, d'après Le Chant de Hiawatha, un poème épique en vers libres de Henry Wadsworth Longfellow, symbolique de la littérature américaine d'inspiration autochtone du XIXe siècle, nous apprend Wiki (plus de détails ici).

Le cas de Godard est lui aussi très intéressant : outre deux jolis concertos - l'un pour violon, l'autre pour piano,
la Berceuse de Jocelyn de Godard inspiré du poème de Lamartine fut à l'époque un tube intégral, transcrit et retranscrit à diverses sauces ; j'ai donc exploré un peu toutes sortes de versions et de toutes époques ; et s'il est vrai que certains documents accusent leur âge, c'est toujours intéressant. Il y en a un sacré lot et pour tous les goûts, vous allez pouvoir vous amuser :D
À noter : la présence dans ce corpus de deux occurrences de la version originale, pour ténor : par Bjørling et par Gedda.
En voici le pitch - mais, avant de le lire, un petit conseil : gardez à portée de main une boîte de Kleenex :bebe:
Jocelyn, séminariste, chante et implore la Vierge pour son ami Laurence, blessé suite à une chute dans un ravin, qu'il pense être un jeune homme et qui s'avèrera être une jeune fille ; coup de foudre, amour chaste, mais Jocelyn est ordonné sur ordre de l'évêque ; fin de l'idylle. Jocelyn reste prêtre qq part dans la montagne. Il revient au pays, et un jour il est appelé pour administrer les derniers sacrements à une femme errante, mourante et miséreuse : c'est Laurence, déchue, meurtrie. Il l'absout et l'enterre sur les lieux de leurs amours passées.
Viennent compléter ce nouveau sujet consacré à Godard, deux pièces tout à fait surprenantes au vu de leurs enregistrements respectifs : sa Mazurka op. 103.4, par Johann Wijsman, prise de ... 1905 ! C'est un enregistrement sur carton perforé, restitué sur un piano mécanique en parfait état, et c'est étonamment audible, pour un document qui a 120 ans ! Et pour finir la Chanson de Juin par ... Enrico Caruso ! un vrai document donc (de 1916 !) - tout comme on pourrait en dire de même de certaines versions de la Berceuse de Jocelyn (de Ninon Vallin par exemple, enregistrement de 1926, ou de Erna Sack, ou encore de Rita Streich).

Nous avions déjà de Clérambault trois pièces pour orgue par Marie-Claire Alain et Michel Chapuis. Voici maintenant avec, cette fois, Thurston Dart au clavecin, les deux Suites des Pièces de clavecin. Dart était un claveciniste remarquable, et son interprétation apporte souvent une rigueur et une clarté qui lui sont propres, deux qualités qui s'appliquent à la perfection au style de Clérambault. Ce dernier, par rapport à d'autres compositeurs français de l'époque, se distingue en effet par une écriture moins chargée en ornements, favorisant une clarté harmonique et une fluidité mélodique qui rendent ses pièces accessibles sans perdre en raffinement, tout en intégrant subtilement des éléments du style italien dans la tradition française, notamment dans certains mouvements plus chantants ou dans une écriture plus libre.
En résumé, ces Pièces de clavecin sont à la fois ancrées dans la tradition française, ouvertes aux influences italiennes et marquées par une élégance et une expressivité qui les rendent particulièrement séduisantes. Elles mériteraient d'être plus souvent jouées aux côtés des oeuvres de Couperin ou de Rameau dont Clérambault n'a, malheureusement, pas atteint la même notoriété ...

Une entreprise un peu plus osée : celle de vous présenter un nombre important de La Bonne Chanson de Fauré - essentiellement dans sa version pour voix et piano. Un peu à la manière du Jocelyn de Godard, il y en a un paquet, pour toutes les tessitures et tous les goûts, et je vous laisse le privilège d'en découvrir la liste complète dans le sous-forum approprié (clic) :)

Pour compléter cet ensemble, une oeuvre de Bowen, une autre d'Enesco, et enfin les deux Sonates pour piano de Jolivet, par Wayenberg (enregistrements de 1974). Ces dernières ne sont sûrement pas parmi les oeuvres les plus souvent jouées de Jolivet mais elles me semblent mériter clairement qu'on s'y attarde un peu.
La première Sonate a été composée juste après la Seconde Guerre mondiale - et la mort de Bartok, et elle semble témoigner de la volonté de Jolivet de renouer avec une forme d'expression intense et dramatique. Elle combine son langage harmonique personnel, souvent modal, avec une virtuosité qui rappelle parfois Prokofiev ou Bartok, déjà cité.
La seconde sonate est plus tardive (1957) et explore davantage l'abstraction et la densité harmonique. Elle montre un Jolivet plus mature, avec une approche plus libre des structures formelles et un langage harmonique plus audacieux. Il y a des sections méditatives et d'autres plus « percussives », mettant en avant l'aspect rythmique du piano.
Les deux sonates sont assez exigeantes techniquement et nécessitent un pianiste à la fois puissant et subtil, deux adjectifs qui pourraient aisément s'appliquer à Wayenberg, qui avait l'habitude d'aborder des répertoires à la fois virtuoses et expressifs, ce qui convient parfaitement aux sonates de Jolivet.

Guillaume Lekeu achève cette livraison. Sa destinée tragique (1870-1894), - emporté à l'âge de 24 ans par la fièvre typhoïde, fausse un peu l'image que nous nous avons de lui. Loin d'être un artiste marqué par le malheur, peu de temps avant son imprévisible maladie, il travaillait avec une ardeur féconde et heureuse, et voyait s'ouvrir à lui le plus bel avenir, encouragé en cela par César Franck puis par Vincent d'Indy après la mort de son maître.
Lorsqu'il compose (la même année que la Sonate pour violon et piano, ce chef d'oeuvre qui lui assurera une place de choix dans la musique européenne) la Fantaisie sur deux airs angevins, les parents du jeune Guillaume s'étaient fixés à Angers. Au hasard d'un dîner, Lekeu entend deux chants populaires dont les thèmes le séduisent. De là naquit cette Fantaisie sur deux airs angevins, l'une de ses oeuvres symphoniques les plus jouées.
En voici une version de 1962 par Fernand Quinet et l'Orchestre de Liège.
Précisons que cet enregistrement nous a été fourni par Schosta : qu'il en soit ici infiniment remercié ! :zen:

La liste complète des oeuvres pour cette fois ci-dessous :

• Bowen : Partita pour piano
• Clérambault : Pièces de clavecin, Deuxième Suite en ut mineur
• Clérambault : Pièces de clavecin, Première Suite en ut majeur
• Coleridge-Taylor : Hiawatha's Wedding Feast
• Coleridge-Taylor : Othello, musique de scène
• Coleridge-Taylor : Petite Suite de Concert
• Enesco : Sonate pour violon et piano n°2
• Fauré : La Bonne Chanson (version pour voix et piano) (x12)
• Fauré : La Bonne Chanson (version pour voix, piano et quintette à cordes)
• Godard : Berceuse de Jocelyn (x11)
• Godard : Chanson de Juin
• Godard : Concerto pour piano n°2
• Godard : Concerto pour violon "Romantique"
• Godard : Mazurka pour piano
• Jolivet : Sonate pour piano n°1
• Jolivet : Sonate pour piano n°2
• Lekeu : Fantaisie sur deux airs angevins

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à toutes et tous :)

Second « demi-package » d'avril aujourd'hui. Nous avions achevé le premier à la lettre L avec Lekeu, nous reprenons aujourd'hui à la lettre M avec Mahler.

De Mahler nous parlerons cette fois de la Symphonie n°2 "Résurrection", déjà présente en BM dans une version de 1951 par Klemperer avec Jo Vincent et Kathleen Ferrier.
D'emblée, présence cette fois de quatre nouvelles versions, dont certaines, plutôt récentes - par exemple par Klemperer (enregistrement de 1965) avec cette fois Heather Harper et Janet Baker.

Brève présentation de ces quatre nouvelles versions :
Barbirolli (1965) apporte un lyrisme et une chaleur typiques de sa direction, avec une attention particulière aux phrasés et aux nuances. Berlin garantit une interprétation techniquement impeccable, et Janet Baker est, comme toujours, d'une expressivité remarquable, même si certains auditeurs trouvent que Barbirolli manque parfois de tension dramatique, ce qui peut donner l'impression d'un premier mouvement un peu trop contemplatif.
Fidèle à ses habitudes, Klemperer (1965) nous offre une interprétation monumentale et « architecturale ». Klemperer adopte des tempos assez lents, ce qui accentue le côté implacable et solennel de l'oeuvre, - ce qui peut constituer une forme d'austérité dans l'interprétation et un côté dramatique parfois plus faible que dans d'autres versions plus flamboyantes.
Fidèle à son habitude lui aussi, Scherchen (1958) propose une interprétation hors normes, très énergique, avec des contrastes marqués et des tempos souvent surprenants. Il met l'accent sur l'urgence et l'intensité dramatique, même si qqs puristes ont souligné certaines libertés prises avec la partition pouvant en déranger certains.
Stokowski (1963) quant à lui offre une lecture théâtrale (qui s'en serait douté ? :D), puissante et passionnée, avec un sens du contraste et de la couleur orchestrale inimitable. Sa direction met en valeur toute la richesse instrumentale typique de Mahler.

Les Gurrelieder de Schoenberg (une autre oeuvre monumentale et pour tout dire considérée comme envoûtante par certains), sont à la croisée du post-romantisme et de la modernité propre à Schoenberg. La version présentée ici, de János Ferencsik (1974), est généralement très bien considérée, notamment pour sa clarté orchestrale et son sens du drame. Ferencsik, parfois sous-estimé à l'international, offre ici une lecture qui rivalise avec celles de chefs plus célèbres. L'orchestre est précis, le choeur impressionnant, et la distribution vocale solide, et garde un équilibre entre grandiose et lisibilité, sans tomber dans une lourdeur excessive même si elle n'atteint peut-être pas pour certains le charisme absolu d'autres versions (on cite souvent Chailly, Ozawa ...).

Passons à Frank Martin ; son Concerto pour clavecin et orchestre de chambre est l'un des chef-d'oeuvre du compositeur, mariant subtilement une sorte d'esthétique « baroque » avec son langage harmonique très personnel, et où l'écriture met en valeur la transparence du clavecin face à l'orchestre.
Maria Triptychon a été lui composé pour soprano, violon solo et orchestre. C'est une oeuvre de recueillement, d'une beauté sobre et intense, où Martin atteint une forme de dépouillement expressif d'une rare profondeur ; l'oeuvre se démarque par une écriture vocale exigeante, proche de l'oratorio, mais avec une certaine fluidité lyrique qui l'éloigne de la rigidité formelle de ce genre. Le violon solo joue un rôle essentiel, non pas en tant que simple accompagnement, mais en dialoguant étroitement avec la voix et l'orchestre. L'orchestre, souvent en arrière-plan, joue un rôle d'écrin pour la voix et le violon. À noter (pour l'anecdote ?), que dans la version que je vous propose ici, Irmgard Seefried et Wolfgang Schneiderhan étaient époux à la ville. Martin a écrit Maria Triptychon pour eux.
En complément chez Martin, le Concerto pour piano et orchestre n°2 est un concerto plus tardif (1969) ; c'est une oeuvre virtuose et rhapsodique qui alterne lyrisme et rythmes incisifs, et Quatre Pièces brèves pour guitare (par Julian Bream, interprétation de 1967), un recueil qui démontre la capacité de Martin à écrire pour la guitare en exploitant pleinement son potentiel expressif et technique.

Milhaud maintenant - dont j'ai choisi de vous présenter un échantillon de ses concertos.
Son Concerto pour piano et orchestre n°1 est un excellent exemple de sa période la plus énergique et colorée. Écrit en pleine époque où il explore les influences du jazz et des rythmes sud-américains (notamment après son séjour au Brésil, comme c'est le cas aussi pour son Concerto pour percussions), l'oeuvre est un cocktail explosif d'inventivité rythmique et d'harmonies audacieuses.
Dès le premier mouvement, on est frappé par une dynamique percussive du piano, qui dialogue avec un orchestre vif et contrasté. La polytonalité caractéristique de Milhaud est omniprésente, avec des superpositions d'accords qui créent un climat toujours en tension, sans jamais sombrer dans la dissonance gratuite.
Le mouvement lent apporte une touche plus lyrique et méditative, un contraste bienvenu avec l'énergie du reste de l'oeuvre. Quant au finale, il renoue avec une écriture rythmique incisive et une virtuosité quasi-mécanique du piano.
Ce concerto, moins joué que certains autres concertos du XXe siècle, mérite d'être redécouvert, tant pour sa vitalité que pour la richesse de son écriture. Il incarne parfaitement l'esthétique de Milhaud : une musique à la fois érudite et immédiatement communicative, qui ne craint ni l'exubérance ni l'expérimentation harmonique. Je vous le propose aujourd'hui « en deux exemplaires » :), n'osant toutefois pas vous demander laquelle des deux vous préférez car il n'y a jamais - à l'instar des playlists de mah70 - aucune réaction face à ces publications ...
Milhaud compose le Concerto pour alto et orchestre n°1 à la fin des années 1920, une période où il est déjà un compositeur établi et reconnu pour son style éclectique, mêlant influences classiques, jazz, musique brésilienne et polytonalité. Il le dédie à son ami Maurice Vieux, l'un des plus grands altistes français de l'époque.
Moins connu que le premier, le Concerto pour alto et orchestre n°2 est pourtant une oeuvre d'une richesse expressive remarquable. Milhaud, lui-même altiste dans sa jeunesse, connaissait parfaitement les possibilités de cet instrument, souvent relégué à un rôle d'accompagnement dans l'orchestre.
Dès les premières mesures, l'alto s'impose comme une voix chantante, avec une écriture fluide et expressive qui tire parti du timbre profond et chaleureux de l'instrument. L'orchestre, de taille modeste, joue un rôle de soutien délicat, mettant en valeur les longues lignes mélodiques de l'alto.
Milhaud joue ici avec ses techniques habituelles : une harmonie subtilement polytonale, une rythmique souple et des couleurs orchestrales qui évoquent parfois les sonorités de la musique française du début du XXe siècle.
Le Concerto pour violoncelle n°1 fait partie des oeuvres concertantes les plus ambitieuses de Milhaud et constitue possiblement l'une de ses oeuvres majeures. Écrit dans les années 1930, il reflète toute la diversité stylistique du compositeur, oscillant entre lyrisme, rythmes syncopés et polytonalité audacieuse.
Le premier mouvement s'ouvre sur un thème incisif et nerveux, où le violoncelle se détache immédiatement dans une écriture soliste virtuose. Milhaud y mêle des éléments de musique populaire et des harmonies complexes, créant une atmosphère à la fois dynamique et imprévisible.
Le mouvement lent est sans doute le plus marquant de l'oeuvre : un long chant élégiaque du violoncelle, soutenu par des harmonies orchestrales d'une grande subtilité. Milhaud y exploite pleinement la capacité de l'instrument à exprimer une mélancolie profonde, rappelant parfois l'écriture de Fauré ou de Ravel.
Le final, en contraste, retrouve une énergie rythmique effervescente, avec des échanges vifs entre le soliste et l'orchestre. Le violoncelle, agile et expressif, doit ici faire preuve d'une grande virtuosité pour se frayer un chemin à travers des textures orchestrales souvent denses.
Ce concerto, bien que moins joué que ceux de Prokofiev ou Chostakovitch, est pourtant une pièce essentielle du répertoire pour violoncelle du XXe siècle.

Les Sonates d'Église (sonate da chiesa) de Mozart sont un ensemble de pièces brèves en un seul mouvement composées entre 1772 et 1780. Elles étaient conçues pour être interprétées durant la célébration de la messe entre l'épître et l'évangile.
Après le départ de Mozart de Salzbourg, l'archevêque a demandé qu'à la place de ces sonates d'église, soit chanté un motet ou un choral. Les sonates d'église sont alors tombées dans l'oubli (source).

Terminons cette (longue) présentation avec Windsong de Harry Partch, une oeuvre évocatrice et envoûtante à la sonorité unique due à l'instrumentarium de Partch et à son approche microtonale. Elle a été conçue à l'origine comme musique de film pour Windsong, un court-métrage de 1958 sur le vent et la nature - que j'ai sans succès cherché sur YT afin de vous le montrer.

Ebony concerto de Stravinsky et l'Invitation à la Danse de Weber venant clore cet ensemble, en voici la liste complète pour cette fois :

• Mahler : Symphonie n°2 "Résurrection" (x4)
• Martin : Concerto pour clavecin et orchestre de chambre
• Martin : Concerto pour piano et orchestre n°2
• Martin : Maria Triptychon, pour soprano, violon solo et orchestre
• Martin : Quatre Pièces brèves pour guitare
• Milhaud : Concerto pour alto et orchestre n°1
• Milhaud : Concerto pour alto et orchestre n°2
• Milhaud : Concerto pour percussions et orchestre de chambre
• Milhaud : Concerto pour piano et orchestre n°1 (x2)
• Milhaud : Concerto pour violon et orchestre n°2
• Milhaud : Concerto pour violoncelle et orchestre n°1
• Mozart : Sonates d'Église
• Partch : Windsong
• Schoenberg : Gurrelieder
• Stravinsky : Ebony concerto, pour clarinette et orchestre de jazz
• Weber : Invitation à la Danse (version orchestrale d'Hector Berlioz)

Bonnes écoutes :coucou:

Salut à toutes et à tous ! :)

Voici ce que j'écrivais dans le package du 8 mars dernier, consacré aux femmes compositrices : Nous célébrions hier le sesquicentenaire de la naissance de Ravel (auquel un prochain package sera consacré). Ravel est en effet né le 7 mars 1875 et c'est sur la suggestion de lebewohl que nous vous proposons aujourd'hui en guise de package de transition un giga-package consacré exclusivement à Maurice Ravel.
Signalons que la quasi-totalité du programme ici proposé a été concocté et m'a été envoyé par lui-même (par lebewohl hein pas par Ravel :D). Qu'il en soit chaleureusement remercié :zen:
C'est donc tout naturellement à Leb que je laisse le soin de développer ce projet et d'expliciter la démarche :)
À lui la parole ! :up:

Comme il est dit plus haut, Maurice Ravel aurait eu 150 ans le 7 mars dernier. C'est l'occasion de proposer sinon une intégrale du moins un large panorama de son oeuvre (pas si abondante au demeurant).
Ravel a été très vite célèbre et célébré, ce qui a lui a permis d'être très tôt enregistré - et bien enregistré, ou en tout cas enregistré par de bons interprètes. Il a lui-même laissé des enregistrements (encore que les mauvaises langues prétendent que ce n'est pas lui qui dirige les orchestres qu'il « dirige », mais Piero Coppola ; je n'en sais rien).
De son vivant, donc, deux Boléro (un en principe dirigé par lui), un quatuor par le quatuor Capet, un Concerto en sol par Marguerite Long et en principe dirigé par lui. Le « package » consacré aux pianistes propose de son côté le Concerto pour la Main gauche par Cortot et Munch en 39, dix ans après la composition, deux ans après la mort de Ravel !
Ce sont là les enregistrements extrêmement historiques. Mais la chance de la musique de Ravel est d'avoir bénéficié de très nombreuses réalisations vraiment superbes dans les années 50 et 60. Ce n'est pas le cas de tous les compositeurs actifs dans la première moitié du siècle passé : les premiers enregistrements, même en 33 tours, de Bartók, Schoenberg ou Stravinsky, compositeurs certes parfois moins immédiatement flatteurs que Ravel, sont souvent plus astringents.
Dans cette richissime période, le choix résulte pour une bonne part de ma propre discothèque, et donc de mon goût plus ou moins prononcé pour telle ou telle oeuvre. J'ai toutefois essayé d'être relativement complet, mais en privilégiant sans doute les oeuvres que j'aime le plus ou qui me semblent les plus significatives de l'art de Ravel : Daphnis et Chloé, le Concerto pour la Main gauche, L'Enfant et les Sortilèges (qui a hélas peu d'enregistrements ! mais la magnifique version d'Ernest Bour est déjà en BM), Gaspard de la Nuit, pour ne citer que ces exemples. Mais j'ai aussi retenu quelques tubes beaucoup enregistrés (le Boléro, évidemment, non que je ne l'aime pas !). Et, pour les interprétations, il y a un mélange de celles que je trouve les plus réussies et de celles qui me paraissent historiquement importantes, par exemple, au-delà des gravures d'avant-guerre, les enregistrements par des orchestres français, pas par chauvinisme, mais parce que les instruments, notamment les bois, ne sonnaient pas pareil. Sans compter que certains interprètes (Pierre Monteux, créateur de Daphnis et Cholé, Manuel Rosenthal, un de ses rares élèves ou Marcelle Meyer) ont connu Ravel. On s'étonnera peut-être du nombre de Rhapsodies espagnoles : c'est simplement que c'est un complément fréquent aux oeuvres qui ne suffiraient pas à remplir seules un disque (déjà au temps du 33 tours) !
Une remarque concernant la musique pour piano, qui pourrait paraître peu présente : c'est que soit elle est déjà dans la BM depuis longtemps, soit elle apparaît dans le « package » consacré aux pianistes, notamment quelques oeuvres par Samson François.
Une mention spéciale pour les mélodies, sans doute pas la composante la mieux connue de l'oeuvre de Ravel. Une large sélection est proposée, par des interprètes de choix (Irma Kolassi, Camille Maurane, Bernard Kruysen, Gabriel Bacquier, Suzanne Danco, Gérard Souzay…). S'il n'y a hélas pas, pour des raisons de droits sur les poèmes de Paul Morand, mort en 1976, le superbe cycle Don Quichotte à Dulcinée, on trouvera les petits bijoux un peu méconnus que sont, par exemple, les Deux Epigrammes de Clément Marot ou les Histoires naturelles. Et même les surprenants Trois Poèmes de Mallarmé : il se dit que leur instrumentation inhabituelle viendrait du récit fait par Stravinsky de l'audition de Pierrot lunaire de Schoenberg, audition qui aurait aussi inspiré au dit Stravinsky les Trois Poésies de la Lyrique japonaise.

Hé bien un très grand merci Leb pour cette présentation particulièrement complète ! :)
Pour ma part, j'ai tout simplement compilé la liste complète des oeuvres pour cette fois : la voici :)

• Ravel : 3 Poèmes de Mallarmé
• Ravel : Boléro (x7)
• Ravel : Chansons madécasses (x3)
• Ravel : Cinq mélodies populaires grecques (x3)
• Ravel : Concerto "pour la main gauche" (x3)
• Ravel : Concerto en sol (x3)
• Ravel : Daphnis et Chloé (x3)
• Ravel : Deux Épigrammes de Clément Marot
• Ravel : Gaspard de la Nuit (x2)
• Ravel : Histoires naturelles (x3)
• Ravel : Jeux d'eau (x2)
• Ravel : L'Enfant et les Sortilèges (x2)
• Ravel : L'Heure espagnole
• Ravel : La Valse (x3)
• Ravel : Ma mère l'oye (version pour orchestre) (x3)
• Ravel : Mélodies hébraïques (x3)
• Ravel : Pavane pour une infante défunte (x3)
• Ravel : Quatre chants populaires pour voix et piano
• Ravel : Quatuor à cordes
• Ravel : Rhapsodie espagnole (x6)
• Ravel : Ronsard à son âme NV (x2)
• Ravel : Sainte, mélodie pour voix et piano (x2)
• Ravel : Shéhérazade, 3 mélodies pour soprano et orchestre (x2)
• Ravel : Sonate pour violon et piano n°2
• Ravel : Sonate pour violon et violoncelle
• Ravel : Sonatine pour piano (x2)
• Ravel : Trio pour piano, violon et violoncelle (x3)
• Ravel : Tzigane
• Ravel : Un grand sommeil noir, mélodie pour voix et piano

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à toutes et à tous et bienvenue pour ce nouveau package « Un peu de tout » ;)

Gerald Finzi, compositeur pourtant non négligeable - loin de là, était jusqu'à aujourd'hui absent de notre BM - un oubli réparé par lebewohl qui nous le présentait dans un récent MQED sur le thème des compositeurs fumeurs de pipe :D
Finzi a composé peu d'oeuvres instrumentales - un concerto pour clarinette et un pour violoncelle par exemple - dont je n'ai pas trouvé (jusqu'à présent ?) de version éligible afin de vous les présenter ici - et peu de musique de chambre.
Il est toutefois l'auteur d'un grand nombre d'oeuvres vocales et a composé notamment neuf cycles de lieder dont six sur des textes de Thomas Hardy. Ce sont cinq de ces six cycles que je vous propose ici.
La musique vocale de Finzi constitue sans doute l'un des sommets de la mélodie anglaise du XXe siècle. S'il mit en musique plusieurs poètes, c'est dans l'univers sombre, introspectif et profondément humain de Thomas Hardy que Finzi trouva sa plus forte résonance. Cette affinité élective se traduit par une série de cycles de mélodies, composés entre les années 1920 et 1950, réunissant au total plus de 40 poèmes mis en musique. Chaque cycle offre un éclairage particulier sur la poésie de Hardy : sa mélancolie, son ironie discrète, son rapport au temps, à la nature, à la mort, à l'amour …
Voici les cinq cycles retenus ici, tous interprétés par des artistes majeurs de l'école anglaise (dont Howard Ferguson, compagnon de longue date de Finzi) :
Earth and Air and Rain (1932-36). Ce cycle de dix lieder est souvent considéré comme le chef-d'oeuvre vocal de Finzi. Des textes tels que The Clock of the Years ou Proud Songsters offrent un mélange saisissant de simplicité lyrique et de profondeur métaphysique.
Before and After Summer (1932-49) : neuf poèmes parmi les plus riches de Hardy, dont le bouleversant The Self-Unseeing et Channel Firing, que Finzi traite avec un rare équilibre entre pudeur et intensité expressive. Ce cycle explore la mélancolie, le passage du temps et les états d'âme liés à l'amour et à la solitude, dans une écriture vocale raffinée.
A Young Man's Exhortation (1926-29) est le premier grand cycle de Finzi sur Hardy, il y évoque la jeunesse, le passage du temps et les regrets - des thèmes chers au compositeur. Finzi y donne une voix musicale sensible à la jeunesse, à ses espoirs et à ses désillusions, sur des poèmes de Hardy, son auteur fétiche.
I Said To Love (1957 - posthume). Composé peu avant la mort du compositeur, ce cycle bref mais poignant déploie une atmosphère plus résignée et plus intériorisée, où le thème de l'amour déçu ou impossible est abordé avec une profondeur inhabituelle, sur six poèmes à l'atmosphère sombre - comme un adieu discret au monde.
Till Earth Outwears (1934-56 - posthume) est un cycle bref, constitué à partir de pièces composées sur plusieurs décennies, et rassemblé après la mort de Finzi. Il forme une sorte d'épilogue serein à sa trajectoire vocale. C'est le dernier cycle publié après la mort du compositeur, et ces mélodies contemplatives sur des poèmes de Hardy témoignent d'une forme d'adieu au monde, à la vie, à l'art …
Ces oeuvres forment une véritable traversée poétique et musicale du monde de Hardy, relu à travers la sensibilité contemplative de Finzi. Leur élégance discrète, leur art subtil du mot et leur pudeur expressive en font un sommet du genre - malheureusement trop peu connu en-dehors des cercles anglophones - un « manque » que j'espère avoir (un peu) restreint grâce à ces publications.

Les Motets de Bach, BWV 225 à 230, seuls généralement reconnus comme authentiques (Singet dem Herrn, Der Geist hilft unser Schwachheit auf, Jesu, meine Freude, Fürchte dich nicht, Komm, Jesu, komm et Lobet den Herrn), forment un ensemble de pièces vocales sacrées, composées entre 1723 et 1729, principalement destinées à des services funèbres ou commémoratifs, et essentiellement écrites durant son séjour à Leipzig.
Ces motets, bien que d'envergure modeste comparée aux grandes passions ou cantates, montrent un haut degré de complexité et de perfection de composition et elles sont considérées, parmi les oeuvres vocales de Bach, comme les plus abouties et comme des sommets de la musique polyphonique occidentale (dixit Wiki - et pour qui souhaiterait en savoir plus :)), et une inventivité remarquable dans la manière d'exprimer les textes bibliques et choraux. Ils étaient conçus pour double choeur ou choeur simple, souvent a cappella (ou avec accompagnement instrumental doublant les voix).
L'enregistrement de Kurt Thomas en 1959 est une version pionnière et influente de ce répertoire, avec une lecture à la fois respectueuse de la tradition chorale allemande et d'une belle rigueur polyphonique.

Apollo e Dafne est une cantate dramatique pour soprano, basse et orchestre, composée par Haendel probablement entre 1709 et 1710, alors qu'il séjournait à Venise ou juste après son arrivée à Hanovre. Elle est l'une de ses oeuvres vocales italiennes les plus ambitieuses avant ses grands opéras londoniens.
Cette cantate s'inspire directement du célèbre épisode des Métamorphoses d'Ovide, dans lequel le dieu Apollon poursuit la nymphe Daphné, qui finit par être changée en laurier pour échapper à ses avances. C'est une oeuvre riche en contrastes expressifs et en couleurs orchestrales : on y trouve des moments de triomphe héroïque, d'amour lyrique, de peur, de refus, et une conclusion poignante avec la transformation de Daphné.
Musicalement, l'oeuvre est structurée comme un mini-opéra, alternant récitatifs et airs, avec un accompagnement instrumental soigné et varié. Le rôle d'Apollon (basse) domine la première moitié, tandis que celui de Daphné (soprano) prend toute sa dimension dans la seconde, notamment dans le superbe air, à la fois noble et résigné, Felicissima quest'alma.
L'enregistrement de 1960 dirigé par Anthony Lewis, pionnier de l'interprétation historiquement informée en Angleterre, est un jalon important de la redécouverte de ce répertoire à une époque où Haendel n'était pas encore le pilier des scènes baroques qu'il est devenu depuis. Il met en valeur la grâce et la théâtralité baroque de cette cantate avec un équilibre tout britannique entre retenue et expressivité.

Composée en 1931, Die Bakchantinnen est l'un des opéras les plus puissants et sombres d'Egon Wellesz, élève de Schoenberg mais aussi grand spécialiste de la musique byzantine et de l'opéra baroque. C'est la quatrième de ses neuf oeuvres scéniques, et probablement la plus radicale sur le plan dramatique.
Le livret est tiré directement de la tragédie d'Euripide, l'une des plus violentes et ambiguës de l'Antiquité. Dionysos, fils de Zeus et de Sémélé, une mortelle, revient à Thèbes avec sa suite pour y établir le culte dionysiaque, naguère interdit par Thésée, roi de la ville. Mais avant tout, Dionysos veut venger sa mère, sous l'impulsion de sa soeur Agavé, la mère de Penthée, devenu roi de Thèbes après l'abdication du vieux Cadmos.
Penthée, rentrant de campagne guerrière, refuse de croire le devin Tiresias qui lui révèle que le dieu approche, et fait emprisonner les femmes déjà converties au culte. Même lorsque Dionysos apparaît dans le palais du roi et donne la preuve de son pouvoir, Penthée reste inflexible. Pensant qu'il peut démasquer l'étranger comme un simple agitateur, Penthée se rend la nuit au mont Cithéron, où se tient une bacchanale. Pour l'observer, il grimpe dans un arbre, d'où il tombe : il est repéré, débusqué, puis mis à mort par les Bacchantes, dont ses deux tantes Ino et Autonoé et sa propre mère Agavé en tête. Dans un état de transe dionysiaque, cette dernière le décapite, pensant qu'il s'agit d'un lion, et revient triomphante en brandissant sa tête. C'est un meurtre « involontaire », un meurtre rituel au nom de Dionysos.
Cette scène figure parmi les plus les plus sanglantes de toute la tragédie grecque.
Quand Agavé reprend ses esprits et se rend compte que le dieu l'a utilisée pour exercer sa vengeance, elle s'effondre sur le cadavre de son fils.
La musique de Wellesz traduit magnifiquement le basculement progressif vers la folie, mêlant timbres archaïques et dissonances acérées. Lors de la scène au sommet de l'arbre, où Penthée observe la bacchanale, l'orchestre se fait prédateur : les lignes se vrillent, les rythmes se déchaînent.
La pièce explore sans manichéisme le choc entre raison et irrationalité, entre ordre et chaos. Elle laisse le spectateur sans repères moraux clairs, confronté à une divinité cruelle et à une humanité désarmée.
Wellesz, en adaptant cette oeuvre dans les années 1930, en souligne toute la tension dramatique et rituelle.
D'après la préface de l'édition relue pour l'occasion par lebewohl (merci à lui), une question reste ouverte : Dionysos est-il une « victime » ou un dieu simplement « vexé » ? Terme faible, car il s'agit tout de même d'une offense divine - un crime de lèse-divinité.
La préface rappelle aussi qu'Euripide, si l'on peut oser le mot, était « anticlérical » : sceptique envers les manifestations religieuses excessives. Les Bacchantes, l'une de ses dernières pièces, laisse planer l'ambiguïté : repentir tardif, appel à la soumission face aux dieux ? Ou, au contraire, critique radicale d'un panthéon barbare et capricieux ?
Créée à Mannheim en 1931, l'oeuvre tomba vite dans l'oubli, en partie à cause de l'exil de Wellesz en Angleterre après l'Anschluss. Il faudra attendre plusieurs décennies pour qu'elle soit redécouverte, discrètement. Bref, une tragédie terriblement moderne, qui montre un monde où les repères vacillent, où la foi devient folie, et où la cruauté divine n'est pas moins brutale que l'orgueil humain.
Wellesz, en s'attaquant à ce texte dans les années 1930, ne choisit pas une oeuvre classique sage, mais une pièce limite, ambiguë, barbare et vertigineuse. Et son traitement musical en fait une oeuvre tout aussi inquiétante. et son traitement musical lui donne une force rare - restée intacte.

Pour changer radicalement d'univers, Frauenliebe und Leben (L'Amour et la Vie d'une femme) de Schumann est un cycle bien connu et ici je me contenterai de citer Wiki : un cycle de lieder de Robert Schumann, composé d'après le recueil de poèmes d'Adelbert von Chamisso. Le cycle se compose de huit lieder (sans titres), qui mettent en musique huit épisodes de la vie d'une femme ; dans chacun des poèmes, c'est la femme qui parle. Ce cycle est un bon exemple de romantisme en musique, avec notamment la grande importance de l'expression personnelle, et l'évocation de la passion amoureuse.
Inutile de vous présenter ici chacun des huit lieder : leur présentation sur la page Wiki ci-dessus me semble suffisante ; pour le reste, comme on dit, y'a plus qu'à écouter :)
Comme il est dit, "dans chacun des poèmes, c'est la femme qui parle" et je vous propose ici quatre versions, avec des solistes incontestables : Janet Baker, Maureen Forrester, Leontyne Price et Sena Jurinac. Que demande le peuple ? :)

Composée pour le couronnement d'Alexandre III, la Cantate "Moscou" de Tchaikovsky se base un texte d'Apollon Maïkov.
Bien qu'elle soit restée relativement obscure (et rarement interprétée), elle nous présente un Tchaikovsky cérémoniel, inspiré par l'apparat et la solennité du rite impérial russe - tout en laissant transparaître la sensibilité du compositeur. L'oeuvre s'ouvre sur une introduction majestueuse, suivie de choeurs alternant ferveur patriotique et lyrisme recueilli, avec quelques passages d'un souffle mélodique typique de Tchaikovsky.

Momoprecoce de Villa-Lobos est une oeuvre fantasque et foisonnante, évoquant l'imaginaire d'un enfant précoce, entre virtuosité pianistique, rythmes populaires brésiliens et orchestration éclatante. C'est une pièce colorée, libre et joyeusement imprévisible, où l'écriture pianistique est touffue, tandis que l'orchestre évoque un carnaval sonore typique de l'auteur.

Bref un package typiquement « Un peu de tout », mais il serait dommage de ne pas mettre en évidence la célèbre version de Madame Butterfly de Puccini, par Karajan avec Vienne, 1974, et sa distribution quatre étoiles : Freni, Pavarotti, Ludwig, etc. Un enregistrement d'exception.
De même, un enregistrement rare de la Symphonie Fantastique de Berlioz par Pierre Dervaux (enregistrement de 1962) sur une suggestion de JEFF (clic) :up:

Sinon, un peu de Geminiani, de Liszt, de Milhaud et de Saint-Saëns avec l'intégrale des Préludes et fugues pour orgue op. 99 et op. 109 avec Pierre Labric, un habitué dorénavant de ces forums :)
La liste complète ici :

• Bach : Motets BWV 225-230
• Berlioz : Symphonie Fantastique
• Finzi : A Young Man's Exhortation
• Finzi : Before and After the Summer
• Finzi : Earth and Air and Rain
• Finzi : I Said To Love
• Finzi : Till Earth Outwears
• Geminiani : 6 Concertos grossos pour cordes et continuo op. 3
• Haendel : Apollo e Dafne
• Liszt : Funérailles
• Milhaud : La Création du monde
• Puccini : Madame Butterfly
• Saint-Saëns : Préludes et fugues pour orgue op. 99 et op. 109, intégrale
• Schumann : L'Amour et la Vie d'une femme (x4)
• Tchaikovsky : Cantate "Moscou"
• Villa-Lobos : Momoprecoce, fantaisie pour piano et orchestre
• Wellesz : Les Bacchantes

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à tous :) et retour à une formule dorénavant bien rodée : celle des deux « demi-packages » par mois.
Cette fois, nous partirons de la lettre A avec Atterberg et terminerons avec la lettre M pour Milhaud.

D'abord, qqs oeuvres plic-ploc pour souligner l'aspect « Un peu de tout » de ce nouveau package, de Blavet par exemple avec son Concerto en la mineur pour flûte et cordes, de Debussy avec ses 3 Ballades de François Villon ou 3 Pièces vocales et Sinfonia sur des thèmes du Stabat Mater de Rossini de Mercadante.
Mais voici quelques commentaires plus développés sur plusieurs oeuvres présentées cette fois, comme d'habitude :) :

La version de La Création de Haydn est celle de Karajan avec Berlin, une prise de 1969. C'est une version hyper-célèbre, reconnue et très appréciée. Hoffelé-Kaminsky la cite comme version de référence, parlant d'équilibre entre la facture classique, et pourtant audacieuse de l'oeuvre, sa religiosité directe, sincère, sans manière, et sa dimension prophétique (…), source de toute une génération d'oratorios romantiques, aux fortunes diverses.
Il nous informe aussi que c'est lors de ces sessions d'enregistrement que Wunderlich trouva la mort, remplacé par Werner Krenn qui enregistra la plupart des récitatifs - ce qui n'affecte en rien la cohérence globale de l'enregistrement.
L'argumentation tient la route ; comme souvent avec Karajan à cette époque, le son est somptueusement capté. L'orchestre de Berlin brille de toutes ses couleurs, avec une pâte orchestrale riche, ample, presque luxuriante et le choeur y est de très haut niveau.
Karajan ne cherche pas à recréer le Haydn du XVIIIe siècle tel qu'on l'imagine aujourd'hui. Il le dirige plutôt comme un grand oratorio sacré à la manière d'un Beethoven ou d'un Bruckner. Cela donne une lecture grandiose, parfois très émotive, mais à mille lieues de lectures plus « authentiques ». Enfin les solistes : Janowitz, sublime d'éclat et de pureté, Christa Ludwig, Wunderlich puis Krenn, Hermann Prey, DFK et Walter Berry sont tous irréprochables.
La version a toutefois fait l'objet de plusieurs « critiques » - basées surtout sur le fait que La Création n'est pas un oratorio romantique ; en effet ...
On a même parlé d'un style anachronique ; pour les amateurs d'interprétations historiquement informées, cette version est trop « romantisée », trop lisse, trop symphonique.
En résumé, cette version est somptueuse, orchestrale, noble, mais pas fidèle à l'esprit baroque ou classique tel qu'on l'entend aujourd'hui. Elle peut séduire par sa beauté plastique et vocale, mais aussi frustrer si l'on cherche la vivacité spirituelle, le théâtre joyeux et inventif que Haydn insuffle dans cette oeuvre. Pour qui aime Karajan, les grands arcs sonores, le choeur glorieux et l'orchestre opulent, c'est un bel enregistrement. Pour les puristes ou les amateurs d'une approche davantage « historicisante », mieux vaut se tourner du côté de Gardiner (sur instruments d'époque), d'Harnoncourt ou de René Jacobs.

Pour suivre, un ensemble de Suites orchestrales d'Atterberg. Il en écrivit un certain nombre mais j'ai choisi de vous n'en présenter que quatre aujourd'hui. Ces quatre suites montrent un Atterberg à contre-courant de la modernité radicale de son temps, mais fidèle à une vision poétique, formelle et expressive de la musique, porteuses d'un sens de l'équilibre et d'une recherche d'expressivité dans des formes relativement modestes. C'est une très belle porte d'entrée pour découvrir un compositeur souvent résumé trop vite à ses symphonies.
La Suite n°2 "La Tempête", évidement inspirée de Shakespeare, tire son origine d'une musique de scène écrite pour une adaptation scandinave de The Tempest digne de Sibelius ou Grieg. La Suite n°3 pour violon, alto et orchestre à cordes est étrangement peu connue. Cette oeuvre concertante en trois mouvements joue avec l'équilibre délicat entre intimité chambriste et lyrisme orchestral. Le dialogue entre les deux solistes évoque parfois la tendresse d'un concerto grosso, avec des harmonies douces, voire nostalgiques, sans jamais sombrer dans la mièvrerie. Dans la Suite n°5 "Baroque", comme son surnom l'indique, Atterberg s'amuse ici à revisiter des formes anciennes - prélude, fugue, bourrée, etc. - avec un vernis néo-baroque plein d'élégance. Il ne s'agit pas d'un pastiche, mais d'un hommage libre et parfois malicieux, dans la lignée d'un Respighi par exemple. Le style est épuré, presque didactique, mais jamais sec. La Suite n°8 "Pastorale in modo antico" est la dernière du cycle ; elle revient au style modal et à l'inspiration populaire suédoise. L'orchestre à cordes évoque un monde rural idéalisé, baigné d'un halo mélancolique. On y perçoit l'influence des musiques anciennes, mais aussi une grande sincérité expressive. C'est une oeuvre méditative, presque intemporelle, qui clôture avec douceur ce parcours à travers les styles.
En conclusion, ces suites sont peut-être mineures dans l'histoire de la musique du XXe siècle, mais elles témoignent d'un art consommé de la forme brève, du ton juste et d'une élégance toute scandinave. Atterberg y révèle un visage plus intime, parfois poétique et toujours maîtrisé. Peut-être une découverte pour certains ici, ou alors une belle redécouverte.

Enfin, en compagnie d'Atterberg, qqs oeuvres issues comme lui des « nouveaux venus de 2025 » : Jolivet et sa Suite delphique, Cinq Études pour orchestre à cordes de Frank Martin et Le Retour de l'enfant prodigue de Milhaud. Mention particulière peut-être pour les Cinq Études pour orchestre à cordes de Frank Martin. Composée en 1956, cette oeuvre en cinq courts mouvements montre à quel point le compositeur savait écrire pour les cordes. Chaque étude explore un caractère ou une ambiance différente, avec une musique à la fois claire, expressive et bien construite. Sans chercher l'effet facile, Martin propose ici une belle leçon d'équilibre entre émotion et maîtrise technique.

Dernier événement notable à signaler (sur une suggestion de lebewohl, merci à lui) : une sorte de « mini-fil rouge » consacré à Pierre Monteux, avec sept ou huit oeuvres par lui dirigées et qui sera donc étalé sur les deux demi-packages de ce mois.
Pour cette fois, par Monteux, l'Ouverture "Benvenuto Cellini" de Berlioz, le Concerto pour violon et orchestre n°1 de Bruch et Escales de Jacques Ibert - entre autres ... et on s'arrête là pour l'instant, cette première partie s'arrêtant à Milhaud. La suite dans une quinzaine de jours.

La liste complète pour cette fois :

• Atterberg : Suite n°2 "La Tempête"
• Atterberg : Suite n°3 pour violon, alto et orchestre à cordes
• Atterberg : Suite n°5 "Baroque"
• Atterberg : Suite n°8 "Pastorale in modo antico"
• Berlioz : Ouverture "Benvenuto Cellini"
• Blavet : Concerto en la mineur pour flûte et cordes
• Bruch : Concerto pour violon et orchestre n°1
• Debussy : 3 Ballades de François Villon
• Haydn : La Création
• Ibert : Escales
• Jolivet : Suite delphique
• Martin : Cinq Études pour orchestre à cordes
• Mercadante : 3 Pièces vocales
• Mercadante : Sinfonia sur des thèmes du Stabat Mater de Rossini
• Milhaud : Le Retour de l'enfant prodigue

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à tous pour ce second demi-package de juin.
Nous nous étions arrêtés à la lettre M avec Milhaud. Nous reprenons avec Mozart :up:

Les 6 Quatuors dédiés à Haydn de Mozart, présentés ici en intégrale, dans l'interprétation du Juilliard String Quartet. Ces six oeuvres figurent parmi les sommets de la musique de chambre mozartienne et peut-ête parmi les sommets de la musique de chambre en général.
Mozart les composa entre 1782 et 1785, profondément marqué par la découverte des derniers quatuors de Haydn, qu'il admirait sans réserve. Il les lui dédia d'ailleurs dans une lettre célèbre, avec la déférence d'un "fils" s'adressant à un "père spirituel".
L'interprétation des Juilliard, ici dans leur âge d'or (vers les années 1960), se distingue par sa clarté d'élocution, son équilibre rigoureux, et une intelligence du discours qui évite tout excès d'affect ou de romantisme déplacé. Le son est lumineux, sans surcharge, parfois presque austère - ce qui laisse toute leur place à la structure, à la polyphonie ... On est plus dans l'objectivité que dans la tendresse viennoise, mais jamais au détriment de la tension dramatique.
Ce n'est peut-être pas l'interprétation la plus chaleureuse ou la plus sensuelle au monde, mais elle demeure l'une des plus lucides et cohérentes ; un modèle de rigueur au service d'une musique d'une perfection formelle saisissante.

Voici pour suivre une large sélection des poèmes symphoniques de Richard Strauss : Ainsi Parlait Zarathoustra, Don Juan, Don Quixote, Mort et Transfiguration et Till Eulenspiegels. Point besoin de présenter ces oeuvres, bien connues de tous. Toutes sont interprétées cette fois par Rudolf Kempe et l'Orchestre de la Staatskapelle de Dresde - un cycle qui apparaît à certains comme légendaire et une sorte de « modèle » même si, pour chacune des oeuvres prises séparément, des versions isolées sont souvent citées comme d' « autres références absolues » (Reiner, Dorati, Karajan, Böhm, Krauss, etc.) - certaines d'entre elles déjà présentes ici d'ailleurs.
Pourtant, il est peu d'associations aussi étroitement identifiées à Richard Strauss que celle formée, dans les années 1970, par Rudolf Kempe et la Staatskapelle de Dresde. Ce n'est pas juste une belle entente chef/orchestre, c'est une sorte d'évidence. L'orchestre jouissait d'ailleurs déjà, du vivant même du compositeur, d'un rapport privilégié avec lui (c'est à Dresde que furent créés plusieurs de ses opéras), et Kempe savait en révéler toute la noblesse de timbre, la plasticité, la transparence chatoyante.
Dans ces interprétations tout est affaire d'équilibre : le lyrisme ne tourne jamais à l'emphase, l'éclat reste contenu dans des architectures d'une grande rigueur, la sensualité de la pâte orchestrale n'éclipse jamais la clarté formelle.
La sonorité noble et cuivrée de Dresde, alliée à la direction souple, claire et sans surcharge ni lourdeur de Kempe, donne à ces oeuvres une densité expressive qui ne tombe jamais dans le clinquant ni dans les écueils du sentimentalisme pesant ni de la brutalité tapageuse. Pas de grands effets, juste une maîtrise tranquille, un sens du phrasé, une respiration … qui font que l'on peut si l'on aime ces oeuvres (et comment pourrait-il en être autrement ?) toujours revenir à ces versions avec le même plaisir.
C'est une lecture classique dans le meilleur sens du terme, refusant toute tentation démonstrative, mais d'autant plus profonde qu'elle reste fidèle à l'esprit plutôt qu'à l'effet. Une approche qui ne vieillit pas.

Voici pour suivre une nouvelle version du Requiem de Mozart :
Je cite :

Citation:

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Requiem, pour solistes, choeur, petit orchestre et orgue, KV 626, Gundula Janowitz, soprano, Christa Ludwig, mezzo-soprano, Peter Schreier, ténor, Walter Berry (basse), Gundula Janowitz (soprano), Christa Ludwig (mezzo-soprano), Peter Schreier (ténor), Walter Berry (basse), Orchestre philharmonique de Vienne, Karl Böhm (1971)

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Or nous possédons déjà en BM ceci - je cite à nouveau :

Citation:

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Requiem, pour solistes, choeur, petit orchestre et orgue, KV 626, Edith Mathis, soprano, Julia Hamari, contralto, Wieslaw Ochman, ténor, Karl Ridderbusch, basse, Hans Haselböck, orgue, Choeur de l'Opéra de Vienne, Orchestre philharmonique de Vienne, Karl Böhm (1971)

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Et vous constaterez aisément qu'il s'agit de la même phalange, du même chef, et surtout qu'il s'agit de la même année d'enregistrement. Seuls les solistes diffèrent.
Il était donc légitime à mes yeux de s'interroger sur l'existence des ces deux enregistrements par le même chef et la même distribution orchestrale la même année (1971) :confused:
Quelques-unes de mes réflexions :
À cette époque, les chefs d'orchestre pouvaient être engagés par différentes maisons de disques pour des projets distincts. Böhm travaillait principalement avec DG, mais il n'était pas inhabituel qu'il dirige d'autres ensembles pour des projets spécifiques.
D'autre part, le Requiem de Mozart étant une oeuvre extrêmement populaire, il n'était pas rare que des chefs enregistrent plusieurs versions en peu de temps pour répondre à des publics ou des besoins différents.
Il est possible que l'existence de ces deux versions mette en avant un désir d'explorer diverses approches de l'oeuvre.
Cette double occurrence est un cadeau pour les mélomanes, car elle offre deux perspectives distinctes sur une même oeuvre.

PS : petite précision bien utile qui m'est fournie, après coup, par un membre de l'équipe :

Citation:

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Pourquoi deux enregistrements du Requiem par Karl Böhm en 1971 avec deux distributions différentes ? Parce que l'un est un enregistrement audio pour DG (version Ochman) et l'autre un enregistrement vidéo pour Unitel (version Schreier). L'un devait donner un 33 tours vendu en magasin, l'autre un film vendu aux télévisions. Pas le même public, pas le même média, ça ne doublonnait pas à l'époque ...

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Pour poursuivre, la suite (et peut-être pas la fin, l'avenir nous le dira) de notre « mini fil rouge » consacré à Pierre Monteux, un chef souvent décrit comme un modèle de clarté, d'équilibre et de respect scrupuleux du texte musical. Entamé la dernière fois, j'avais omis de le présenter.
Monteux n'a jamais cherché ni à surinterpréter ni à personnaliser à outrance. Il est connu pour avoir toujours voulu respecter rigoureusement les intentions du compositeur telles qu'indiquées dans la partition. Cela ne signifie nullement une lecture froide, mais plutôt une intégrité musicale constante, sans surcharge expressive.
Issu lui-même d'une formation de violonistes et d'altistes, il avait une prédilection pour le son homogène des cordes, souvent chaud, chantant et sans lourdeur. Il savait faire chanter les pupitres sans pathos.
Monteux dirigeait sans gestes théâtraux. Il était réputé pour son efficacité gestuelle et son autorité naturelle, acquise par le respect qu'il inspirait aux musiciens. Rien de spectaculaire - juste de la substance au meilleur sens du terme.
C'est lui qui créa Le Sacre du printemps en 1913. En-dehors de cela, je vous propose aujourd'hui de lui pour terminer (provisoirement ?) ce fil rouge : Mozart : Concerto pour piano n°12 et Concerto pour piano n°18 ; Rimski-Korsakov : Symphonie n°2 "Antar" ; Scriabine : Le Poème de l'extase ; Stravinsky : Le Sacre du printemps (version enregistrée en 1951 avec Boston) ; Tchaikovsky : Symphonie n°5.
Bref, que du TRÈS bon :)

Delusion of the Fury de Harry Partch, parfois décrite comme une « Une tragédie en deux actes - une antique et une moderne », consiste en fait en une sorte de rituel scénique, un théâtre total, mi-opéra, mi-mystère, avec chant, théâtre, danse, percussions ... Et bien sûr, toutes les inventions instrumentales délirantes de Partch. Il appelait ça lui-même une « total theatre production ». Il s'agit de sa plus ambitieuse oeuvre scénique, synthèse ultime de ses idées musicales, philosophiques et dramatiques. Il l'a conçue dans les années 60 à Los Angeles, avec une troupe d'artistes choisis par lui-même, tous formés à son univers très spécifique. C'est un peu la synthèse de tout Partch : philosophie, théâtre, instrumentarium, voix parlée et/ou chantée, et satire sociale ; aussi d'une critique de la colère, de l'orgueil, des malentendus tragiques ou ridicules, et d'une invitation au détachement. On y trouve une forme de spiritualité laïque, à la fois orientale (zen, nô …) et très ancrée dans l'absurde moderne.
L'oeuvre comporte deux « actes », deux histoires, mais une même morale : la vanité des querelles humaines. Dans l'acte 1 - Antique tragedy (inspiré d'un drame nô japonais), un samouraï assassiné revient hanter son meurtrier pour lui reprocher son geste. Un prêtre tente une réconciliation rituelle … mais les deux hommes restent figés dans leur orgueil et leur colère, leur incompréhension, leur rancune, leur obstination ; aucune paix possible …
Dans l'acte 2 - Contemporary comedy (inspiré d'un conte éthiopien), une querelle absurde entre un sourd et un vagabond devient procès kafkaïen, où tout le monde parle à côté. À la fin, tout le monde s'énerve pour rien, et on rit de cette fureur grotesque.
La musique peut se résumer en un monde sonore qq peu « hypnotique », complètement hors du système tempéré. Partch utilise son échelle de 43 sons par octave et dirige lui-même un orchestre composé d'instruments créés par lui-même. La comparaison entre les deux actes est tout à fait intéressante, car Partch y utilise deux esthétiques musicales contrastées pour renforcer le contraste dramatique. Dans l'acte 1, la musique est quasi mystique, lente, voire cérémonielle. L'atmosphère évoque des rituels ancestraux. Le temps semble suspendu. La déclamation est grave, voire ritualisée. Le texte est peu, voire pas compréhensible, mais ce n'est pas le but : c'est une sorte de chant incantatoire. On y ressent l'impuissance des hommes à se comprendre malgré les rituels. Dans l'acte 2, la musique est plus saccadée ; les tempos sont plus vifs, la musique plus percussive, et le ton franchement satirique. Les personnages y semblent caricaturaux. Le but semble la mise en avant de la fureur grotesque, de la bêtise ordinaire, des procès absurdes … La colère ici n'est plus sacrée, mais ridicule. Mais dans les deux cas : l'incommunicabilité domine, et la seule échappatoire semble être … la musique elle-même.
Bref une oeuvre unique, troublante, qui ne ressemble à rien d'autre - et qu'on n'oublie pas.

Pour suivre, à ne pas manquer surtout : la Symphonie n°3 "Sinfonia del Mare" de Nystroem. C'est une symphonie en un seul mouvement, d'environ 25 minutes, mais structurée en plusieurs sections contrastées. Il s'agit de l'oeuvre la plus célèbre de Nystroem, compositeur suédois profondément influencé par la mer, qu'il contemplait depuis sa maison sur la côte ouest de la Suède. La mer est ici plus qu'un décor : elle est métaphore de l'existence, de la solitude, du flux et du destin.
Il s'agit moins d'un hommage à la mer qu'un dialogue intérieur avec elle - une mer silencieuse, sombre et fascinante, miroir des états d'âme humains.
Bien que très évocatrice, cette oeuvre n'est pas une peinture descriptive. Elle s'inscrit dans une logique symphonique moderne, avec développement de motifs, de tension dramatique, et d'un grand arc émotionnel. On y perçoit : l'immensité et l'indifférence de la mer, parfois menaçante, parfois apaisée ; l'angoisse existentielle, la mélancolie nordique, mais aussi une forme de résignation sereine ; un lyrisme retenu, jamais sentimental, avec peut-être des influences d'un Sibelius tardif, mais plus linéaire et fluide.
Le moment le plus marquant arrive dans les dernières minutes : une soprano solo entre en scène de façon presque irréelle, pour chanter un poème de Ebba Lindqvist, poétesse suédoise contemporaine de Nystroem - que voici d'abord en suédois :
Havet tog mig i sina armar,
Det vaggade mig länge.
Sen kastade det mig ifrån sig,
Lämnade mig ensam på stranden.
Och där blev jag stående,
Väntande på dess återkomst.
Men det kommer inte tillbaka.
Ce poème exprime une mélancolie amoureuse liée à la mer - un sentiment de solitude infinie face à une force cosmique.
La voix ne couronne pas l'oeuvre de manière triomphante, mais la dissout dans une méditation poétique, comme si elle retournait à l'océan.
Cette fois en traduction française :
La mer me prit dans ses bras,
Elle me berça longtemps.
Puis elle me rejeta,
Me laissant seule sur la grève.
Et là je suis restée,
À attendre son retour.
Mais elle ne revient pas.
Tout comme en suédois, c'est d'une pureté glaçante. Le rythme du poème épouse presque celui des vagues : vaggade mig länge ("me berça longtemps") est d'une douceur trompeuse, juste avant le rejet brutal : kastade det mig ifrån sig.
Sinfonia del Mare est donc moins un hommage à la mer qu'un dialogue intérieur avec elle - une mer silencieuse, sombre et fascinante, miroir des états d'âme humains. La soprano, tardive et presque fantomatique, donne à l'oeuvre une dimension existentielle unique dans le répertoire symphonique du XXe siècle.

Plus qqs oeuvres diverses de Smetana et de Telemann (deux Magnificats).
Liste complète ci-dessous :

• Mozart : 6 Quatuors dédiés à Haydn, intégrale
• Mozart : Concerto pour piano n°12
• Mozart : Concerto pour piano n°18
• Mozart : Requiem
• Nystroem : Symphonie n°3 "Sinfonia del Mare"
• Partch : Delusion of the fury
• Rimski-Korsakov : Symphonie n°2 "Antar"
• Scriabine : Le Poème de l'extase
• Smetana : Carnaval de Prague
• Strauss (Richard) : Ainsi Parlait Zarathoustra
• Strauss (Richard) : Don Juan
• Strauss (Richard) : Don Quixote
• Strauss (Richard) : Mort et Transfiguration
• Strauss (Richard) : Till Eulenspiegels
• Stravinsky : Le Sacre du printemps
• Tchaikovsky : Symphonie n°5
• Telemann : Magnificat en sol majeur "Deutsche Magnificat"
• Telemann : Magnificat en ut majeur "Anima mea"

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à tous pour ce premier demi-package de juillet ! :)

Pour commencer, deux « monuments » de la littérature lyrique - certainement pas parmi les plus fréquentés, mais vous m'en direz des nouvelles après les avoir écoutés :) : David de Milhaud et le Requiem de Frank Martin.

Le David de Milhaud est un oratorio en 5 parties, sur un livret en anglais d'Armand Lunel. Commandé pour célébrer le 3e millénaire de la prétendue naissance de David (car la date de naissance de David est évidemment symbolique ; fête organisée à Jérusalem en 1954), cet oratorio biblique témoigne de la double identité de Milhaud : son enracinement dans la tradition juive et son goût pour les fresques dramatiques.
L'oeuvre est l'une de ses plus ambitieuses, avec solistes, choeur mixte, grand orchestre, et une veine dramatique proche de l'opéra.
Milhaud déploie ici son langage caractéristique - polytonalité fluide, orchestration vive, mélodies sinueuses - mais au service d'une narration continue : la vie de David, depuis son onction par Samuel jusqu'à sa mort.
L'écriture chorale est foisonnante, parfois archaïsante, parfois violente, toujours expressive.
L'enregistrement proposé ici, de 1956, par Izler Solomon et le Hollywood Bowl Orchestra, est un enregistrement rare et historique, jamais réédité officiellement à ma connaissance - je ne sais même plus qui me l'a fait parvenir, car comme vous vous en doutez plusieurs de ces oeuvres proposées ici ne sont pas de mon propre cru mais me sont envoyées par divers formistes intéressés par ce projet de BM, la plupart souhaitant rester discrets.
En résumé cet oratorio foisonnant de Darius Milhaud met en scène toute une galerie de personnages bibliques, dans un langage aussi dramatique que profondément personnel. Cet enregistrement rare par Izler Solomon bénéficie d'une distribution exceptionnelle, dont Harve Presnell, un baryton clair et souple, campant un David à la fois héroïque et humain et Marni Nixon, la fameuse « voix fantôme » d'Hollywood, qui incarne Abishag dans un rôle bref mais poignant.

Le Requiem de Frank Martin, pour 4 solistes, choeur mixte, orchestre et orgue, composé alors que Martin a plus de 80 ans, est un testament spirituel. Martin, chrétien fervent mais discret, y déploie toute la profondeur de son art, dans un style méditatif et dépouillé.
Il refusa toujours les effets faciles, et même dans cette oeuvre de mort, il privilégie la lumière à l'effroi.
C'est une oeuvre profondément intime, d'une grande pureté spirituelle. Unique enregistrement dirigé par Martin lui-même - il faut le prendre comme référence.

J'ai placé Musique à la chapelle de Charles-Quint, par l'Ensemble vocal Roger Blanchard et Pierre Froidebise à l'orgue, enregistrement de 1955, en section « Divers » car ce disque regroupe trois compositeurs avec qqs unes de leurs compositions : la Messe "Je suis déshéritée" de Nicolas Gombert ; des oeuvres vocales de Thomas Crécquillon ; et qqs pièces d'Arnold Schlick.
Ce programme reconstitue l'univers musical des Habsbourg au XVIe siècle, à l'apogée de la Renaissance franco-flamande. Gombert et Crécquillon, tous deux natifs des Pays-Bas méridionaux (actuelle Belgique), ont servi dans la chapelle impériale de Charles-Quint. Schlick, quant à lui, était un compositeur allemand, organiste et théoricien, lié à la cour de Maximilien Ier (grand-père de Charles-Quint), mais ses oeuvres ont rayonné bien au-delà.
Il s'agit d'un disque assez rare …
La messe de Gombert, d'une grande complexité, et les oeuvres de Crécquillon ou Schlick révèlent toute la richesse musicale de l'Europe impériale du XVIe siècle, avec l'orgue historique d'Alkmaar en contrepoint.
Une découverte à coup sûr pour bcp, mais une grande réussite. Je conseille :)

Boris Godounov, suite symphonique de Moussorgsky (qui s'en serait douté :D) rassemble les pages orchestrales les plus marquantes de Boris Godounov, l'opéra mythique de Moussorgsky et n'a pas de forme canonique : elle peut varier selon l'arrangeur (ici Stokowski dans un arrangement souvent spectaculaire). Elle reprend généralement des moments orchestraux emblématiques, sans les voix. Mais même dépouillée de ses voix, la musique reste intensément tragique et dramatique, avec des couleurs orchestrales riches, une tension sous-jacente permanente, et un climat russe sombre et fascinant typiques de la rrrrusitude :)

Malipiero, figure majeure de la musique italienne du XXe siècle, s'est toujours tenu à l'écart du néoclassicisme « à la Stravinsky » ou des écoles sérielles. Son langage est personnel et libre, avec une forte sensibilité pour le passé italien (Monteverdi, Frescobaldi …), sans nostalgie.
Fantasie di ogni giorno (Fantaisies de chaque jour) est une oeuvre orchestrale en cinq mouvements, dont le titre suggère une sorte de journal intime musical. Pas de programme narratif, mais une suite d'impressions changeantes, entre ironie, méditation et énergie.
La musique y est très colorée, souvent modale, parfois dissonante mais jamais aride, et l'écriture fluide, sans blocs massifs ni climax « hollywoodiens ». En bref, une belle illustration du style inclassable de ce maître italien du XXe siècle, un vrai plaisir à entendre.

La Sonate pour deux clavecins de Wilhelm Friedemann Bach, l'aîné rebelle et sans attaches de J.S., rarement joué, mérite qd même d'être signalé. L'oeuvre présentée cette fois est peu connue, et la forme « pour deux clavecins seuls » en est un exemple rare. Cette sonate - rare également au disque, est ici interprétée par Genoveva Gálvez et Rafael Puyana, dont la complicité et l'expressivité donnent un relief particulier à cette oeuvre atypique.

Le célèbre Concerto pour violoncelle n°2 de Dvorak est ici interprété par Zara Nelsova et Joseph Krips (1952). Zara Nelsova fut l'une des premières violoncellistes solistes de renommée mondiale - et une pionnière pour les femmes dans ce répertoire.
Cet enregistrement n'est pas nécessairement cité parmi les « grands classiques » du concerto, mais il est d'une belle clarté, sans pathos excessif. La direction de Krips, précise et fluide, met bien en valeur le tissu orchestral. En résumé, une lecture à la fois noble et lyrique.

Retrouvons Nelsova dans la Sonate pour violoncelle de Grieg :)
Cette sonate tardive de Grieg est une oeuvre lyrique et lumineuse, rarement enregistrée. Zara Nelsova et Grant Johannesen (1966) en donnent ici une interprétation à la fois intime et rayonnante.
La sonate elle-même est relativement peu connue - il s'agit toutefois d'une une perle romantique scandinave.
Grant Johannesen, pianiste américain raffiné, était un spécialiste de la musique française et nordique.

Deux oeuvres de Franck pour suivre : les Variations symphoniques et la Sonate pour violon et piano.
Sa Sonate pour violon et piano par Zino Francescatti et Robert Casadesus (1947) est une des grandes versions historiques. Un classique parmi les classiques. Casadesus et Francescatti avaient une complicité de longue date ; leur approche est élégante, claire, lumineuse, équilibrée et très « française » dans le style.
De plus pour ne rien gâcher, le son de 1947 est fort bien capté pour l'époque.
Les Variations symphoniques sont ici enregistrées en 1968 par Takahiro Sonoda sous la direction de Sergiu Celibidache - un duo rare. Celibidache dirigeait peu de musique française, ce qui rend ce témoignage précieux.
Sonoda, pianiste japonais dorénavant bien connu ici, nous offre ici une interprétation très fluide, presque méditative. Bref, une lecture tout en clarté et en retenue, relevée par la direction nuancée de Celibidache.

Pour terminer, la Symphonie n°97 de Haydn, par Cleveland et George Szell (1957), et le Concerto pour clarinette en la majeur de Mozart, avec Alfred Prinz et Karl Böhm (1974), dont je me contenterai de souligner pour les deux l'excellence de la qualité d'exécution :up:

La liste complète ici :

• Bach (Wilhelm Friedemann) : Sonate pour 2 clavecins
• Dvorak : Concerto pour violoncelle et orchestre n°2
• Franck : Sonate pour violon et piano
• Franck : Variations symphoniques
• Grieg : Sonate pour violoncelle et piano
• Haydn : Symphonie n°97
• Malipiero : Fantasie di ogni giorno
• Martin : Requiem
• Milhaud : David
• Moussorgsky : Boris Godounov, suite symphonique
• Mozart : Concerto pour clarinette et orchestre
• Musique à la chapelle de Charles-Quint

Bonnes écoutes :)

Re-bonjour à toutes et à tous pour la seconde partie de ce package de juillet qui coïncide avec la fête nationale belge - ce qui n'a strictement aucun intérêt puisque le contenu n'a rien à voir ; mais bon vous connaissez tous ma propention aux remarques HS :D

Et si l'on commençait par ce qui me paraît être la « pièce maîtresse » de cette livraison ?
Je parle bien entendu de l'Intégrale des Symphonies pour orgue de Widor par Pierre Labric (coffret de 11 vinyles, qd même !), et j'espère que les amateurs d'orgue seront ravis :)
Widor utilise le mot symphonie dans un sens propre à l'orgue français de la fin du XIXe siècle : il s'agit d'oeuvres en plusieurs mouvements, conçues comme des pièces de concert exploitant toutes les ressources dynamiques de l'orgue moderne, en particulier celles des instruments de Cavaillé-Coll - on en reparle ci-dessous.
Il s'éloigne du langage liturgique pour créer un équivalent pour orgue de la symphonie romantique - dans un style à la fois expressif, structuré et spectaculaire.
Point besoin de reparler de Pierre Labric - si ce n'est pour souligner une fois de plus son talent, - et sa lecture à la fois souple, rigoureuse et profonde, sans esbroufe - : que nous avons déjà évoquée à maintes reprises sur ce forum.
En revanche, peut-être serez-vous intéressé par qqs précisions sur l'enregistrement et l'instrument utilisé.
Labric a enregistré cette intégrale sur le Grand Orgue Cavaillé-Coll de l'abbatiale Saint-Ouen à Rouen (en 1973). L'ancienne abbatiale Saint-Ouen à Rouen est un édifice monumental comparable par ses dimensions à Notre-Dame de Paris. Succédant à un premier édifice roman de dimensions voisines, il est commencé en 1318 et achevé en 1852. La longueur de Notre-Dame est 127 mètres, la longueur de St-Ouen est de 134 mètres. La hauteur sous voûte des deux édifices est de 33 mètres. A partir de 1888, Aristide Cavaillé-Coll reconstruit l'instrument à partir des restes de celui XVIIe construit par Crespin Carlier sur les plans de Titelouze. Il est achevé en 1890. C'est le dernier grand opus du maître, chef-d'oeuvre de 64 jeux sur 4 manuels et un pédalier, depuis les jeux d'un pied du carillon I-III et du plein-jeu V jusqu'au 32 pieds de la soubasse et de la contre-bombarde. Le clavier de récit est le plus grand jamais construit par Cavaillé-Coll, avec pas moins de 20 jeux, ce qui en fait presque un orgue à lui seul. Albert Dupré en est le titulaire de 1911 à 1939, son fils Marcel y fera ses premières armes. Widor, qui l'inaugura, dit que c'est un instrument « à la Michel-Ange » ; c'est pour lui qu'il écrira sa Symphonie Gothique.
Et sur les oeuvres ? Autant vous prévenir d'emblée : on est dans le monumental, dans tous les sens du terme :D
Dix symphonies en tout, composées entre 1872 et 1900 :
Les premières symphonies, de la n°1 à la n°4, restent très influencées par Mendelssohn et les débuts du romantisme français. Les formes y sont classiques, encore un peu académiques.
Les symphonies 5 et 6 apparaissent plus ambitieuses ; l'écriture y semble plus libre, contribuant au développement d'un style "organistique-symphonique". La Toccata de la 5e est aujourd'hui l'une des pièces d'orgue les plus jouées au monde (notamment en cas de mariage … même si ce n'était pas le but :D) - mais parfois jugée « un peu facile » ou « tape-à-l'oeil » par certains organistes.
Les symphonies 7 et 8 sont plus complexes harmoniquement, parfois plus sombres et introspectives.
Les deux ultimes symphonies - la Gothique et la Romane constituent vraisemblablement une synthèse de maturité. La Gothique est écrite pour Saint-Ouen spécifiquement et inclut une citation du Puer natus est en finale. La Romane quant à elle est presque mystique, baignée dans le chant grégorien du Kyrie Cunctipotens genitor Deus.
Si vous n'avez jamais écouté cette intégrale, je n'ai aucun doute sur le fait que vous l'apprécierez :)

Autre genre, autre style (c'est le moins que l'on puisse dire :D) : The Wayward (le Rebelle, ou l'Égaré, ou le Marginal) de Harry Partch, est une oeuvre vocale-instrumentale de 1941-1943 - version revue jusqu'en 1955.
Il s'agit d'un cycle en quatre parties que Partch a qualifié de « musique dramatique », basée sur des textes qu'il a écrits lui-même ou collectés dans les années 1930, à l'époque où il vivait en vagabond, errant de train en train à travers l'Amérique.
Ces quatre volets sont : Barstow - à partir de graffitis lus sur un mur d'arrêt de bus en Californie ; San Francisco - le récit halluciné d'un ivrogne hurlant à la mort de sa bien-aimée ; The Letter - une lettre réelle reçue d'un ami en prison ; et U.S. Highball - la narration jubilatoire d'un voyage clandestin à bord d'un train de marchandises.
Entre narration chantée, poésie brute et instruments inventés (comme le Chromelodeon, les Cloud-Chamber Bowls ou le Kithara), Partch développe dans cette oeuvre et un peu comme à son habitude, un langage musical totalement unique, ancré dans un univers sonore à la fois étrange, hypnotique, drôle et poignant.

Le Chant du Rossignol de Stravinsky est un poème symphonique tiré de l'opéra du même nom (et déjà en BM), inspiré d'un conte d'Andersen. Il s'agit d'une oeuvre purement orchestrale, reprenant les moments les plus évocateurs de l'acte II et du début de l'acte III. L'orchestration y est raffinée et suggestive, où se croisent l'univers féerique de la Chine impériale et une tension dramatique sous-jacente. Et l'interprétation de Lorin Maazel (1958) semble irréprochable ... bon, ça ce sera à vous de juger ... :)

Je suis resté longtemps perplexe sur une présentation possible du Canon de Pachelbel, bizarrement absent jusqu'à présent de notre BM. C'est tellement connu qu'il m'a paru d'abord difficile d'en dire quelque chose d'original tant il est surexposé, voire « trop » connu. Mais justement, c'était peut-être l'occasion d'un petit retour aux sources ou d'un petit commentaire informatif, sur le mode « bon, on le connaît tous, mais savez-vous que ... ? » Qqs recherches s'imposaient donc :)
Cette version par Jean-François Paillard en 1968 est sans doute la version qui a transformé cette pièce autrefois obscure en star mondiale des mariages, des compiles, des hypermarchés et des ascenseurs :D
Composé à la fin du XVIIe siècle, ce Canon pour trois violons et basse continue était tombé dans l'oubli jusqu'au XXe siècle. Redécouvert en 1919 dans une bibliothèque allemande, publié dans les années 1920, il restait peu joué ... jusqu'à l'enregistrement de Paillard.
Il s'agit d'un canon à trois voix, superposé à une basse obstinée de deux mesures répétées 28 fois (!). La progression d'accords est très simple mais envoûtante - et efficace : D - A - Bm - F#m - G - D - G - A ; il s'agit d'une des suites harmoniques les plus "recyclées" de l'histoire moderne (des centaines de chansons pop en dérivent).
La version Paillard n'est pas une reconstitution baroque fidèle : Paillard ajoute des cordes largement étoffées, du rubato, et un contrepoint romantisant. On obtient une version chaleureuse, lustrée, élégante, qui a conquis le monde entier - au point de devenir une sorte d'arrière-plan sonore par excellence. On aime ou on sature, mais cette lecture a marqué l'histoire du disque.

Les Vêpres siciliennes de Verdi est un opéra en cinq actes sur un livret français de Scribe et Duveyrier. Commandé pour l'Opéra de Paris, il s'agit d'un grand opéra à la française ; composées en 1855, entre La Traviata et Simon Boccanegra, Les Vêpres marquent une étape vers le Verdi de maturité, plus complexe, plus structuré, déjà presque « politique ».
L'histoire est inspirée des événements de 1282, lorsque les Siciliens se révoltèrent contre l'occupation française.
Verdi y adopte les codes du grand opéra parisien : ballet obligatoire, cinq actes, choeurs massifs, scènes spectaculaires ; il est moins connu que d'autres titres, mais reste d'une puissance certaine, notamment dans ses grands ensembles.
Créé à Paris en 1855, Les Vêpres siciliennes est l'un des rares opéras de Verdi composé et chanté en français à l'origine, même s'il est le plus souvent donné en italien (I vespri siciliani). Alliant l'ampleur du grand opéra parisien à l'intensité dramatique verdienne, l'oeuvre évoque la révolte des Siciliens contre l'occupation française en 1282. Moins connu que d'autres titres, mais d'une puissance certaine, notamment dans ses grands ensembles.
Je vous en propose aujourd'hui deux versions, toutes deux de grande classe, et assez différentes : Callas/Kleiber (1951) et Gencer/Gavazzeni (1964).
La version Gavazzeni est solide, bien chantée, avec une Leyla Gencer dramatique et raffinée, et un Rossi-Lemeni toujours imposant. Une version très "opéra de Rome", bien faite, sans excès. La version Kleiber, en revanche, est historiquement précieuse, ne serait-ce que pour Maria Callas dans un rôle qu'elle n'a jamais enregistré en studio, et Boris Christoff, monument vocal en Jean de Procida. Kleiber donne à tout ça une rigueur dramatique qui compense les limites sonores du live.
Mais les deux versions sont séduisantes.

Allez, on continue avec l'opéra ? :)
Et pas n'importe lequel, puisqu'il s'agit de Parsifal de Wagner, - sûrement mon opéra préféré de Wagner, avec sa progression musicale lente, méditative, parfois presque en suspension ... avec sa fameuse ouverture - considérée parfois comme l'une des plus belles pages orchestrales de Wagner
Il s'agit (sauf erreur de ma part) du dernier opéra de Wagner, un « festival scénique sacré », créé à Bayreuth en 1882. L'oeuvre fut conçue pour n'être jouée qu'à Bayreuth, ce qui fut respecté (à peu près … :rolleyes:) jusqu'en 1913. Nous en disposons déjà en BM de plusieurs interprétations ; en voici deux nouvelles, majeures : celle de Solti, avec René Kollo, Christa Ludwig, Gottlob Frick et Hans Hotter ; rien que ça … ; l'autre de Knappertsbusch, version 1964.
Voici en tout cas avec Solti l'une des grandes versions studio, aux côtés de celles de Knappertsbusch, Karajan ou Boulez. La lecture ample, très articulée, avec un Philharmonique de Vienne somptueux. Kollo est un Parsifal clair et juvénile, parfois un peu tendu mais très musical. Christa Ludwig incarne une Kundry à la fois tourmentée et humaine, d'une beauté vocale saisissante. Gottlob Frick (Gurnemanz) s'y montre noble, grave, pénétrant, même si un peu usé. Quant à Hans Hotter, même en Titurel, ajoute une gravité mythologique - on dirait qu'il récite depuis l'au-delà …
Quant à l'orchestre, celui-ci devient la voix intérieure du drame. Bref, une version - mais aussi un opéra "contemplatif", plus proche de Bruckner ou de Debussy que de La Walkyrie.
Knappertsbusch, 1964, avec entre autres Jon Vickers, Barbro Ericsson et Hans Hotter. Vous allez me dire : mais il y a déjà deux versions de Parsifal avec Knappertsbusch en BM : 1950 et 1960. C'est exact ; mais comme on dit : abondance de biens ne nuit pas ; et de même, abondance de Knap, considéré parfois comme le grand prêtre de Bayreuth, - surtout dans ce drame sacré, ne pourrait pas nuire non plus :D
Cette version de 1964 (un live de Bayreuth) est une version dramatique, habitée, avec un souffle mystique puissant malgré quelques imperfections techniques. C'est une version légendaire, enregistrée dans des conditions exceptionnelles.
Jon Vickers y incarne un Parsifal tourmenté, incandescent et visionnaire - l'un des plus intenses de la discographie. Barbro Ericson (Kundry) a été parfois critiquée pour un timbre un peu terne, mais elle reste très engagée dramatiquement. Hotter (encore lui ! mais qui s'en plaindra ?) toujours noble, même si la voix est à la limite de l'usure … et Neidlinger, incarnant un Klingsor glaçant et autoritaire.
Je ne dirai pas que les deux versions méritent l'écoute - ça, vous vous en seriez bien doutés ; mais je le dis qd même :bebe:

Les Concertos pour violon n°1 et 2 de Paganini sont des oeuvres extrêmement connues - et populaires. Inutile donc de les présenter ici, sauf peut-être pour souligner la présence d'Ivry Gitlis, une personnalité unique : un violoniste au jeu très expressif, parfois brut, mais toujours inspiré. Rien à voir avec un quelconque lissage académique ; au contraitre, Gitlis joue ici dans un style résolument « anti-perfectionniste » et charismatique ! Avec Wisłocki, il trouve un accompagnateur efficace, même si l'orchestre reste secondaire dans ces oeuvres à vocation purement violonistique.

La Sérénade op. 24 de Schoenberg (dont une version existe déjà en BM) est pourtant une oeuvre assez rare, et qui mérite peut-être quelques lignes : écrite pour sept instruments et baryton, il s'agit de l'un des premiers cycles vocaux dodécaphoniques de l'histoire, avec un climat de musique de chambre raffinée, plus proche de Webern ou Berg que des lourdeurs atonales qu'on attribue souvent (à tort) à Schoenberg.
Le baryton entre dans le quatrième mouvement seulement : les autres sont purement instrumentaux. Shirley-Quirk y est excellent : diction limpide, engagement dramatique discret mais profond. Atherton quant à lui dirige avec précision et élégance, ce qui est crucial dans ce genre de répertoire.

Pour terminer cette (longue) présentation, qqs mots sur deux oeuvres pianistiques plutôt rares : la Fantaisie pour piano en si mineur de Scriabine est une sorte d'oeuvre de jeunesse ou de transition si l'on préfère, une structure libre, expansive, pas vraiment une forme-sonate, mais avec des tensions harmoniques déjà typiques de Scriabine. Et Lazar Berman, encore jeune en 1950, puissant, visionnaire, très lyrique, avec une approche presque orchestrale du piano.
C'est une interprétation d'époque, captée dans un contexte soviétique mais avec un piano très expressif, malgré les limites techniques de la prise de son.
Enfin, 6 Pièces sur un thème unique de Tchaikovsky, ici par Michael Ponti (1968), est une curiosité et une rareté discographique du répertoire pianistique de Tchaikovsky.
Le thème n'a rien de génial, mais il est traité dans des caractères très contrastés : une sorte de mini-suite de styles, presque pédagogique, à la façon du Carnaval de Schumann, mais en plus « sage ».
Ponti, dans son grand cycle Tchaikovsky chez Vox, livre une interprétation claire, carrée, efficace, pas trop sentimentaliste - ce qui est plutôt un atout ici. Ce n'est pas une oeuvre majeure, mais c'est original, inclassable, et très peu enregistré ; une sorte de rareté discographique en qq sorte ...

La liste complète ici-même :

• Pachelbel : Canon
• Paganini : Concerto pour violon n°1
• Paganini : Concerto pour violon n°2 "La Campanella"
• Partch : The Wayward
• Schoenberg : Sérénade pour septuor et baryton
• Schubert : Variations pour piano à 4 mains D. 813
• Scriabine : Fantaisie pour piano op. 28
• Stravinsky : Le Chant du Rossignol
• Tchaikovsky : 6 Pièces pour piano sur un thème unique
• Verdi : Les Vêpres siciliennes (x2)
• Wagner : Parsifal (x2)
• Widor : Intégrale des Symphonies pour orgue

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à toutes et à tous ! :)

Un membre du forum ayant récemment effectué un voyage au Japon me suggère un « fil rouge » consacré au milieu musical de ce pays, à intituler possiblement « Le Japon et la musique classique occidentale à travers ses interprètes ». Excellente idée ! :love:
Bon devant la pléthore de l'offre, j'ai décidé de limiter (pour l'instant ?) ce (premier ?) fil rouge à deux chefs : Seiji Ozawa (bien sûr, c'est le plus connu en tout cas ici en Europe, au Japon je ne sais) et Hidemaro Konoye, plus un compositeur et deux violonistes que vous découvrirez un peu plus tard.
Ce projet implique beaucoup de redites d'oeuvres déjà en BM, et souvent représentées. Quand les interprètes nippons ont été enregistrés, les maisons de disques n'ont pas choisi des oeuvres dont elles savaient que le public ne se jetterait pas dessus. On a donc de grands classiques "populaires" davantage que de la nouveauté.
Je procéderai par ordre alphabétique des compositeurs, tant pour Ozawa que pour Konoye.
Nous avons donc, aujourd'hui, d'Ozawa :
- deux concertos de Bartok : le Concerto pour orchestre et le Concerto pour piano et orchestre n°3 ;
- le Concerto pour piano n°5 "L'Empereur" de Beethoven ;
- deux symphonies de Beethoven toujours : la Symphonie n°5 et la Symphonie n°9 ;
- et de Berlioz, La Damnation de Faust.
Et une seule oeuvre (pour cette fois, il y en aura d'autres) par Konoye :
- la Symphonie n°6 "Pastorale" de Beethoven.

Hidemaro Konoye (1898-1973) fut un chef d'orchestre et compositeur japonais, figure pionnière du développement de la musique occidentale au Japon. Issu d'une famille aristocratique (son frère aîné fut Premier Ministre), il étudie en Allemagne auprès de Richard Strauss et de Franz Schreker, avant de revenir au Japon pour y fonder l'Orchestre symphonique du Nouveau Japon (aujourd'hui NHK Symphony Orchestra). Il est notamment célèbre pour avoir réalisé la première version discographique intégrale de la Symphonie n°4 de Mahler (en 1930 avec l'Orchestre de la Société philharmonique de Tokyo), un enregistrement historique qui vous sera présenté ici un peu plus tard. Konoye a aussi oeuvré à la création d'un répertoire japonais symphonique moderne, combinant traditions locales et langage occidental. Sa carrière fut marquée par un profond engagement pour la diffusion de la musique classique dans son pays, ainsi que par des collaborations internationales avec Furtwängler, Mengelberg ou encore Ansermet.

J'ai décidé pour suivre de mettre à l'honneur deux compositeurs point trop fréquentés, mais quand même : Adolphe Adam et Hugo Distler - dont il fut question dans un récent MQED.

Adolphe Adam (1803-1856) est un compositeur romantique français déjà connu ici en BM grâce à Giselle, un chef-d'oeuvre du ballet romantique. Fils de Louis Adam, célèbre pédagogue du Conservatoire de Paris, il bénéficie d'une solide formation musicale et étudie notamment avec Boïeldieu. Auteur d'une quarantaine d'opéras-comiques, Adam excelle dans l'art du divertissement à la française, mêlant grâce, humour, verve dramatique et raffinement mélodique.
Ses deux oeuvres lyriques les plus emblématiques (y compris à la postérité) - outre Giselle - : Le Postillon de Lonjumeau (1836) et Si j'étais Roi (1852), témoignent de sa double facette : celle du compositeur brillant et enjoué, et celle du mélodiste rêveur et subtil.
Le Postillon de Lonjumeau, opéra-comique en trois actes, connut un immense succès dès sa création. Avec ses airs virevoltants, sa vivacité orchestrale et son fameux air du ténor "Mes amis, écoutez l'histoire" (célèbre pour son contre-ré suraigu), l'oeuvre incarne l'esprit pétillant de l'opéra-comique à la française. L'intrigue, pleine de quiproquos et de rebondissements, brocarde gentiment le monde de l'opéra et le culte de la célébrité, tout en explorant avec tendresse et malice le rêve d'élévation sociale et en multipliant les trouvailles harmoniques et les contrastes expressifs
Si j'étais Roi, également en trois actes, offre une veine plus lyrique, poétique et raffinée. Sur un livret de Léon Battu et d'Adolphe d'Ennery, l'intrigue repose sur le fantasme du pouvoir. L'action met en scène un modeste pêcheur, Zéphoris, qui rêve de devenir roi ... et le devient pour un jour ! L'oeuvre séduit par son atmosphère orientalisante, son raffinement harmonique et une alternance subtile entre comédie et émotion. Ce fut l'un des derniers grands triomphes d'Adam avant sa mort, tant en France qu'à l'étranger.
En marge de ses oeuvres scéniques, Adam composa aussi de nombreux ballets, pièces instrumentales et musiques sacrées. Membre de l'Institut, professeur respecté au Conservatoire, il fut une figure centrale de la vie musicale parisienne sous Louis-Philippe. Son style fluide, élégant, profondément ancré dans la tradition française, mérite aujourd'hui d'être redécouvert au-delà du seul Giselle.
D'autres oeuvres à découvrir (peut-être pour certains) ici, valent toutes l'écoute (Le Chalet, Le Farfadet, etc.). À noter : La Poupée de Nuremberg est chanté en allemand - ce qui est un peu normal, puisque c'est à Nuremberg :D

Hugo Distler est un nouveau venu en BM mais il a déjà été évoqué sur le forum.
Distler (1908-1942) fut un compositeur, organiste et chef de choeur allemand, figure marquante du renouveau de la musique sacrée protestante au XXe siècle. Profondément influencé par la musique de la Renaissance et de l'époque baroque, en particulier Schütz, Distler développe un style personnel mêlant rigueur contrapuntique, expressivité lyrique et spiritualité intérieure. Il est surtout connu pour ses oeuvres chorales, comme les Motteten op. 10 et son Totentanz (1934), méditation poignante sur la mort ; malheureusement je ne dispose d'aucune de ces deux oeuvres (bon ça viendra peut-être un jour). Dans un contexte politique oppressant (il refuse d'adhérer au nazisme et vit dans un isolement croissant), sa musique traduit souvent une tension spirituelle intense. Il se suicide en 1942 à l'âge de 34 ans, accablé par les pressions psychologiques et morales. Aujourd'hui redécouvert, Distler est salué pour la pureté de son langage vocal et son rôle de passeur entre tradition luthérienne et modernité expressive.
Sans verser dans le sordide - mais plutôt dans l'émouvant, l'émotionnel, le respect - ou le tragique, Wiki nous offre qqs précisions sur les conditions de son suicide :
Profondément chrétien, il refuse de collaborer avec les nazis. Objecteur de conscience et donc en danger de mort (dans l'Allemagne nazie, l'objection de conscience était punie de mort), harcelé par des menaces de plus en plus pressantes de mobilisation, également isolé et déprimé par la mort de ses amis sur le front, par les bombardements aériens et les difficultés de travailler, il se suicide le 1er novembre 1942 en s'asphyxiant au gaz. Au soir du 30 octobre, avant-veille de sa mort, il avait appris que, dès le 2 novembre, il allait une nouvelle fois recevoir un avis d'ajournement mais qu'un sixième ordre de mobilisation lui parviendrait dès le 3 novembre.
Voici les oeuvres que j'ai de lui - il n'y en a que quatre mais c'est déjà pas mal, d'autant qu'elles révèlent plusieurs facettes assez révélatrices de l'univers de Distler, qui permettent une belle approche de son langage - à la fois ancré dans la tradition luthérienne et très personnel.
Le Concerto pour clavecin et orchestre à cordes (1935) est une oeuvre rare et brillante, qui témoigne de l'intérêt de Distler pour les formes anciennes, revisitées avec une énergie rythmique et une tension harmonique très modernes. Le clavecin n'est pas ici cantonné à un rôle d'accompagnement, mais devient un acteur expressif à part entière, dans un esprit proche du néo-baroque allemand.
Die Weihnachtsgeschichte (L'Histoire de Noël, 1933) est quant à elle l'une des oeuvres chorales les plus connues de Distler. Basée sur des textes bibliques et des chorals anciens, cette « histoire sacrée » met en valeur son art du contrepoint et de la clarté polyphonique. Épurée, spirituelle, intense sans jamais être pesante, elle est typique de ce renouveau de la musique sacrée protestante dans l'entre-deux-guerres.
Konzertstück pour deux pianos (1931) est certes moins connu que ses oeuvres chorales, c'est une partition vigoureuse, très structurée, qui mêle rigueur formelle et expressivité. On y retrouve un idiome contrapuntique serré, une écriture rythmique dynamique, et une grande exigence technique. Une curiosité captivante dans son catalogue.
Et pour terminer (pour l'instant ?), le Quatuor à cordes en la majeur (1930), composé alors que Distler n'a qu'une vingtaine d'années, reflète son admiration pour la musique ancienne, notamment celle de Schütz et des maîtres de la Renaissance, tout en l'inscrivant dans un langage résolument moderne. La texture y est souvent claire et aérée, mais toujours tendue, comme si la tradition n'était là que pour mieux être interrogée.
Avec ces quatre oeuvres voici un Distler « pluriel », à la fois compositeur instrumental, vocal, soliste et chambriste. Un très bon point de départ pour faire connaître ce musicien trop méconnu.

Enfin, en guise de postlude à cette livraison déjà assez variée, un truc qui n'a rien à voir mais qui je l'espère satisfera les amateurs et leur fera plaisir, un peu d'orgue car il y a des amateurs ici je le sais (enfin, au moins un :D), qqs Improvisations de Vierne par Labric - comment ça, qui est-ce ? => :p :D

La liste complète pour cette fois ci-dessous :

• Adam : La Poupée de Nuremberg
• Adam : Le Chalet
• Adam : Le Diable à quatre
• Adam : Le Farfadet
• Adam : Le Postillon de Longjumeau
• Adam : Ouverture "Danilova"
• Adam : Ouverture "Giralda"
• Adam : Ouverture "La Poupée de Nuremberg"
• Adam : Si j'étais Roi
• Bartok : Concerto pour orchestre
• Bartok : Concerto pour piano et orchestre n°3
• Beethoven : Concerto pour piano n°5 "L'Empereur"
• Beethoven : Symphonie n°5
• Beethoven : Symphonie n°6 "Pastorale"
• Beethoven : Symphonie n°9
• Berlioz : La Damnation de Faust
• Distler : Concerto pour clavecin et orchestre à cordes
• Distler : Die Weihnachtsgeschichte
• Distler : Konzertstück pour deux pianos
• Distler : Quatuor à cordes en la
• Vierne : Improvisations

Bonnes écoutes (et peut-être, bonnes découvertes :)) :coucou:

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Seiji Ozawa

Re-bonjour à toutes et à tous ! :)

Nous poursuivons aujourd'hui notre petit séjour au Japon avec, comme d'hab, des oeuvres plutôt connues, par Ozawa et par Konoye.

Aujourd'hui, par Ozawa :
- la Symphonie fantastique de Berlioz (en deux versions) ;
- le Concerto pour violon et orchestre n°1 de Bruch ;
- la Sinfonietta de Janacek ;
- les Danses de Galánta de Kodaly ;
- et la Symphonie n°2 "Résurrection" de Mahler.
Et, par Konoye :
- le Concerto pour piano n°5 "L'Empereur" de Beethoven ;
- la Symphonie n°5 de Beethoven ;
- et la Symphonie n°9 de Beethoven aussi.

Pour accompagner ce petit trajet musical nippon, quatre nouveaux venus en BM : Georg Böhm, Tomás Bretón, Alphons Diepenbrock et Sigismund Thalberg.

Tomás Bretón (1850-1923), un compositeur espagnol (malgré son patronyme :D), fut l'un des maîtres de ce genre caractéristique de la musique espagnole et de nulle part ailleurs, la zarzuela. La verbena de la Paloma, son oeuvre phare, était autrefois connue d'un grand nombre de personnes dans toute l'Espagne, et pas seulement dans les couches sociales dites « supérieures » ; je ne sais si c'est encore le cas aujourd'hui, la société ibérique n'échappant pas au phénomène global d'appauvrissement culturel des populations en marche depuis quelques décennies :siffle: mais c'est en tout état de cause une figure connue et importante de la musique de son pays. Plus d'infos sur lui ici.
Deux oeuvres de lui cette fois : La verbena de la Paloma, une zarzuela et peut-être son oeuvre la plus connue (clic pour en savoir plus) - comme je l'évoquais plus haut ; et une oeuvre symphonique - comme son titre l'indique :D : Escenas Andaluzas, música sinfónica, composées de sept parties : Bolero ; Polo gitano ; Marcha religiosa y saeta ; Zapateado ; El la Alhambra ; Bolero de concierto ; Jota (extr. de La Dolores), enregistrements par Ataúlfo Argenta publiés en 1960, càd après la mort d'Argenta, disparu en 1958.

Alphons Diepenbrock (1862-1921) est un compositeur rare, au nom plus connu des amateurs de toponymie néerlandaise que de répertoire symphonique … et pourtant ! Comme d'hab, clic ici pour qui souhaiterait en apprendre plus sur lui.
Sinon, pour les plus fainéants (:D j'rigole hein ;)), petite présentation : Diepenbrock fut un compositeur, un écrivain et un intellectuel néerlandais, atypique par sa formation : docteur en lettres classiques, germaniste, et autodidacte en musique. Il s'inscrit dans un romantisme tardif fortement teinté de symbolisme, de mysticisme et de philosophie - admirateur de Wagner, mais aussi de Mahler, Verlaine, Nietzsche et du plain-chant médiéval. Sa musique, peu abondante, conjugue richesse harmonique et poésie intérieure. Contemporain d'un Janacek ou d'un Sibelius, il suit pourtant une voie très personnelle, parfois plus proche de l'oratorio ou du poème symphonique que de la symphonie classique.
Parmi les oeuvres proposées cette fois : Elektra, une suite symphonique (1895, d'après sa musique de scène pour Sophocle) et Marsyas - extraits orchestraux (1910-1915).
Diepenbrock composa Elektra pour une mise en scène néerlandaise de l'Électre de Sophocle. La suite symphonique, en trois mouvements, en extrait les éléments les plus évocateurs. On y entend une musique sombre, tragique, d'une tension dramatique continue - presque pré-expressionniste par endroits, mais sans brutalité. C'est une oeuvre de climat, faite de longues plages harmoniques tendues, où plane l'ombre du destin grec. Une curiosité forte et singulière, magnifiée ici par le Concertgebouw d'Amsterdam (enregistrement de 1962).
Les Marsyas - extraits orchestraux (enregistrement de 1953), sont tirées d'une partition scénique inspirée par le mythe du satyre Marsyas (qui défie Apollon et le paie cher), cette musique ne dramatise pas la cruauté du mythe mais en illustre l'univers pastoral et contemplatif. Le Prélude (Réveil de Marsyas au printemps) dépeint un éveil de la nature tout en finesse, avec un orchestre délicat, des couleurs claires, des textures diaphanes. L'Entracte (Vagabondages à travers les forêts) poursuit dans une veine impressionniste, parfois proche de Dukas ou Ravel, mais avec une touche plus introspective. Ces deux extraits sont dirigés par Eduard van Beinum, qui comme vous ne l'ignorez pas fut l'un des grands défenseurs de la musique néerlandaise.
En résumé, une belle et rare occasion de découvrir un compositeur entre Wagner, Debussy et la liturgie antique, ancré dans la culture néerlandaise mais ouvert à toutes les grandes idées de son époque. Poétique, lent, parfois énigmatique … mais loin d'être ennuyeux pour qui prend le temps de l'écouter.

Georg Böhm (1661-1733) fut un organiste, claveciniste et compositeur allemand ; figure majeure mais encore trop méconnue de la période baroque, il fut maître de chapelle à Lüneburg, où le jeune JSB adolescent aurait reçu son influence. Sa musique pour clavier - notamment ses partitas et préludes - se distingue par une écriture libre, expressive et inventive, mêlant le contrepoint à la fantaisie. Böhm est souvent salué pour avoir contribué à la genèse du style allemand pour clavier, avec une richesse harmonique et une forme d'élan rhétorique qui préfigurent le grand Bach. Son oeuvre, bien que restreinte, révèle un artisan du son à la fois rigoureux et poétique. En voici une large sélection, par une musicienne tout aussi sombrement méconnue :D : Marie-Claire Alain, qui oeuvre ici sur deux grandes orgues différentes : Nyborg et Viborg, toutes deux au Danemark.
À découvrir, dans tous les cas !

Sigismund Thalberg (1812-1871), pianiste virtuose et compositeur autrichien, fut l'un des grands « rivaux » de Liszt dans les années 1830-1840. Star du piano romantique, acclamé dans toute l'Europe, il est surtout célèbre pour sa technique de la « mélodie chantée au milieu » : un effet pianistique novateur qui donne l'illusion que le piano chante à plusieurs voix. Ses fantaisies sur des airs d'opéra (notamment sur Don Giovanni ou La Somnambule, que je vous présenterai peut-être ici ultérieurement) sont des sommets de virtuosité, destinés à ravir les salons et les grandes salles de concert.
Sa marque de fabrique ? La fameuse technique « des trois mains » : une mélodie chantée au centre du clavier, entourée d'arpèges fluides à la main droite et à la main gauche, donnant l'illusion d'un pianiste doté … d'un membre supplémentaire :D
Deux oeuvres parmi celles présentées ici en sont de parfaits exemples : Fantaisie sur Moïse en Egypte de Rossini : la plus célèbre de ses fantaisies, construite sur l'air Dal tuo stellato soglio. Véritable transposition du bel canto au piano, cette pièce déploie une virtuosité étincelante, tout en gardant la ligne mélodique claire et expressive. Un sommet de son art, qui fit fureur à l'époque et reste aujourd'hui son "tube" le plus connu. Et le Concerto pour piano en fa mineur : composé alors que Thalberg n'a que 20 ans, ce concerto montre déjà un musicien cherchant à rivaliser avec les grands modèles romantiques. On y retrouve la virtuosité élégante qui fit sa réputation, mais aussi un sens du lyrisme affirmé, notamment dans le mouvement lent. Moins joué que ses fantaisies, il mérite d'être redécouvert pour mesurer l'ampleur de son talent au-delà des pièces de salon.
Bref, si sa musique fut parfois jugée moins profonde que celle de ses contemporains, elle séduit encore aujourd'hui par son élégance, sa brillance et son sens du théâtre. Un compositeur à redécouvrir avec curiosité, loin des clichés de la virtuosité creuse et sans intérêt.

Et pour terminer, trois oeuvres de trois compositeurs déjà présents en BM : Arne et sa Sonate n°3 pour clavecin, Byrd avec les Walsingham Variations et Campra et son De profundis.

La liste complète pour cette fois ci-après :

• Arne : Sonate n°3 pour clavecin
• Beethoven : Concerto pour piano n°5 "L'Empereur"
• Beethoven : Symphonie n°5
• Beethoven : Symphonie n°9
• Berlioz : Symphonie Fantastique (x2)
• Böhm : Oeuvres pour orgue
• Bretón : Escenas Andaluzas, música sinfónica
• Bretón : La verbena de la Paloma
• Bruch : Concerto pour violon et orchestre n°1
• Byrd : Walsingham Variations
• Campra : De profundis
• Diepenbrock : Elektra, suite symphonique
• Diepenbrock : Marsyas (extraits orchestraux)
• Janacek : Sinfonietta
• Kodaly : Danses de Galánta
• Mahler : Symphonie n°2 "Résurrection"
• Thalberg : Concerto pour piano en fa mineur
• Thalberg : Fantaisie sur Moïse en Egypte de Rossini
• Thalberg : Grande sonate pour piano
• Thalberg : Variations sur Home, sweet Home
• Thalberg : Variations sur The last Rose of Summer

Bonnes écoutes, et bonnes découvertes aussi peut-être :) :coucou:

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Hidemaro Konoye

Salut tout le monde ! :)

Aujourd'hui, troisième partie de notre fil rouge consacré au Japon avec, comme d'habitude, qqs oeuvres par Ozawa et par Konoye, pour votre plus grand plaisir je l'espère (c'est le but, en tout cas :D) :

Par Ozawa :
- le Concerto pour violon et orchestre n°2 de Mendelssohn - soliste : Erick Friedman ;
- le Concerto pour piano n°3 de Prokofiev - soliste : Alexis Weissenberg ;
- Roméo et Juliette, suite d'orchestre (extraits) de Prokofiev ;
- et le Concerto pour piano n°3 de Rachmaninov - soliste : André Watts, un pianiste méconnu mais qui pourtant ne fut pas une figure mineure de la musique étasunienne, loin s'en faut.
Et, par Konoye :
- la Suite n°1 de "L'Arlésienne" de Bizet ;
- et la Symphonie n°9 "Du nouveau monde" de Dvorak.

Au risque de me répéter, nul besoin de présenter ces oeuvres, bien connues de tous :)
J'ai cependant ajouté, essentiellement dans le cas des concertos, le nom du soliste avec un renvoi vers sa page Wiki.

Qqs mots, en revanche, de qqs oeuvres moins fréquentées ; et pour commencer, celles de deux nouveaux venus en BM : Jesús Guridi (1886-1961) et Luca Marenzio (1553-1599).

Guridi est un compositeur post-romantique espagnol originaire de Vitoria, profondément attaché à ses racines basques, contemporain de de Falla et de Turina. Ayant reçu une solide formation en Espagne, puis à Paris, Bruxelles et Cologne, son langage musical combine le lyrisme post-romantique avec les modes et rythmes des musiques populaires basques et espagnoles.
Son style, d'un raffinement harmonique hérité de l'école française, reste pourtant profondément enraciné dans la tradition ibérique, mêlant ferveur populaire et élégance d'écriture ; digne représentant du nationalisme espagnol, mais avec une veine plus lyrique et nostalgique, son langage reste tonal, très influencé par Wagner, Franck, Debussy et le folklore basque.
Diez Melodías Vascas : composées en 1940, ces dix mélodies basques orchestrées sont un hommage aux racines folkloriques du Pays basque espagnol. Guridi y marie habilement les thèmes traditionnels à un langage orchestral raffiné, post-romantique et coloré.
El Caserío (La Maison basque) est une zarzuela créée en 1926 à Madrid. Guridi y raconte la vie rurale basque avec une grande tendresse, des choeurs villageois, des danses et une orchestration vive et pittoresque. C'est sa zarzuela - et peut-être son oeuvre - la plus célèbre.
Homenaje a Walt Disney, pour terminer (pour cette fois :D) est une oeuvre rare composée en 1942. Il s'agit d'une suite orchestrale en trois mouvements inspirée de l'univers des dessins animés de Disney. On y trouve une légèreté inhabituelle chez Guridi, avec des sonorités pétillantes, quasi-cinématographiques.

Une excellente - et fort complète présentation des Variations Symphoniques de Bax se trouve ici. Puis-je me contenter pour cette fois de vous envoyer à cette page, à laquelle je ne pourrais rien ajouter de plus. À noter simplement la présence, confirmée dans le cas présent, de la mystérieuse Joyce Hatto.

Marenzio fut l'un des plus grands madrigalistes italiens, souvent surnommé le chantre du madrigal expressif. Il travailla à Rome, Florence, Ferrare et Varsovie, et jouit d'une immense renommée en son temps. Il est l'auteur de plus de 500 madrigaux, souvent à 5 ou 6 voix, sur des poèmes de Pétrarque, Guarini, Tasso - entre autres, d'oeuvres sacrées (motets, antiennes) et de musiques de cour. Son style se caractérise par une richesse harmonique et chromatique pré-monteverdienne, une attention extrême au texte (musique « illustrative ») et des contrastes expressifs très marqués.
Il a influencé l'évolution vers l'opéra baroque et fut admiré jusque dans l'Angleterre élisabéthaine.
Les extraits de La Pellegrina présentés ici constituent l'intégralité de la participation de Marenzio à l'oeuvre collective La Pellegrina, composée pour le mariage de Ferdinand I de Médicis et Christine de Lorraine en 1589. Tous les textes sont d'Ottavio Rinuccini, l'un des plus célèbres poètes et librettistes de son temps.

L'Élégie pour alto et piano de Glazounov est une courte pièce élégiaque (qui l'eût cru ?) écrite à la fin de la vie de Glazounov (vers 1893), mettant en valeur la richesse sombre de l'alto dans un climat mélancolique et lyrique. Bien qu'assez méconnue, cette page est prisée par les altistes.
L'altiste et soliste principal s'appelle Gueorgui Bezroukhov, qui fit partie de ces grands musiciens soviétiques que le système ne mit pas en valeur à l'Ouest. Grand chambriste, grand professeur, il opta pour la direction en fin de carrière.

La Symphonie n°2 "Sinfonia espressiva" de Nystroem, écrite en 1932, est avec la Symphonie n°3 "Sinfonia del Mare", déjà présente en BM, l'une des oeuvres les plus connues et les plus représentatives du style de Nystroem. Elle mêle l'expressionisme nordique au lyrisme orchestral. La mer y est omniprésente - normal : le thème est cher à Nystroem. C'est une oeuvre dense, souvent sombre, très personnelle. Si vous ne la connaissez pas, foncez :)

Die eiserne Brigade, de Schoenberg, est une oeuvre peu connue, vraisemblablement une page de circonstance ou satirique, composée autour de la Première Guerre mondiale, évoquant la rigueur militaire.

Enfin, de Tchaïkovsky, la Cantate pour l'ouverture de l'Exposition Polytechnique de Moscou, fut commandée en 1872 pour une exposition technique à Moscou. Tchaïkovsky nous livre ici une oeuvre de circonstance brillante, dans la lignée de ses autres pages festives, avec beaucoup de choeurs, de cuivres, et un élan patriotique incontestable.

Pour terminer, Mosè in Egitto de Rossini, une oeuvre déjà présente en BM mais cette fois par Tullio Serafin (enregistrement de 1956), et Pierrot lunaire, ici avec Mary Thomas, récitante, et David Atherton (enregistrement de 1974).

La liste complète pour cette fois :

• Bax : Variations Symphoniques
• Bizet : Suite n°1 de "L'Arlésienne"
• Dvorak : Symphonie n°9 "Du nouveau monde"
• Glazounov : Élégie pour alto et piano
• Guridi : Diez Melodias vascas
• Guridi : El Caserío
• Guridi : Homenaje a Walt Disney
• Marenzio : La Pellegrina (extraits)
• Marenzio : Madrigaux
• Mendelssohn : Concerto pour violon et orchestre n°2
• Nystroem : Symphonie n°2 "Sinfonia espressiva"
• Prokofiev : Concerto pour piano n°3
• Prokofiev : Roméo et Juliette, suite d'orchestre (extraits)
• Rachmaninov : Concerto pour piano n°3
• Rachmaninov : Symphonie n°2
• Rossini : Mosè in Egitto
• Schoenberg : Die eiserne Brigade
• Schoenberg : Pierrot lunaire
• Tchaikovsky : Cantate pour l'ouverture de l'Exposition Polytechnique de Moscou

Bonnes écoutes :coucou:

Bien le bonjour à tous et à toutes - bref, à tout le monde ! :)

Continuons, aujourd'hui, notre petit périple au Japon avec la quatrième partie de notre fil rouge consacré à des artistes nippons avec, comme d'habitude, qqs oeuvres par Ozawa et par Konoye :

Par Ozawa :
- de Ravel : le Boléro, le Concerto en sol (soliste : Alexis Weissenberg), Daphnis et Chloé, La Valse et la Rhapsodie espagnole ;
- et, de Rimsky-Korsakov, Shéhérazade.
Et, par Konoye :
- Haydn, Symphonie n°91.
Une fois encore, comme ce sont des oeuvres extrêmement connues - l'objectif étant de vous montrer qqs exemples d'interprétations de ce que peuvent nous offrir ces deux chefs japonais (et c'est du lourd :up:) : je ne vous ferai pas l'insulte de vous « présenter » ces oeuvres :D

Guridi, un tout petit peu moins connu que Ravel, RK ou Haydn, a pourtant déjà été présenté dans un précédent package, notamment grâce à El Caserío, une zarzuela et peut-être son oeuvre la plus célèbre. Voici trois nouvelles de ses oeuvres, plutôt célèbres elles aussi :
La Oración del Torero, d'abord écrite pour quatuor de guitares, puis transcrite pour quatuor à cordes et orchestre à cordes, évoque la prière d'un torero avant d'entrer dans l'arène. Atmosphère recueillie, modalité aux couleurs andalouses et écriture raffinée en font l'une des oeuvres les plus connues de Guridi.
La Procesión del Rocío est un poème symphonique décrivant la célèbre procession mariale d'El Rocío, en Andalousie. L'oeuvre alterne chants dévotionnels et passages festifs, avec une orchestration vive et colorée. Oeuvre de jeunesse, mais déjà marquée par un sens narratif affirmé.
« Plenilunio, Espatadantza » constitue en fait l'assemblage de deux oeuvres autonomes, mais qui sont souvent associées pour des raisons que j'ignore (peut-être parce qu'il s'agit dans les deux cas d'oeuvres souvent orchestrées à partir de versions pour piano).
Plenilunio est une pièce au lyrisme nocturne, traduisant l'atmosphère d'une nuit de pleine lune. On y entend un mélange subtil de post-romantisme et d'harmonies impressionnistes.
Espatadantza tient son origine dans une danse traditionnelle basque, vive et rythmée, que Guridi a adaptée pour le concert dans des versions pianistiques et orchestrales. Sa pulsation entraînante et ses accents populaires rappellent les fêtes villageoises du Pays basque. Ces deux oeuvres sont ici données par Jesús Arámbarri et son Orquesta Sinfónica.

Pour continuer dans l'espace ibérique, sans trop souffrir de la canicule, deux pièces pour piano d'Isaac Albéniz : Cantos de España et España (Souvenirs).
La première est un cycle de cinq pièces pour piano parfois transcrites pour guitare : Preludio (souvent intitulé Asturias dans les suites de guitare), Oriental, Sous le palmier, Córdoba et Seguidillas. Chaque pièce s'inspire d'un style ou d'une atmosphère régionale : par exemple, Córdoba mêle lyrisme méditatif et éclats rythmiques rappelant la guitare flamenca.
La seconde est un ensemble de six pièces courtes, souvent jouées séparément (Tango, Sevillanas, Malagueña, Serenata, Capricho catalán, Zortzico). Plus légères que les Cantos de España, elles sont conçues comme des évocations touristiques d'une Espagne pittoresque, destinées à séduire le public européen. Le Tango en particulier est devenu un tube du répertoire pianistique fréquemment, lui aussi, transcrit pour guitare.

Compositeur et pédagogue russe (puis soviétique) à la plume prolifique, Vassilenko s'est distingué par ses portraits sonores, souvent empreints de mysticisme et de couleurs exotiques. Sa production très variée - opéras, ballets, poèmes symphoniques, musiques de films, musique de chambre, illustre à la fois un profond sens du folklore et une écriture orchestrale raffinée.
Sa Sonate pour alto et piano (1923), en trois mouvements, explore la sonorité sombre et profonde de l'alto - instrument rarement mis en valeur à cette époque - dans un langage à la fois lyrique et dramatique. C'est une pièce majeure du répertoire de l'alto russe, remarquable par sa densité émotionnelle et son esthétique typiquement teintée d'un mysticisme oriental, plus rare à l'époque dans la musique de chambre. Écrite dans sa version originale (celle que vous avez ici), pour alto et piano, cette sonate a été retravaillée en une version pour violon et piano en 1955, témoignant de sa flexibilité expressive. Elle reste toutefois très prisée des altistes pour son intensité émotionnelle.

Et si nous parlions maintenant un peu d'Henri Rabaud - une partie importante de la livraison d'aujourd'hui ? Peut-être pas le plus « tendance » des compositeurs à l'heure actuelle, Rabaud mérite plus qu'un simple coup d'oreille (à sa seule Procession nocturne).
Compositeur et chef d'orchestre français, Rabaud fut une figure en vue de la vie musicale parisienne dans la première moitié du XXe siècle. Élève de Massenet, lauréat du Prix de Rome en 1894, il mena une double carrière : créateur d'opéras et de poèmes symphoniques d'un côté (Mârouf, savetier du Caire et La Procession nocturne pour ne citer que les plus célèbres) ; pédagogue et administrateur de l'autre (directeur de l'Opéra de Paris en 1914, puis du Conservatoire de Paris de 1922 à 1941).
Son style, nourri par la tradition française et parfois teinté d'orientalisme, reste ancré dans le post-romantisme. Rabaud privilégie la clarté, l'éloquence et le raffinement orchestral plutôt que l'audace moderniste : la musique doit avant tout plaire, disait-il. De la sorte son oeuvre, longtemps populaire, est aujourd'hui moins souvent jouée, tout en conservant un charme très caractéristique de son époque.
Rabaud n'est pas un inconnu ici : La Procession nocturne, son "hit" incontestable, figure déjà en BM depuis 2011 !), dans la version de Mitropoulos par l'Orchestre philharmonique de New York (1953).
Je prends un risque (qui ne m'expose pas à grand chose, mais bon :D) : je dispose aujourd'hui de deux autres versions de La Procession - toutes deux par Mitropoulos : l'une par l'Orchestre philharmonique de New-York aussi (mais 1941), la seconde par l'Orchestre symphonique de Minneapolis (1949). Mitropoulos a beaucoup défendu cette oeuvre aux États-Unis, ce qui explique l'existence de ces trois versions.
Fallait-il donc vous les présenter ces trois versions du célèbre poème symphonique d'inspiration symboliste, à l'ambiance crépusculaire et mystérieuse, avec des timbres très raffinés qui rappellent parfois Debussy ou Dukas ? J'ai choisi de répondre par l'affirmative : chq version possède sa spécificité :
La version 1941 (New York) est très dramatique, avec des tempos plus tendus et une pâte orchestrale un peu rugueuse (prise de son radio, mais électrisante). Urgence fulgurante de la jeunesse face à la maturité plus maîtrisée de 1953 ? sûrement !
Celle de 1949 (Minneapolis) est plus claire, plus aérée, presque analytique dans le détail des timbres - mais avec une sonorité orchestrale moins luxueuse que New York.
Enfin, la 1953 (New York, la version déjà présente ici depuis longtemps, un enregistrement commercial CBS) est la version la plus équilibrée et "officielle" : c'est un peu la version de référence Mitropoulos, plus policée mais toujours habitée.
L'écoute et la comparaison de ces trois versions m'ont semblé pouvoir en intéresser plus d'un :)
Bon ! on ne va pas se limiter à La Procession nocturne ! Rabaud n'a pas écrit que cela ! :bebe:
Mârouf, savetier du Caire, un opéra-comique en 5 actes, créé à l'Opéra-Comique en 1914, constitua un immense succès à sa création, et est resté longtemps au répertoire. Le livret est inspiré des Mille et Une Nuits (l'histoire d'un savetier qui, après avoir fui sa femme acariâtre, connaît mille aventures orientales). La musique est chatoyante, raffinée, très colorée, d'un orientalisme à la Rimski-Korsakov mais avec la fluidité française de Ravel ou de Roussel. L'orchestration est splendide, pleine de sensualité et d'humour.
C'est sûrement avec La Procession l'oeuvre la plus marquante de Rabaud, son "grand opéra", et ce sont sûrement ces deux oeuvres qui l'ont inscrit dans l'histoire.
Son Quatuor à cordes op. 3 (1893) est une oeuvre de jeunesse, composée, lorsque Rabaud n'a que 21 ans, dans la tradition française post-franckiste (un peu comme les premiers quatuors de d'Indy ou de Magnard). L'écriture est solide, sérieuse, encore académique mais déjà lyrique, montrant l'élève brillant du Conservatoire. Bref, pas une révolution, mais une oeuvre qui témoigne de son sérieux et de son ambition dans la musique de chambre.
Pour terminer (momentanément ?) cette sélection d'oeuvres de Rabaud, le Solo de concert pour clarinette et piano est une pièce de concours pour le Conservatoire de Paris (Rabaud fut lui-même directeur du Conservatoire plus tard, en 1922). Écrite pour mettre en valeur les qualités techniques et expressives de l'instrument : passages virtuoses, larges cantilènes lyriques, contrastes de caractère. Elle est encore très jouée aujourd'hui par les étudiants clarinettistes.
Pas une "oeuvre de concert" majeure donc, mais une pièce pédagogique devenue un petit classique du répertoire de concours.

Enfin, pour terminer cette livraison, trois oeuvres point trop fréquentées si vous voulez bien (et même si vous n'en voulez pas, c'est le même prix :D).
D'abord, la Rapsodia Sinfonica, pour piano et orchestre, de Turina, une pièce concertante d'un seul tenant, écrite en 1931 pour le pianiste José Cubiles. Comme souvent dans sa production, Turina y mêle atmosphère brillante et colorée, mêlant virtuosité pianistique et couleurs orchestrales chatoyantes, et y combine l'héritage impressionniste (style Debussy, Ravel ...) avec des rythmes et tournures ibériques très personnels. Moins développée qu'un concerto, l'oeuvre est concentrée, dense, et typique de son auteur.
Le Trio pour piano, violon et violoncelle constitue l'op. 1 de Korngold. Écrit à seulement 13 ans (!), ce trio est une oeuvre de jeunesse éblouissante. Déjà, on y retrouve les qualités qui feront la gloire de Korngold : lyrisme généreux, richesse harmonique, invention mélodique ...
Le dernier poste, plus surprenant encore, est occupé par qqs Pièces pour orgue de Darius Milhaud.
Le volet "orgue" de Milhaud est peu connu, même parmi les amateurs du compositeur - il reste dans l'ombre de son oeuvre symphonique, de chambre ou chorale. Si Milhaud est universellement connu comme membre du Groupe des Six, orchestrateur flamboyant, auteur de symphonies, de quatuors et d'opéras, on oublie en effet souvent qu'il s'est aussi tourné vers l'orgue. Ses oeuvres pour cet instrument couvrent surtout les années 1930-1940, période charnière où son langage polytonal et modal se marie à une certaine sobriété spirituelle.
Contrairement à d'autres compositeurs français du XXe siècle, Milhaud ne conçoit pas l'orgue comme une machine orchestrale (à la Widor ou Vierne), mais comme un instrument de clarté contrapuntique et de méditation. Ses pièces sont généralement brèves, fonctionnelles parfois (pensées pour le culte), mais toujours marquées par son style personnel : lignes limpides, rythmes francs, couleurs polytonales discrètement audacieuses.
Elles représentent un pan discret mais original de son catalogue, apprécié surtout des organistes ou des amateurs curieux - voire des spécialistes.
Sa Sonate op. 112 est sûrement la plus ambitieuse de ses oeuvres d'orgue, en trois mouvements. L'écriture, polytonale et énergique, contraste avec des épisodes plus méditatifs. C'est une pièce importante du répertoire français moderne pour orgue, qui témoigne de l'intérêt de Milhaud pour l'orgue comme instrument de clarté, de spiritualité et de couleur, loin de l'emphase wagnérienne ou franckiste.

C'est fini pour aujourd'hui ! :)

La liste complète pour cette fois :

• Albeniz : Cantos de España
• Albeniz : España (Souvenirs)
• Guridi : La Oración del Torero
• Guridi : La Procesión del Rocio
• Guridi : Plenilunio, Espatadantza
• Haydn : Symphonie n°91
• Korngold : Trio pour piano et cordes
• Milhaud : Oeuvres pour orgue
• Rabaud : La Procession nocturne (x2)
• Rabaud : Mârouf, savetier du Caire
• Rabaud : Quatuor à cordes op. 3
• Rabaud : Solo de concert pour clarinette
• Ravel : Boléro
• Ravel : Concerto en sol
• Ravel : Daphnis et Chloé
• Ravel : La Valse
• Ravel : Rhapsodie espagnole
• Rimsky-Korsakov : Shéhérazade
• Turina : Rapsodia Sinfonica
• Vassilenko : Sonate pour alto et piano

Bonnes écoutes :coucou:

C'est aujourd'hui le soixante-seizième anniversaire de la mort de Rabaud!

Re-bonjour à tous et à toutes :)

Pour la suite - vous y êtes habitués, maintenant - retournons au Pays du Soleil Levant avec la cinquième partie de notre fil rouge consacré au Japon avec, comme d'habitude jusqu'à présent, qqs oeuvres par Ozawa et par Konoye :

Par Ozawa :
- Schubert : Symphonie n°8 "Inachevée" ;
- Sibelius : Concerto pour violon et orchestre (soliste : Masuko Ushioda).
Et, par Konoye :
- Mahler : Symphonie n°4.

Une fois encore, ne voici ici que des pièces extrêmement connues - et il ne me semble pas utile de vous « présenter » ces oeuvres réellement populaires ;)
À noter pourtant que la symphonie n°4 de Mahler par Konoye fut dans cette version - de 1930 - le premier enregistrement mondial de cette oeuvre.

Pour suivre, « Un peu de tout » selon l'expression consacrée.

Pour commencer, un nouveau venu en BM - et pas n'importe lequel : compositeur suisse-allemand aujourd'hui largement oublié, Joseph Joachim Raff connut pourtant, de son vivant, une immense célébrité : vers 1870, il était l'un des compositeurs les plus joués en Allemagne - plus joué que Brahms !!!
Mais son prestige déclina après sa mort.
Ami de Mendelssohn puis collaborateur de Liszt, puis de Brahms (même si ce dernier le regardait parfois de haut), ce fut un virtuose de l'orchestration, réputé pour sa capacité à écrire vite et bien (on l'appelait parfois le « compositeur industriel » tant il produisait).
Son style se résumerait bien en une sorte de romantisme chaleureux, mélodique, très narratif, avec un pied chez Mendelssohn (pour la clarté) et un autre chez Liszt (pour la virtuosité et l'imagination). Prolifique (plus de 200 numéros d'opus), raffiné dans l'orchestration, Raff incarne le romantisme allemand dans sa veine la plus narrative et mélodique.
Je vous propose aujourd'hui de lui pas moins de cinq de ses oeuvres.
Le Concerto pour piano en ut mineur est une partition ambitieuse en trois mouvements, mêlant éclat virtuose et lyrisme généreux, qui illustre bien l'équilibre recherché par Raff entre brio et clarté formelle.
La Grande Sonate pour piano est une oeuvre de jeunesse mais déjà vaste, en quatre mouvements. On y perçoit les influences de Mendelssohn et de Chopin, mais aussi la volonté de déjà s'affirmer comme un compositeur majeur.
Pièce plus intime et descriptive, où la poésie de la nature s'exprime dans un climat lyrique et léger, l'Ode au Printemps est typique du goût romantique pour les « tableaux de saisons ».
La Suite pour piano en ré mineur consiste en un cycle de danses stylisées évoquant Bach et Schumann, mais transposées dans une écriture romantique dense et expressive.
Enfin la Symphonie n°5 "Lenore" est quant à elle probablement l'oeuvre la plus célèbre de Raff. Inspirée de la ballade de Bürger, elle raconte en musique la chevauchée fantastique de Lenore, emportée par un mystérieux cavalier qui s'avère être la Mort. Triptyque narratif saisissant, où se mêlent joie, frénésie et vision macabre, cette symphonie demeure un modèle de programme romantique.
Si vous ne connaissiez pas encore Raff - ou peu, nul doute que cette sélection saura vous séduire :)

Spem in alium de Thomas Tallis est sans doute l'une des oeuvres polyphoniques les plus impressionnantes de toute la Renaissance. Conçu pour une occasion solennelle (probablement pour Elisabeth Ière), il s'agit d'un motet pour 40 voix réparties en 8 choeurs de 5 voix !!! et l'effet sonore est spectaculaire - et monumental : les voix entrent les unes après les autres, circulent d'un choeur à l'autre, puis se rejoignent dans des tutti impressionnants.

Le compositeur hongrois Leó Weiner, également figure respectée comme pédagogue (il a enseigné à Bartók et à Dohnányi) est pourtant peu représenté en BM. Bon, essayons de remédier (un peu) à cette situation grâce à sa Sonate pour alto et piano, l'une de ses oeuvres de chambre majeures. Son écriture est lyrique, souvent chantante, avec des touches folkloriques hongroises mais toujours dans un langage post-romantique.

Compositeur soviétique surtout connu pour sa chanson "Plaine, ma plaine" (un véritable « tube » soviétique des années 30, devenu quasi emblématique de l'Armée rouge et connu bien au-delà de l'URSS - disponible en BM), Knipper fut aussi l'auteur d'oeuvres ambitieuses qui sortent des sentiers battus.
Son Concerto-monologue pour violoncelle, ensemble à vent et timbales (1962) est une partition singulière par sa formation instrumentale inusitée, qui remplace l'orchestre traditionnel par un groupe de vents, violoncelle et percussions. Le violoncelle y tient un rôle quasi dramatique : une voix solitaire, parfois méditative, parfois véhémente, qui dialogue avec les masses sonores du collectif orchestral. Entre lyrisme intime et tension orchestrale, cette oeuvre tardive illustre bien la volonté de l'auteur d'explorer de nouvelles combinaisons sonores, tout en conservant une expressivité directe et accessible.

Voici pour suivre une sorte de panorama du XXe siècle, dont la diversité des esthétiques musicales se reflète en effet dans un large éventail d'oeuvres, qui vont du pittoresque exotique d'Absil à l'expérimentation la plus audacieuse de Partch, en passant par les ancrages nationaux d'Atterberg, d'Ireland, voire de Milhaud. En voici qqs exemples.
Le Belge Jean Absil témoigne de son goût pour les musiques du monde avec la Rhapsodie brésilienne (1945), une page orchestrale vive et rythmée, nourrie de danses sud-américaines mais traitée avec un raffinement d'écriture typiquement européen.
Le Suédois Kurt Atterberg, plus enraciné dans le post-romantisme, connut un succès international avec sa Symphonie n°6 "Dollar Symphony" (1928) ; et - miracle ! c'est celle-là même que nous retrouvons aujourd'hui, cette fois par Stig Westerberg.
Cette symphonie fut écrite pour un concours organisé par la Columbia Records et le Chicago Daily News, qui offrait un prix de 10 000 dollars (ce qui équivaut à plus ou moins 160 000 euros actuels) pour "la plus grande symphonie moderne". Lauréat du premier prix en 1928, la symphonie d'Atterberg gagna ainsi le surnom de "Dollar Symphony". L'oeuvre, en trois mouvements, allie lyrisme scandinave, ampleur mahlérienne et une grande accessibilité mélodique. Si certains critiques la jugèrent trop conservatrice, elle demeure une belle illustration de la vitalité symphonique du nord de l'Europe au XXe siècle.
Figure singulière de la musique anglaise, John Ireland s'est distingué par son goût pour l'évocation de paysages et de climats urbains. A London Overture, composée en 1936 pour orchestre à vents (et plus tard réorchestrée), est une fresque pleine de verve et de couleurs, qui rend hommage à l'énergie de la capitale britannique. On y perçoit à la fois l'héritage d'Elgar et de Vaughan Williams, et une personnalité propre, sensible aux atmosphères changeantes d'une métropole moderne. L'ouverture oscille entre passages lyriques et accents presque jazzy, comme un portrait sonore traduisant la diversité et l'effervescence du Londres dans l'entre-deux-guerres.
À cette veine européenne s'ajoute la singularité du prolifique Darius Milhaud, représenté ici par deux partitions contrastées : le Concerto pour piano n°2 (1933), énergique et éclatant, où l'écriture pianistique épouse un orchestre chatoyant ; et La Muse ménagère (1944), cycle pour piano seul constitué de petits tableaux domestiques, d'une intimité souriante et charmante d'esprit.
Enfin, à l'autre extrême du spectre et de l'autre côté de l'océan, l'Étasunien Harry Partch, figure radicale de l'expérimentation, nous convie avec Rotate the body in all its planes (1961) à un univers de percussions inventées et d'exploration corporelle. Ici, la musique se fait geste et mouvement, repoussant les frontières mêmes de ce que l'on appelle « oeuvre musicale » ; mais puisqu'il paraît que la curiosité n'a jamais tué un mélomane ... :D
Bref, que de diversité ! :)

Et l'on termine par une oeuvre que l'on peut sans hésitation classer parmi les chefs d'oeuvre de l'orgue : la Sonate pour orgue en do mineur "Psaume 94" de Julius Reubke.
Élève favori de Liszt, Julius Reubke est l'une des grandes promesses brisées du romantisme allemand, emporté par la tuberculose à seulement vingt-quatre ans. Sa Sonate pour orgue, inspirée du Psaume 94, est en effet considérée comme l'un des sommets absolus du répertoire organistique romantique. Composée en 1857, un an avant sa mort, elle déploie une architecture monumentale en trois grandes sections enchaînées, qui mêle ferveur religieuse, puissance dramatique et lyrisme d'une intensité rare.
La discographie de la Sonate reflète la diversité des approches qu'elle inspire ; l'oeuvre est d'ailleurs déjà présente en BM à deux reprises : par Catharine Crozier depuis … 2013 ! et par Simon Preston depuis août 2020.
J'y ajoute trois nouvelles versions (Power-Biggs, Fox et Le Huray), ce qui va permettre - outre l'écoute elle-même :D - de constater la diversité des approches déjà mentionnées.
L'un des premiers témoignages marquants reste celui de Power Biggs, enregistré en 1953 à l'orgue Walcker/Skinner du Methuen Memorial Music Hall. On y trouve une lecture claire, analytique, où chaque ligne contrapuntique ressort avec précision, servie par l'acoustique spectaculaire de l'instrument. Deux ans plus tard, en 1955, l'Étasunien Virgil Fox met en valeur l'orgue Skinner de St. Ann and the Holy Trinity à New York ; sa vision, plus dramatique et véhémente, souligne la dimension orchestrale et visionnaire de la partition. Catharine Crozier, déjà citée, adopte en 1961 un ton plus intériorisé ; pionnière parmi les grandes organistes américaines, elle insiste sur la ferveur spirituelle de l'oeuvre, tout en maintenant une grande rigueur formelle.
Du côté britannique, Simon Preston, déjà cité lui aussi, l'enregistre en 1964 sur l'orgue Harrison & Harrison : son interprétation, d'une étonnante maturité pour un organiste plutôt jeune à l'époque, frappe par sa clarté et son sens de l'architecture, conciliant une puissance rappelant Liszt avec une certaine retenue toute britannique. Enfin, Peter Le Huray propose en 1973 une rare version anglaise à la cathédrale de Salisbury, sur le grand orgue Henry Willis Père : son jeu, plus contrasté et expressif, met en lumière les aspects les plus lyriques et méditatifs de la Sonate, en dialogue avec la résonance majestueuse de l'édifice.
Ces cinq interprétations, différentes dans leur esprit, dessinent un panorama intéressant : entre lecture analytique (Biggs, Preston) ; intensité dramatique (Fox) ; intériorité spirituelle (Crozier) ; et ampleur expressive (Le Huray), elles montrent combien cette Sonate demeure une oeuvre ouverte à des visions multiples, où se croisent grandeur symphonique, profondeur et intimité.
Cette sonate pour orgue a commencé à intéresser les pianistes ces dernières décennies, mais apparemment il n'en existe aucun enregistrement antérieur à 1975. Guillou entre autres l'a enregistrée au piano, mais en 1991. Ses autres pièces ont aussi été enregistrées ça et là, mais idem.
Quelle que soit la version, cette composition reste un monumental chef d'oeuvre d'un compositeur injustement oublié et emporté par la mort bcp trop tôt.
De manière générale, mourir à 24 ans, c'est pas le top du top … :siffle:

Sur cette note :(, la liste complète pour cette fois ci-après :

• Absil : Rhapsodie brésilienne pour orchestre
• Atterberg : Symphonie n°6 "Dollar Symphony"
• Ireland : A London Overture
• Jolivet : Concerto pour trompette n°2
• Knipper : Concerto-monologue pour violoncelle, ensemble à vent et timpani
• Mahler : Symphonie n°4
• Milhaud : Concerto pour piano et orchestre n°2
• Milhaud : La Muse ménagère
• Mozart : Concerto pour piano n°14
• Partch : Rotate the body in all its planes
• Raff : Concerto pour piano en ut mineur
• Raff : Grande Sonate pour piano
• Raff : Ode au Printemps
• Raff : Suite pour piano en ré mineur
• Raff : Symphonie n°5 "Lenore"
• Reubke : Sonate pour orgue en do mineur "Psaume 94" (x3)
• Schubert : Symphonie n°8 "Inachevée"
• Scriabine : Concerto pour piano
• Sibelius : Concerto pour violon et orchestre
• Tallis : Spem in alium
• Weiner : Sonate pour alto et piano

Bonnes écoutes :coucou:

Re-bonjour à tous et à toutes :)

Pour la suite, bref passage par le Japon avec la sixième partie de notre fil rouge avec, comme d'habitude jusqu'à présent, qqs oeuvres par nos deux chefs d'orchestre nippons.
Très peu d'oeuvres cette fois par Ozawa : j'avais prévu cinq ou six oeuvres de Stravinsky, avant de me rendre que quasi toutes, dans les mêmes versions, existaient déjà en BM - à l'exception de L'Oiseau de feu.

Par conséquent, par Ozawa :
- Stravinsky : L'Oiseau de feu, ballet en 2 tableaux.
Et, par Konoye :
- Mozart : Symphonie concertante en mi bémol majeur.

Pour la suite, je vous propose de découvrir d'abord un nouveau venu en BM : Leroy Robertson (1896-1971).
Compositeur américain trop peu connu, Leroy Robertson fut l'un des musiciens majeurs de l'Utah au XXe siècle. Élève de George Enescu à Bucarest, puis de Hugo Leichtentritt et d'Ernest Bloch, il sut assimiler les traditions européennes tout en gardant un ancrage profond dans la culture américaine et dans son appartenance à l'Église de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours (l'Église mormone). Il mena parallèlement une carrière de pédagogue, dirigeant la faculté de musique de l'Université de l'Utah, et influença une génération entière de musiciens de l'Ouest américain.
Parmi toutes ses oeuvres, l'oratorio The Book of Mormon (1947-1953) occupe une place à part. Créé à Salt Lake City en 1953, il fut dirigé et enregistré en 1961 par Maurice Abravanel à la tête du Choeur de l'Université d'Utah et de l'Utah Symphony Orchestra, avec Roy Samuelsen, Kenny Whitelock, Warren Wood et Jean Preston en solistes. C'est la version que vous trouverez ici.
Cet enregistrement par Maurice Abravanel reste la référence absolue, car Abravanel était une figure centrale de la vie musicale de Salt Lake City et a beaucoup oeuvré pour faire connaître Robertson.
Conçu en une succession de récitatifs, de choeurs monumentaux et d'airs solistes, l'ouvrage suit la tradition du grand oratorio européen tout en l'adaptant à la sensibilité religieuse et musicale américaine. Le langage de Robertson y déploie un lyrisme direct, des harmonies claires et un sens choral puissant qui rappellent parfois Vaughan Williams ou Hanson. Avec ses cinquante-huit minutes d'une inspiration soutenue, cette fresque biblique moderne s'imposa comme son oeuvre maîtresse, au point de devenir une référence culturelle majeure pour la communauté mormone et un jalon important dans l'histoire musicale de l'Utah.
À côté de cette grande fresque religieuse, Robertson s'est illustré dans des oeuvres concertantes d'une réelle qualité. Son Concerto pour piano (années 1940) met en avant une vigueur rythmique et une clarté d'écriture typiquement américaines, dans un dialogue virtuose et robuste avec l'orchestre. Le Concerto pour violon, plus lyrique, s'inscrit davantage dans la tradition romantique européenne : on y retrouve une ligne mélodique généreuse, soutenue par une orchestration transparente et parfois pastorale.
Superbe occasion par ailleurs de retrouver - ou de découvrir, grâce à ces deux dernières oeuvres, deux légendes un peu oubliées : Spivakovsky et Johannesen.
Le Concerto pour violoncelle adopte en revanche un ton plus méditatif : la voix grave et expressive du soliste, soutenue par une écriture orchestrale claire, y reflète une dimension introspective proche de la spiritualité personnelle du compositeur.
Enfin, avec son Ouverture "Punch and Judy", inspirée du célèbre spectacle traditionnel de marionnettes anglaises mettant en scène Mr Punch et sa femme Judy, Robertson s'autorise un registre plus léger et théâtral, mêlant humour, éclat orchestral et énergie rythmique - comme un contrepoint enjoué à ses grandes oeuvres chorales et symphoniques.
Il existe aussi une fameuse Symphonie n°3 (1947), parfois appelée Symphonie en ut, qui fut couronnée d'un prix important et jouée par de grands orchestres américains. Hélas, il semble qu'il n'existe pour l'instant aucune version de cette oeuvre éligible pour la BM :(
Bref un compositeur à découvrir, si ce n'est pas encore le cas pour certains d'entre vous :)

Après l'Amérique profonde et spirituelle de Leroy Robertson, place à trois compositeurs européens qui, chacun à sa manière, ont cherché à inventer un langage personnel hors des sentiers battus.
Havergal Brian, autodidacte britannique, reste célèbre pour sa gigantesque Symphonie n°1 "Gothic", mais son oeuvre symphonique s'étend sur trente-deux numéros. La Symphonie n°10 (1954) appartient à son cycle de maturité : une partition brève, concentrée, à l'orchestration dense, où l'on retrouve cette tension expressive si caractéristique de Brian, toujours entre vision apocalyptique et rigueur contrapuntique.
André Jolivet, déjà bien représenté ici, incarne une autre voie : celle d'un retour au sacré et à l'incantation. Il suivit dans les années 30s l'enseignement de Varèse à Paris, et en retint surtout l'idée d'une musique libérée des carcans tonaux et investie d'une fonction quasi rituelle. Mais, à la différence de son maître, Jolivet choisit une voie plus personnelle, marquée par la modalité, la fluidité mélodique et une spiritualité vibrante. Il voulait « rendre à la musique son rôle originel de magie », en renouant avec les sources archaïques de l'art sonore. On en entendra ici deux visages contrastés : l'Andante pour cordes, d'une sobre intensité presque méditative, et le Concerto pour basson, cordes, harpe et piano (1954), oeuvre insolite qui met en valeur le timbre grave et mordant du basson dans un esprit à la fois lyrique et rythmique.
Alois Hába, figure centrale de l'avant-garde tchèque, fut un pionnier des systèmes microtonaux (quarts de ton, sixièmes de ton). Mais ses derniers quatuors, dont le Quatuor à cordes n°13, témoignent d'une écriture plus épurée, où la recherche microtonale se met au service d'une expression sobre, presque ascétique, tout en gardant une intensité intérieure certaine.
Ainsi, après Robertson, enraciné dans la culture religieuse américaine, voici trois compositeurs européens qui, chacun dans un registre très différent illustrent la diversité des réponses apportées au XXe siècle à la quête d'un nouveau langage musical.

Parlons un peu de Stradella maintenant, si vous le voulez bien - et même si vous ne le voulez pas :D ; déjà présent en BM, je pense pourtant qu'on ne l'a jamais présenté.
Compositeur romain au destin aussi brillant que tragique, Stradella mena une vie aventureuse et dissolue, marquée par des scandales, des escroqueries, des intrigues amoureuses et des fuites, jusqu'à son assassinat à Gênes à l'âge de 42 ans, par un tueur à gages. Il aimait trop les femmes, apparemment ; en particulier celles des autres …
Contemporain de Corelli et de Scarlatti, il laisse une oeuvre abondante mais encore très peu explorée : opéras, cantates, oratorios et nombreuses pièces instrumentales. On lui doit notamment une contribution essentielle à l'évolution du concerto grosso, dont il est parfois crédité comme l'« inventeur », et à la sonate en trio, qui préfigurent la musique baroque tardive.
Les Sinfonias et Sonates présentées ici, dans les versions d'Edward Tarr (trompette et cornet) et de Jean-François Paillard (1968), témoignent de la variété de son écriture instrumentale. Les Sinfonias (en ré majeur, la mineur, ré majeur, sol mineur, fa majeur) étaient souvent conçues comme introductions orchestrales à ses cantates ou oratorios, mais possèdent une autonomie musicale qui les rapproche de la future ouverture baroque. Les Sonates en ré majeur et en fa majeur, parfois désignées comme concerti grossi, exploitent l'opposition entre concertino et ripieno, annonçant les grands modèles de Corelli.
La présence de la trompette (ou cornet) dans ces interprétations rappelle que Stradella accordait une place de choix aux cuivres naturels, en particulier dans les pages festives et solennelles, destinées aux fastes liturgiques ou princiers. L'édition Paillard/Tarr de 1968 a contribué à faire mieux connaître ce répertoire encore rare à l'époque, en le sortant des bibliothèques pour lui donner une nouvelle vie au concert et au disque.
Je vous en souhaite une bonne écoute, c'est très plaisant :)

Voici pour suivre une petite suite narrative entre trois compositeurs, les plaçant dans une perspective commune : trois oeuvres moins connues de compositeurs célèbres, qui montrent chacune une facette différente de leur art, où trois figures très différentes se croisent ici, mais chacune sous un angle moins familier que celui auquel on les associe d'ordinaire. Il s'agit de Beethoven, de Frank Martin et de Tchaikovsky.
Ah! perfido, scène de concert pour soprano et orchestre (1796) est une page vocale occupant une place singulière dans la production de Beethoven. Composée à Prague pour la soprano Josepha Duschek, cette scène dramatique pour soprano et orchestre se situe à mi-chemin entre l'aria et la cantate. Le texte, dans le goût des drames italiens du XVIIIe siècle, évoque une femme abandonnée, oscillant entre fureur, imploration et désespoir. La musique suit cette progression dramatique, du récitatif véhément à l'aria plus souple, avec une intensité qui annonce déjà le drame de Fidelio.
La Passacaille, version pour grand orchestre (1944) de Frank Martin, est sûrement bcp moins célèbre que certaines de ses grandes oeuvres, par exemple ses oratorios, et montre un autre visage du compositeur genevois. D'abord écrite pour piano, elle repose sur un motif de basse répété qui sert de fil conducteur à une série de variations.
Chez Martin, ce procédé devient le moteur d'un développement intense et grave. La ligne obstinée soutient une progression qui va de la méditation à une tension dramatique plus marquée, avant de revenir au calme.
Peu connue, cette Passacaille montre pourtant tout l'art de Martin : une écriture claire, rigoureuse, mais toujours animée par une profonde expressivité. L'orchestration, amplifiant l'impact de la pièce, en soulignant l'alliance si caractéristique chez lui de rigueur et d'émotion intérieure, élargit la palette sonore et donne à cette pièce une ampleur saisissante.
À noter : cette version est la première mondiale de la version orchestrale, un live pris à Berlin le 30.05.63.
Enfin, dans sa Sonate pour piano n°3 "Grande" (1863), composée à 23 ans, Tchaikovsky se mesure encore à ses modèles germaniques (Schumann, Beethoven), mais déjà animée par cette veine mélodique et ce lyrisme caractéristiques du compositeur russe - qui s'épanouiront plus tard. Si l'oeuvre reste peu connue, elle acquiert ici un relief particulier grâce à l'interprétation de Léo Sirota, pianiste ukrainien formé auprès de Busoni. Il mena une carrière internationale avant de s'installer au Japon dans les années 1920, où il devint une figure majeure de la vie musicale. Virtuose au jeu puissant et raffiné, il transmit à toute une génération d'élèves japonais une tradition pianistique européenne de premier plan. Une personnalité marquante de l'interprétation japonaise du XXe siècle donc - dont il marqua profondément la vie musicale. Son jeu noble et passionné donne à cette sonate de jeunesse une force et une intensité inattendues.

Voili voilou ! fin de cette présentation de ce nouveau package, qui, espérons-le, en attirera plus d'un ! :)
Inutile de vous présenter L'Oiseau de feu ou la Symphonie concertante de Mozart, de nos deux Japonais, ni l'Appassionata (même si nous reviendrons plus tard sur son interprète du jour, Dmitri Bashkirov) ou Pour le piano de Debussy, ni même le Capriccio italien de Tchaikovsky, oeuvres déjà bien connues de tous ici.

Voici donc la liste complète pour cette fois ici :

• Beethoven : Ah ! Perfido ... per pietà non dirmi addio, scène de concert pour soprano et orchestre
• Beethoven : Sonate pour piano n°23 "Appassionata"
• Brian : Symphonie n°10
• Debussy : Pour le piano
• Haba : Quatuor à cordes n°13
• Jolivet : Andante pour cordes
• Jolivet : Concerto pour basson, orchestre à cordes, harpe et piano
• Martin : Passacaille, version pour grand orchestre
• Mozart : Symphonie concertante en mi bémol majeur
• Robertson : Concerto pour piano
• Robertson : Concerto pour violon
• Robertson : Concerto pour violoncelle
• Robertson : Ouverture "Punch and Judy"
• Robertson : The Book of Mormon
• Stradella : Sinfonias
• Stradella : Sonates
• Stravinsky : L'Oiseau de feu, ballet en 2 tableaux
• Tchaikovsky : Capriccio italien
• Tchaikovsky : Sonate pour piano n°3 "Grande"

Bonnes écoutes ! :) :coucou: