Qui souhaitez-vous voir réévalué?

Citation:

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Envoyé par mah70

Bien que n'étant pas du tout fan de la période, je soutiens la motion...

Editg: tiens, il y a une sonate par Guilels qui vient de tomber dans le domaine public :siffle:

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Oui, mais au PIANO :bebe:

Bon, c'est mieux que rien. J'en profite pour citer quelques phrases de la notice de la Wikipedia :

Lucid in style, delicate and tender in expression, they are even more notable for the freedom and variety of their structural design; they break away altogether from both the Italian and the Viennese schools, moving instead toward the cyclical and improvisatory forms that would become common several generations later. The content of his work is full of invention and, most importantly, extreme unpredictability, and wide emotional range even within a single work, a style that may be categorised as Empfindsamer Stil. It is no less sincere in thought than polished and felicitous in phrase.

Le côté "imprévisible" est très sensible; mélodiquement c'est d'une beauté à la fois sublime et fuyante : on ne sait jamais où il nous entraîne.

Bonsoir :coucou:.

Je me permets juste de rappeler, à toutes fins utiles, qu'un fil de discussion ayant pour thème "Les Fils de J. S. Bach" a été ouvert en mai 2010 dans la section "Compositeurs".

Et C.P.E. Bach, bien entendu, y occupe une place non négligeable.

Ce fil de discussion, qui commençait ici, est toujours ouvert :)...

Jacques

Un autre compositeur que j'adore est Stephen Heller. Ses pièces pour piano, sont au minimum sympathique, au mieux tout à fait splendides et originales.

[QUOTE=Amitiou;101433]D'accord, dans ce cas, le compositeur français d'opéras étant le plus proche du style de Wagner, et fervent wagnérien lui-même :) Il s'agissait en l'occurrence de l'opéra Dimitri, qui date de 1876: Wagner n'était donc pas encore mort. Ce que j'ai entendu de ce Dimitri (donc l'ouverture) serait plutôt proche de Tannhauser ou du Vaisseau Fantôme, donc le second Wagner. ]

??? Second Wagner? Le Vaisseau fantôme date de 1840 (les premières esquisses), alors que Joncières mouillait encore ses langes...
Je ne connais pas Dimitri, mais j'ai largement lu la partition de Lancelot : c'est très mauvais et harmoniquement, ça ne casse pas trois pattes à un canard.
Si vous avez du temps, c'est ici:
http://books.google.fr/books?id=YAUR...page&q&f=false

Si vous voulez vraiment entendre du beau "Wagner français", c'est Gwendoline de Chabrier qu'il faut écouter, et en plus les thèmes sont originaux.
Pour mémoire, les critiques adressées à Joncières ("Wagner français"), en pleine période revancharde post-1870 étaient tout sauf des compliments.
Mais sinon, c'est très bien de s'intéresser à des compositeurs tombés dans l'oubli ; cela reste de l'histoire, rarement de la musique.

Je dis second Wagner en comparaison du premier Wagner, celui de la symphonie, des Fées et de la Défense d'Aimer.

Je veux bien vous croire concernant Lancelot :) Et j'écouterais le Chabrier dès que j'aurais fini d'écouter l'intégrale pour piano de Balakirev :)

Citation:

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Envoyé par Amitiou

dès que j'aurais fini d'écouter l'intégrale pour piano de Balakirev :)

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Alors, ça, oui, c'est de la musique à réévaluer! :)

A propos de Guilels/CPE Bach

Citation:

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Envoyé par Couack

Oui, mais au PIANO :bebe:

Bon, c'est mieux que rien.

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Les fils de Bach n'avaient-ils pas abandonné les squelettes sur un toit de tôle? Vu l'époque à laquelle ils composaient, ils devaient bien écrire pour le pianoforte, ou quelque instrument du même genre... Or certains pianos, au pays du socialisme réel, notamment ceux sur lesquels jouait Sofronitsky, m'évoquent furieusement le timbre cartonneux et pas bien juste des glorieuses casseroles historiques :p Le gars Emile joue p'tet ben un machin semblable.

De toutes façons, il faudra attendre l'année prochaine: c'est un concert sorti en disques en 1961, les 50 ans courent à partir de ce moment-là... (au programme du concert: Scarlatti, Rameau, CPE Bach, Clementi, Haydn, Mozart, du moderne quoi :D)

Je viens de déchiffrer au piano le prélude du troisième acte de Der Pfeifertag, de Max von Schillings: Ca a une gueule immense! Je suis du coup curieux de découvrir le reste de l'opéra!

en effet le premier piano "carré" remonte à 1769 (fabriqué par Zunte et Buntherbart), année où Philip Hayes écrit le premier concerto spécifiquement non destiné au clavecin ou à l'épinette.
http://www.squarepiano.net/thesquarepiano.html
http://www.classical.net/music/recs/.../avi00014b.php
En 1777, Stein fabrique un "vis-à-vis" comprenant dans le même instrument un clavecin et un piano

Des clavecins à marteaux auraient existé dès 1726
http://docs.google.com/viewer?a=v&q=...cgUqHqa08BT-xQ

Citation:

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en effet le premier piano "carré" remonte à 1769 (fabriqué par Zunte et Buntherbart)

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Il existe au Victoria and Albert Museum de Londres un 'square piano' de Zumpe daté de 1767.
L'association Zumpe-Bunterbart date en effet de 1769, pour cesser en 1778, Zumpe s'associe alors avec Meincke Meyer ; la firme est reprise en 1783 par Frederick Schoene.

Zumpe, l'un des 'Douze Apôtres' à avoir fui l'atelier de Gottfried Silbermann à Freiberg du fait de la Guerre de Sept Ans et à s'être rendus à Londres, travailla dans l'atelier de (T)Shudi, avec Broadwood, avant de fonder son propre atelier. Ses pianos carrés étaient connus dans Londres dès 1763, et Johann-Christian Bach en joua un lors d'un concert public en 1767.

Citation:

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Des clavecins à marteaux auraient existé dès 1726

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Le premier pianoforte connu et subsistant de Cristofori se trouve au Metropolitan Museum et date de 1720.
Les 'arpicembali' du même Cristofori sont cités dès 1700 dans un inventaire des biens de la famille Medicis. Il en existe une description établie dès 1711.
http://books.google.fr/books?id=J18y...embalo&f=false

Citation:

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Envoyé par Amitiou

Je viens de déchiffrer au piano le prélude du troisième acte de Der Pfeifertag, de Max von Schillings: Ca a une gueule immense! Je suis du coup curieux de découvrir le reste de l'opéra!

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Max von Schillings fait partie de ces compositeurs pour retraite au flambeau avec uniformes et jeunes hommes blonds (façon "restons entre aryens pour régénérer la race allemande"). Les gars de ce genre (on en connait un certain nombre) ont généralement un style commun qui dépote mais ne serait-ce pas un peu bourrin comme composition, comme qui dirait "Wagner gonflé aux hormones" :siffle: ?

:coucou:

Citation:

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Max von Schillings [...] un style commun qui dépote mais ne serait-ce pas un peu bourrin comme composition, comme qui dirait "Wagner gonflé aux hormones" ?

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Ca peut l'être en effet, mais ça peut aussi ne pas être que ça. Des concertos ou de la musique de chambre, par exemple, en attestent. Sans jamais atteindre de sommets.
Pour le reste, aryanisme et cheveux blonds, antisémitisme, etc. : oui, bon, sans doute possible. Ce n'est pas le seul. Mais il était moins doué et génial que ... d'autres compositeurs proches de cette idéologie-là !

Etant donné qu'il est mort en 1933, m'étonnerait qu'il soit aryen :)
Ben en l'occurrence, pas bourrin, ce que j'ai déchiffré, mais large et assez captivant, oui. Et les changements harmoniques sont franchement sympas.

Citation:

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Envoyé par Amitiou

Etant donné qu'il est mort en 1933, m'étonnerait qu'il soit aryen

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Eh bien étonnez-vous tout votre soûl, mon jeune ami !
Ce n'est pas parce que Hitler accède au pouvoir en 1933 que l'aryanisme naît postérieurement : la théorie de la "race aryenne", de la "race supérieure", de la "race des élus" ou "des seigneurs" remonte grosso modo aux années 1870-80.

D'après des lectures à vérifier, Schillings a été nommé Président de l'Académie des Arts de Prusse en mai 1932 (peu de temps avant sa mort, donc, mais aussi avant l'arrivée au pouvoir d'Hitler) et a profité de son poste pour virer quelques obscurs tâcherons comme Thomas Mann, Alfred Döblin, Franz Werfel, Arnold Schönberg ou Franz Schreker. Au vu de ceci, des sujets de ses opéras et de son goût pour Wagner (des enregistrements en témoignent) j'imaginais assez bien une sorte de gros gâteau bien consistant, agréable à manger et pas forcément très digeste, comme le kougelhopf que j'avais fait un jour en oubliant la levure :rose:. Quelque part du côté de Franz Schmidt, Heinz Schubert ou Herbert Windt.
Mais je ne demande qu'à découvrir de toutes façons (un jour où j'aurai le temps...)

:coucou:

"Cujus regio, ejus religio" : maxime latine remontant au XVIème siècle, selon laquelle le souverain d'un pays a le droit d'imposer sa religion à ses sujets.

J'en parlais il y a quelques semaines avec un ami canadien d'origine écossaise et d'obédience anglicane, dont l'un des lointains ancêtres fut brûlé vif sous le règne de Mary Tudor (surnommée "Mary la sanglante", elle était la fille aînée du roi Henry VIII d'Angleterre) pour avoir osé traduire la Bible en anglais.

Bien plus prudent - et respectueux de cette maxime - semble avoir été Thomas Tallis (1505-1585), qui non seulement fournit à Ralph Vaughan Williams un thème que celui-ci rendit célèbre [1910], mais qui fut aussi un très grand compositeur. Tandis que son pays changeait quatre fois de religion en seulement trente ans environ (NB : il était catholique au début du règne de Henry VIII, ce "barbe bleue" qui fit décapiter deux de ses six épouses successives, puis devint anglican - essentiellement pour une "histoire de femme" - sous le même roi, puis carrément protestant sous le très court règne de son fils Edward VI, puis ultra-catholique sous celui de sa fille Mary, et enfin à nouveau anglican sous celui de son autre fille, la grande Elizabeth Ière), le sage Thomas Tallis se pliait sans peine à tous ces changements, du moins en musique :).

Voici comment le représente une gravure d'époque...

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118051752.jpg

... et les traits sous lesquels il apparaît, d'abord assez misérable puis de plus en plus élégant, dans la première saison de la série à succès "Les Tudors", habile combinaison de violences politiques sanglantes, de conflits religieux et de sexe :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118051753.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118051756.jpg

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118051759.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118051760.jpg


Nicolas a déjà présenté cette très belle intégrale Brilliant Classics (:up:), mais je la montre à nouveau ci-dessous, ne serait-ce que pour mettre en évidence les étonnantes facultés d'adaptation de Thomas Tallis (cf. notamment les musiques religieuses composées et les noms de leurs destinataires) :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118051761.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118051762.jpg


Jacques :coucou:

Il est évoqué dans le fil Tomasi, mais pas encore ici : un compositeur qu'on pourrait bien "réévaluer", c'est Jolivet, je trouve.

Il y a des choses que j'aime moins, mais son concerto pour piano, ou ses sonates pour piano, me semblent valoir le détour. Pourtant on les entend encore moins que les concertos ou assimilés pour trompette ou pour flûte, qui sont les seules de ses oeuvres qu'on joue un peu.

Je trouve en revanche que le concerto pour ondes Martenot sonne daté, mais je crois que ce sont plus certains des "effets spéciaux" de l'instrument que ce que Jolivet en fait qui donnent cette impression.

(suis-je seul à trouver que la seule chose qui reste audible des ondes Martenot c'est la version planante, comme dans "Jardin du Sommeil d'Amour" de la Turangalîla-Symphonie [ou "le Plat Pays"...] ?)

Non, il y a quand même de très belles utilisations des ondes chez Koechlin ou encore Landowski (son concerto).

Je n'ai pas dit du tout que les deux oeuvres, un peu différentes, que j'ai citées étaient les deux seules belles utilisation des ondes, mais que le style utilisé (planant) était le seul que j'aimais vraiment, plutôt que les sons... comment les définir... comme un saxophone électrique en mauvais métal, si ce concept novateur est éclairant...

Les ondes Martenot c'est un peu comme les saxophones mis en avant: ça date une œuvre, mais ça peut lui donner une coloration délicieusement passée (certaines musiques d'Honegger, notamment pour le cinéma).

Citation:

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Envoyé par lebewohl

Je n'ai pas dit du tout que les deux oeuvres, un peu différentes, que j'ai citées étaient les deux seules belles utilisation des ondes, mais que le style utilisé (planant) était le seul que j'aimais vraiment, plutôt que les sons... comment les définir... comme un saxophone électrique en mauvais métal, si ce concept novateur est éclairant...

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Oui oui, je vois bien :D

Dans ce cas oublions le concerto de Lando (à la fois planant mais faisant aussi appel au "saxo électrique")
Chez Koechlin c'est - me semble-t-il - toujours planant.

Dans Ecuatorial de Varèse, les ondes ne sonnent pas vraiment "saxo électrique".

L'un des premiers jobs de Pierre Boulez fur celui d'ondiste aux Folies Bergères :bebe:

Martinu a écrit quelques pièces où les ondes Martenot jouent un rôle. Je rappelle par ailleurs qu'une bonne onde Martenot bien tenue permet de remplacer le Thérémine si on n'en a pas sous la main pour jouer quelques musiques de films de Miklos Rozsa - dont celle de "La maison du docteur Edwards" d'Hitchcock.

Citation:

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Envoyé par mah70

remplacer le Thérémine si on n'en a pas sous la main

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:up:

Sans trop réfléchir, je pense spontanément à

Ferdinand Ries
Joachim Raff
Silvio Lazzari
Théodore Gouvy
Henry Litolff
Etienne Mehul
Augusta Holmes
Alexis de Castillon
Franz Anton Rosetti
Leopold et Franz-Xaver Mozart
Michael Haydn

et bien d'autres...


Bien d'accord pour Chausson et Magnard

et aussi Edouard Lalo parce qu'à part la symphonie espagnole, que connaît-on vraiment de lui ?

Je songerais aussi à Carl Loewe, dont les lieder ne manquent pas d'intérêt mais ne sont guère entendus en dehors des pays "germaniques", et, dans une moindre mesure, à Robert Franz (qu'il faudrait déjà pouvoir entendre tout court...).

Tout à fait d'accord pour Lalo, Méhul et Lazzari !
(+ Chausson, Magnard, Duparc, Roussel...)
Par contre Holmès c'est quand même bien lourdingue... la demoiselle n'y va pas avec le dos de la petite cuillère... :heu:
Il faudrait rajouter Delibes aussi ainsi que Mel Bonis et Joseph Jongen.
Mais bon, encore une fois, il y en a tant...

Je me demande aussi s'il ne serait pas judicieux de réévaluer Weber. D'un autre côté, en y réfléchissant, on entend quand même assez régulièrement le Freischütz, mais guère autre chose.

D'ailleurs l'Opéra Comique vient de donner le Freischütz en français dans la version de Berlioz, avec Gardiner au pupitre. C'est tout de même un opéra qu'on pourrait entendre encore plus souvent! Et à cette occasion j'ai découvert, si ma doc en ligne est exacte, que c'est pour servir d'introduction au 3e acte (ballet oblige...) que Berlioz avait orchestré "l'invitation à la valse", ci-devant tube pianistique.

Et pour montrer que je ne suis pas fana que de musique germanique, je voudrais aussi qu'on réévalué Duruflé. En fait on n'en entend jamais ou presque : l'Orchestre de Paris vient cette semaine de mettre à son répertoire les "trois danses", qui ne datent, il est vrai, que de 1932.

J'étais au concert d'ailleurs, qui m'a beaucoup plu, et ce sont ces trois danses qui l'ont le plus enchantées. Admirable orchestration!

Citation:

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Envoyé par lebewohl

Et pour montrer que je ne suis pas fana que de musique germanique, je voudrais aussi qu'on réévalué Duruflé. En fait on n'en entend jamais ou presque : l'Orchestre de Paris vient cette semaine de mettre à son répertoire les "trois danses", qui ne datent, il est vrai, que de 1932.

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Voici trois beaux albums consacrés à la musique de Maurice Duruflé (1902-1986) :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118084183.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118084190.jpg

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118084194.jpg

Sur le deuxième, c'est le compositeur lui-même qui dirige l'orchestre dans la Messe "Cum Jubilo" Op. 11 et les Trois Danses Op. 6. Et partout (sauf dans cette dernière oeuvre, qui est uniquement pour orchestre), c'est Marie-Madeleine Duruflé-Chevalier (1921-1999), épouse du compositeur, qui tient l'orgue.

Quant au célèbre Requiem Op. 9 (premier album), qu'en penser ? Je n'ai que très peu l'esprit religieux, je ne suis que modérément émotif et je n'aime guère les expressions du genre "musique consolatrice", religieuse ou pas. Et pourtant... Dans les jours qui suivirent la mort de ma mère, j'écoutais tant et plus l' "Agnus Dei" de ce requiem, que j'ai fini par préférer à celui de Fauré... C'est tout dire...

Jacques

Je possède les deux premiers albums des trois montrés ci-dessus, et je suis bien de votre avis, cher Jacques : c'est réellement superbe, et je comprends sans peine que l'on puisse "préférer" le Requiem de Duruflé à celui de Fauré, pourtant magnifique lui aussi ; quant à la messe "con jubilo" , cette interprétation est une pure merveille, d'émotion et de sobriété ...

Citation:

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Envoyé par Jacques

Quant au célèbre Requiem Op. 9 (premier album), qu'en penser ? Je n'ai que très peu l'esprit religieux, je ne suis que modérément émotif et je n'aime guère les expressions du genre "musique consolatrice", religieuse ou pas. Et pourtant... (...)

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Quant à cette réflexion, les détails intimes qui s'y trouvent m'empêchent d'exprimer pleinement mon propre ressenti ; mais je suis absolument convaincu (pour en être une autre preuve vivante :D) qu'il n'est pas nécessaire d'avoir "l'esprit religieux" pour être ému par la musique sacrée, quelle qu'elle soit : je pense tout autant (pour s'en tenir aux religions monothéistes) à certains albums de déclamation du Coran qui sont de toute beauté, ou à certaines oeuvres très marquées de judéité (Bloch), qu'on peut apprécier sans pour autant être pénétré de religion juive, ou musulmane. Que l'on puisse trouver une forme de consolation à l'écoute de ces "musiques" (les guillemets étant là pour les déclamations du Coran, qui pour être souvent très musicales ne sont pas de la "musique"), sans être pour autant "religieux", tient beaucoup plus (en ce qui me concerne en tout cas) à la beauté de la forme, ce qu'on appelle (avec un grand A siouplaît :cool:) : l'Art :)

Merci, Philippe :coucou:, pour ces réflexions auxquelles j'adhère sans réserve et qui me touchent beaucoup.

Jacques

Comme on trouve maintenant "presque tout" sur YouTube (;)), voici :


A/ en deux vidéos, les parties 4 & 5 ("Sanctus" & "Pie Jesu") et 6 & 7 ("Agnus Dei" & "Lux Aeterna") du Requiem Op. 9 de Duruflé, par l'En-Aichi-Kay Symphony Orchestra et les Choeurs de la Radio Suédoise dirigés par Charles Dutoit (soliste du "Pie Jesu" : la mezzo-soprano japonaise Etsuko Kano)...

YouTube - Durufle: Requiem (3/5)[/URL]
YouTube - Durufle: Requiem (4/5)[/URL]


... et B/ en deux vidéos aussi, les Trois Danses pour orchestre dans la version dont j'ai montré l'album au post 130 :

YouTube - Maurice Duruflé : Trois danses pour orchestre (1932) 1/3[/URL]
YouTube - Maurice Duruflé : Trois danses pour orchestre (1932) 2-3/3[/URL]


Jacques

J'ai quelques-uns de ces oeuvres dans ces versions, mais avec des couplages différents. Pour ce qui est du Requiem, je le préfère aussi à celui de Fauré (qu'au fond je n'aime pas tant que ça), je crois même que, parmi ceux que je connais, c'est mon Requiem catholique préféré.

(et à propos de Duruflé, si je puis dire, Jehan Alain a aussi écrit de bien belles choses).

Je recommande aussi cette version :
http://ecx.images-amazon.com/images/...500_AA300_.jpg

qui est pour orgue à la place de l'orchestre, et qui est, je trouve, très réussie.

Jacques évoquait plus haut le fait que ce soit Marie-Madeline Duruflé qui tenait l'orgue dans les pièces pour orgue. Mais Maurice lui-même était organiste, titulaire de Saint-Etienne du Mont, et tient la partie d'orgue dans le Concerto pour orgue de Poulenc sous la direction de Prêtre, qu'il a d'ailleurs créé (je crois d'ailleurs qu'il a conseillé Poulenc pour la registration).

http://ecx.images-amazon.com/images/...qL._SS400_.jpg

Je finis (temporairement) par une anecdote. Pour la messe à la mémoire de François Mitterrand le 11 janvier 1996, à Notre Dame de Paris, la maîtrise de Notre Dame a chanté le Requiem de Duruflé ; mais la soliste, une star internationale que je ne nommerai pas, a chanté le Pie Jesu... du Requiem de Fauré. Frédéric Lodéon, qui commentait, a improvisé une explication sophisitiquée que l'inquiétude de la musique de Duruflé écrite au lendemain de la guerre, tempérée par cet extrait du Requiem plus paisible de Fauré. En fait... la soliste s'était trompée, et était arrivée en ayant travaillé Fauré!

Bonjour Lebewohl :coucou:. Et merci pour ces utiles rappels.

Sur Jehan Alain, je dirai peut-être deux ou trois choses.

En attendant, voici quelques élèves attentifs dans la classe de Paul Dukas, vers 1929. Devinez qui est là ;) (réponses sous la photo) :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118085174.jpg

Messiaen a toujours aimé - la cravate en moins, encore présente ici - ce même genre de col de chemise, dirait-on (:D)...

Jacques

Deux citations de Jehan Alain (1911-1940) :

"Si vous aimez ma musique, si elle vous parle... que vous pensiez identiquement, c'est mon rêve qui se réalise (...). Je voudrais que chacun y trouve sa propre pensée et pas la mienne." [5 février 1935]

"Il y a des jours où je me sens un homme d'un autre âge..."

Une notice biographique rédigée en décembre 2003 par Aurélie Decourt, nièce de Jehan Alain :

"Né le 3 février 1911, à Saint-Germain-en-Laye, Jehan-Ariste Alain est le fils aîné d'Albert et de Magdeleine Alain. Son père lui apprend très tôt la musique puisqu'il est lui-même organiste (à Saint-Germain-en-Laye et Maisons-Laffitte) et compositeur (469 numéros d'opus). Albert Alain a suivi les classes du Conservatoire National de Musique de Paris et il est bien connu dans le milieu de la musique d'Eglise comme compositeur de cantiques, de motets et de messes. Sa grande originalité est la construction d'un orgue de salon, à partir de 1910, prévu à l'origine pour 12 jeux, mais s'agrandissant sans cesse, jusqu'à compter 42 jeux sur 4 claviers en 1960. Facteur d'orgues artisanal et solitaire, Albert Alain innove sur le plan esthétique en créant un instrument néoclassique dès 1910. Pédagogue remarquable, il fit de ses quatre enfants, Jehan, Marie-Odile, Olivier et Marie-Claire des musiciens de haut niveau.

Jehan Alain pose ses mains sur toutes sortes de claviers dès la plus tendre enfance et son père, ravi de constater ses dons musicaux, le pousse dans la voie de la musique. Jehan est un enfant très turbulent, casse-cou, acrobate, mais aussi rêveur, dessinateur, poète : doué pour de nombreuses formes d'expression, il est un remarquable épistolier et un caricaturiste féroce. Il arrête ses études secondaires à l'âge de 16 ans pour se consacrer à la musique, sous la direction de son père, d'abord, en pratiquant l'orgue liturgique, en travaillant beaucoup le piano, puis au Conservatoire à partir de 1929. Il suit la classe d'harmonie d'André Bloch, la classe de fugue et contrepoint de Georges Caussade, la classe de composition de Paul Dukas, puis de Roger-Ducasse, enfin la classe d'orgue de Marcel Dupré. Premier prix d'harmonie et de fugue en 1933, il obtient le premier prix d'orgue en 1939.

Dès 1929, il compose des œuvres originales : de nombreuses pièces pour piano, le Postlude pour l'office de Complies, la Berceuse sur deux notes qui cornent. En 1930 et 1931 suivent d'autres oeuvres pour clavier, le Motet O quam suavis est et, en 1933, la Première Fantaisie pour orgue.

Outre l'orgue paternel et le grand Cavaillé-Coll de la paroisse de Saint-Germain en Laye, Jehan est marqué par deux autres instruments dont il joue beaucoup. Celui de l'abbaye de Valloires, dans la Somme, que son père fit reparler et qui l'enchantait par ses jeux anciens, et celui de Saint-Ferjeux de Besançon, construit par Ghys à la fin du 19e siècle, qui bénéficiait d'une acoustique remarquable. Jehan donne ses premiers grands concerts publics sur cet instrument.

Ses études sont brutalement interrompues par le service militaire qu'il effectue pendant une année entière, à Nancy. Il y tombe malade, mais concourt quand même pour le prix de composition du Conservatoire où il présente l'Intermezzo pour deux pianos et basson qui ne remporte pas les suffrages. A l'automne 1934, il écrit Le Jardin suspendu pour orgue.

En 1935, Jehan Alain épouse une amie d'enfance, Madeleine, qui lui donnera trois enfants : Lise en 1936, Agnès en 1938 et Denis en 1939. Il doit alors gagner sa vie tout en continuant le Conservatoire; il assure beaucoup de services liturgiques, en particulier à la synagogue de la rue Notre-Dame de Nazareth à Paris. En 1936, il devient organiste de Maisons-Laffitte.

Les chefs-d'œuvre apparaissent en 1936 et 1937 : la Suite pour orgue, couronnée par le prix des Amis de l'orgue en 1936, la Vocalise dorienne, les Variations sur un thème de Clément Jannequin, les Litanies, la deuxième des Trois Danses, à laquelle il ajoute le sous-titre de Danse funèbre pour honorer une mémoire héroïque, à la suite de l'accident de montagne qui coûte la vie à sa sœur Marie-Odile, en 1937. Les Trois Danses sont achevées en 1938 et Jehan compose l'Aria pour orgue et la Messe modale.

Mobilisé dès la déclaration de guerre en septembre 1939, Jehan vit la «drôle de guerre» en cantonnement dans l'Aisne, puis en Thiérache. Il fait preuve de qualités d'animateur exceptionnelles, créant une chorale (les Petits chanteurs à la grosse voix), organisant des spectacles, tout en étant astreint aux tâches pénibles du simple «2e classe». Il ne revient en permission qu'à trois courtes reprises, entre septembre 1939 et juin 1940. Il participe aux combats de mai et juin 40, connaît l'enfer de Dunkerque, puis, de retour en France, s'agrège à un groupe franc qui continue le combat sur la Loire. A Saumur, le 20 juin 1940, il tombe sous les balles allemandes, deux jours avant l'entrée en vigueur de l'Armistice."


L'organiste Marie-Claire Alain, soeur de Jehan, ne semble pas avoir beaucoup d'amis sur ce forum (j'ai par elle des enregistrements d'oeuvres de Buxtehude, J.S. Bach, Franck, Poulenc [le Concerto pour orgue] et Messiaen). Reconnaissons-lui quand même le mérite de bien défendre la musique de son frère. Ce qu'elle fait remarquablement, à mon avis, dans les deux disques (intégrale de l'oeuvre d'orgue) et le double album (intégrale de l'oeuvre vocale, où elle tient aussi bien l'orgue que le piano) ci-dessous, ce dernier ayant été distingué par un "Diapason d'Or" et accueilli avec enthousiasme par la presse à sa sortie en 2005 :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118085840.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118085841.jpg

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118085842.jpg


Voici enfin Marie-Claire Alain interprétant (après une brève présentation), à l'orgue Kuhn de la Hofkirche de Lucerne, les Litanies de son frère Jehan :

YouTube - J. Alain: Litanies (M.C. Alain)[/URL]


Jacques :coucou:

Citation:

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Envoyé par Jacques

L'organiste Marie-Claire Alain, soeur de Jehan, ne semble pas avoir beaucoup d'amis sur ce forum

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Si vous êtes bien sages, je mettrai un jour en ligne des enregistrements d'elle datant des années '50, comme quatre des six concertos pour orgue de Haendel (opus 6, je crois). Le débat risque d'être sauvage :D

J'avais découvert les oeuvres de Jehan Alain par ce CD (toujours disponible)

http://ecx.images-amazon.com/images/...500_AA300_.jpg

et j'avais trouvé ça superbe - même si je m'y connais mal en orgue.

J'ai aussi ceci:

http://ecx.images-amazon.com/images/...500_AA300_.jpg

dont je garde un bon souvenir. Et aussi ceci, avec plain de pièces brèves et de fonds de tiroirs, pas forcément inintéressants

http://benjamin.viaud.free.fr/alain/...sc_instru3.jpg

Dans la série "compositeurs tombés au front", j'aimerais assez que l'on joue un peu plus (c'est à dire que l'on joue un peu, car il n'est pas joué du tout) Maurice Jaubert. On connait ses partitions pour l'écran (dont sa collaboration avec Carné/Prévert pour "Drôle de drame", "Le jour se lève" ou "Quai des brumes", celle avec Vigo - "Zéro de conduite", "L'atalante" -, avec Duvivier -" "Carnet de bal", "Le jour se lève" - ou avec René Clair - "Quatorze juillet" - et, par parenthèse, c'est une filmographie ahurissante de qualité) mais bonne chance pour trouver ses œuvres pour le concert...

http://images.slacker.com/covers/272/313988
(et voilà pourquoi je dois reconnaissance à Michel Plasson)

http://www.soundtrackcollector.com/i...ert_DCM110.jpg

:coucou:

Citation:

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Envoyé par mah70

Dans la série "compositeurs tombés au front", j'aimerais assez que l'on joue un peu plus (c'est à dire que l'on joue un peu, car il n'est pas joué du tout) Maurice Jaubert. On connait ses partitions pour l'écran (dont sa collaboration avec Carné/Prévert pour "Drôle de drame", "Le jour se lève" ou "Quai des brumes", celle avec Vigo - "Zéro de conduite", "L'atalante" -, avec Duvivier -" "Carnet de bal", "Le jour se lève" - ou avec René Clair - "Quatorze juillet" - et, par parenthèse, c'est une filmographie ahurissante de qualité) mais bonne chance pour trouver ses œuvres pour le concert...

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Quelle bonne idée, Mah70 :coucou:, d'avoir évoqué Maurice Jaubert (1900-1940) !

Je n'ai de sa musique "classique" que l'album ci-dessous, sorti en 1989, où sur la couverture on peut voir le portrait peint par Pierre-Auguste Renoir du futur compositeur quand ce dernier n'avait que cinq ans (la deuxième image est une photo montrant Jaubert à l'âge adulte) :

http://img11.hostingpics.net/pics/613845Jaubert01.jpg http://img11.hostingpics.net/pics/334790Jaubert02.jpg


Le texte (dont l'auteur n'est pas indiqué) de la brochure jointe à l'album étant du plus grand intérêt, notamment pour les cénéphiles, je le reproduis ci-après :

"(...) Maurice Jaubert est né à Nice, 46 rue Gioffredo, le 3 janvier 1900; il était le deuxième fils de Maître François Jaubert, avocat au barreau de Nice (dont il deviendra plus tard bâtonnier) et de Madame François Jaubert, née Haydée Faraut. Il fait ses études au Lycée Masséna où il obtient son premier baccalauréat en 1915, puis le deuxième en 1916. Il suit parallèlement, au Conservatoire de Nice, les cours d'harmonie, de contrepoint et de piano; il remporte le premier prix de piano en 1916.

Il quitte alors Nice pour Pans où il prépare en Sorbonne une licence de lettres et un doctorat en droit. Il revient à Nice en 1919 : il est alors le plus jeune avocat de France. Il compose à cette époque ses premières œuvres musicales et rencontre Albert Groz qui, après son service militaire, complétera sa formation musicale à Paris en 1923.

En avril 1920, il rejoint le 7ème génie d'Avignon pour effectuer son service militaire qui le conduira quelques mois plus tard à Versailles, puis - devenu élève officier - en Algérie en octobre 1921. Il est démobilisé en 1922, à Pâques et, au cours de l'été suivant, décide d'abandonner le barreau pour la musique; il quitte Nice en janvier 1923.

A partir de cette date se succèdent mélodies, œuvres de piano, musique de chambre et divertissements : Feuillet d'Album (1923), Offertoire pour la messe de l'Assomption (1923), À l'Alcazar Neuf (1923), Suite en La (1924), Quatre Romances de Toulet (1924), Les Chants Sahariens (1924), Les Pêcheurs (1925) sur un argument de Claude-André Puget, etc.

En 1925, il écrit sa première musique de scène pour la pièce de Calderon, Le Magicien Prodigieux. Il utilise le Pleyela (il travaille alors chez Pleyel pour assurer les enregistrements sur rouleaux destinés à ce piano mécanique). Il rencontre à cette occasion la cantatrice Marthe Bréga, qui est pour la première fois son interprète; ce ne sera pas la dernière : il l'épouse en 1926 (Maurice Ravel est son témoin). Elle lui donne une fille en 1927.

Tout en poursuivant son œuvre : Elpénor (1927), textes de Jean Giraudoux, Contrebande (1927), opéra de chambre sur un texte de Georges Neveux, Trois Sérénades (1928) sur des textes de Guillaume Appolinaire, Francis Jammes et Jules Supervielle - avec qui il s'était lié -, il rencontre pour la première fois le cinéma en 1929 en écrivant une «musique d'écran» pour Nina Petrovna, film muet.

Cette première partition consacrée au 7ème art sera suivie, de 1931 à 1939, par (pour ne citer que les fims les plus importants) : Le Hyas, Caprelles et Pantopodes, Le Bernard l'Hermite et Barbe-Bleue de Jean Painlevé; Le Petit Chaperon Rouge d'Alberto Cavalcanti; La Vie d'un Fleuve de Jean Lods; L'Affaire est dans le Sac des frères Prévert; Zéro de Conduite et L'Atalante de Jean Vigo; 14 Juillet et Le Dernier Milliardaire de René Clair; Un Carnet de Bal et La Fin du Jour de Julien Duvivier; Le Trois Mâts Mercator, L'Ile de Pâques, Regards sur la Belgique Ancienne et Les Maisons de la Misère d'Henri Stork; Drôle de Drame, Hôtel du Nord, Le Quai des Brumes et Le Jour se Lève de Marcel Carné. Violons d'Ingres de J.B. Brunius sera terminé en août 1939; il comptait en tirer un concerto de violon.

Le cinéma, qu'il aimait et comprenait, à l'encontre de beaucoup de ses contemporains, ne représentait pourtant qu'une des multiples facettes de l'activité créatrice de Maurice Jaubert. Il fut aussi un chef d'orchestre très demandé et dirigea non seulement la musique de nombreux films chez Pathé-Natan (dont ceux d'Arthur Honegger et Darius Milhaud) mais de nombreux concerts, tant en France qu'à l'étranger. Après sa rencontre avec Emmanuel Mounier, il devient, à la création d'Esprit, un des collaborateurs de la revue jusqu'à sa mobilisation en 1939. Ses écrits, ses conférences et une importante correspondance restent un très actuel témoignage de sa compréhension de l'évolution des années 30 à 40 et de ses prises de position, tant politiques (vis-à-vis de la guerre d'Espagne, par exemple) que musicales : il a vigoureusement défendu Kurt Weill, alors totalement méconnu.

Entre 1931 et 1939, il compose, outre diverses oeuvres de musique de chambre et des mélodies, dont Les Complaintes de Georges Neveux et L'Eau vive, chants des métiers de la Haute-Provence sur des textes de Jean Giono, Le Jour, poème chorégraphique de Jules Supervielle dont la première audition aura lieu le 13 décembre 1931 à Pleyel sous la direction de Pierre Monteux et qui sera plus tard monté à l'Opéra de Paris avec une chorégraphie de Serge Lifar; la Suite française, créée à Saint-Louis aux Etats-Unis, en 1932, sous la baguette de son dédicataire Wladimir Golschmann. Il écrit la musique de scène de Tessa de Jean Giraudoux (Athénée, 1934) dont proviennent La Chanson de Tessa et La Ballade; puis Nativité, cantate pour soli, choeur mixte et orchestre, suivie de la Cantate pour le Temps Pascal donnée en première audition à la salle Pleyel le 24 mars 1938, sous la direction de Charles Münch. En 1935, c'est de nouveau, à l'Athénée, la musique de scène d'une autre pièce de Jean Giraudoux, La Guerre de Troie n'aura pas lieu. Citons encore Les Intermèdes pour orchestre à cordes (1936), la Sonata a due (1936) pour violon, violoncelle et orchestre à cordes. En 1937, il dirige au Théâtre des Champs-Elysées sa Jeanne d'Arc, symphonie concertante sur le texte de Charles Péguy, interprétée par sa femme à qui elle est dédiée. À Bruxelles, en 1936, sa musique accompagne la pièce de Georges Simenon Quartier Nègre.

Toujours en 1937, il collabore au spectacle collectif Liberté qu'il dirige au Théâtre des Champs-Elysées, ainsi que les créations de la série des opéras bouffes de l'Exposition, cette fois à la Comédie des Champs-Elysées. Géographies, pour choeur et orchestre, date aussi de 1937; son dédicataire, Manuel Rosenthal, dirige cette oeuvre pour la première fois le 16 octobre 1938 à la salle du Conservatoire. Le Concert flamand, terminé en 1936, est créé à Bruxelles en 1938 sous la direction d'André Souris. Citons enfin Ô mes frères perdus pour choeur d'hommes, orchestre et piano, composé sur des poèmes d'Eluard et dédiés à Raphaël Alberti et Gustavo Pittaluga.

Après un premier séjour à Londres, en 1936, pour l'enregistrement de la musique qu'il a composée pour le film d'Alberto Cavalcanti We Live in Two Worlds, il y retourne en 1939 pour diriger un concert à la BBC et composer la musique d'une émission de radio, The Voice of Paris, diffusée, toujours par la BBC, en mars 1939.

Mobilisé le 2 septembre 1939, capitaine de réserve du génie, il rejoint à Epinal la compagnie qu'il commande et qui restera en premières lignes jusqu'à l'armistice; il ne la quittera que pour deux brèves permissions à Nice, en janvier et avril 1940.

Il compose «aux armées» ses deux dernières oeuvres : Saisir, cinq poèmes de Jules Supervielle pour soprano, piano, harpe et orchestre à cordes (1939/40) et Trois Psaumes pour le temps de guerre pour choeur de femmes, harpe et piano. Ces Psaumes sont dédiés à Patrice de la Tour du Pin, dont l'unité occupait un secteur à quelques kilomètres du sien et qu'il avait rencontré fréquemment avant qu'il soit fait prisonnier en octobre 1939.

Maurice Jaubert n'entendra jamais ses deux dernières oeuvres : mortellement blessé à Azérailles, il mourra quelques heures plus tard à l'hôpital de Baccarat, le 19 juin 1940.

NB : il est intéressant de noter que François Truffaut utilisera de la musique de Maurice Jaubert pour quatre de ses films : Adèle H., L'Argent de poche, L'Homme qui aimait les Femmes et La Chambre Verte. De nombreux réalisateurs de télévision et de radio l'imiteront."


Sur YouTube, les vidéos de films des années trente avec musique de Maurice Jaubert abondent :)... En voici deux, avec des extraits, successivement, de Zéro de Conduite (Jean Vigo) et Un Carnet de Bal (Julien Duvivier) :


YouTube - ZERO DE CONDUITE (1933) 1/5 - (Jean Vigo)

YouTube - Un Carnet de Bal (舞�会�手帖 Dance Program) 1937 Opening Julien Duvivier[/URL]


Jacques

Adolphe Biarent (1871-1916)

http://www.classical-composers.org/img/biarent.jpg

Il est élève au conservatoire de Bruxelles et de Gand. Un Prix de Rome obtenu en 1901 lui permet de découvrir l’Italie et surtout l’Autriche et l’Allemagne sur les traces de ses maîtres préférés, Beethoven et Wagner. De retour en Belgique, il donne à Charleroi un rayonnement culturel et musical. Son œuvre qui doit beaucoup à Franck et Wagner est tournée vers ses contemporains allemands (R. Strauss en particulier) et autrichiens.

Malgré toutes ses influences, nous avons à faire "une des personnalités parmi les plus fortes et originales de nos régions" (dixit les connaisseurs de lamediatheque.be)

"Au milieu des années 90, Biarent a été redécouvert par le musicologue Michel Stockhem qui propose à Pierre Bartholomée d’enregistrer Trenmor ainsi que sa Symphonie pour le label Musique en Wallonie. « A l’époque, j’ai consulté, déclare Bartholomée, les encyclopédies musicales, découvrant avec stupéfaction qu’un compositeur d’une telle qualité n’y figurait pas ». Le disque sort en 1996. Il sera suivit d’une seconde gravure parue cette fois chez Cypres en 1998, avec entre autres les Contes d’Orient."

Voici ces deux disques :

http://ecx.images-amazon.com/images/...500_AA300_.jpg

Ce disque contient l'autre grande symphonie en ré mineur du répertoire belgo-français... ainsi que Trenmor (poème symphonique) et deux sonnets pour violoncelle et orchestre.

On peut écouter un extrait de Trenmor ici :

edit lien :
Le lien fourni ne fonctionne pas :( ; pour écouter cet extrait, il faut aller sur :
http://blog.opl.be/index.php?id=blog50
et entrer Trenmor dans la petite fenêtre de recherche ;)
Phil :coucou:

Les pièces de résistance sont les Contes d'Orient et la Rhapsodie Wallone (qui n'a rien à envier à la Cévenole d'Indy, d'ailleurs ce dernier créa l'oeuvre de Biarent). On peut écouter partiellement ces oeuvres sur youtube :

YouTube - Adolphe Biarent : Finale des « Contes d'Orient », suite symphonique (1911)

YouTube - Adolphe Biarent : Rapsodie wallonne, pour piano et orchestre (1911) 2/3

Petit commentaire amazonien assez éclairant :

The rediscovery of the music Adolphe Biarent (1871-1916) might be one of the most important, however. This is gloriously autumnal, atmospheric late-romanticism; colorful and luminescent, and containing breathtaking themes and gorgeous textures.

The music has a certain escapist quality to it - this is music to lose yourself in; evocative, dreamlike, but often fiercely dramatic. Franck, d'Indy and Fauré are obvious models, and if you mix these three with Rimsky, Rachmaninov and Stenhammar you may get somewhere in the vicinity of what this music sounds like. It relies on the solid, cogent structural frameworks of Franck and d'Indy, but Biarent's textures are clearer and more refined (the scoring is brilliant). There is nothing very original in here, I admit, but with music as inventive and wonderfully constructed as Biarent's that surely pales into insignificance.

That said, if you are unfamiliar with his music I would recommend starting with his symphony, before moving on to the piano quintet and cello sonata. While the music on this disc is enjoyable, often gorgeous and melodically memorable, it does not quite reach the exalted levels of said masterpieces. Poème héroïque is still a fine work, developing from a stirringly dramatic opening to a wonderfully satisfying, noble close. The Rapsodie wallonne is rather slight. Scored for piano and orchestra, it is certainly airy and bright and atmospheric, but contains little but easy charm. Contes d'Orient is a suite consisting of 11 brief movements (and a long finale). While it is not in any way profound, it offers plenty of wonders and firework; yes, this kind of pseudo-orientalism is still thoroughly unfashionable, but Biarent's lush and perfumed sceneries offer plenty to savor for anyone who does not think that all music has to be about existential angst.

The performances are also very good; Diane Andersen is a fine soloists in the Rapsodie and the orchestral playing is really superb throughout under the sympathetic direction of Pierre Bartholomée. The sound has depth and warmth aplenty. In short, while this is close to a five-star disc, I still do not think this is the place to get to know the composer. If you have already heard the symphony, however, you should really not hesitate to acquire this one as well.

Les deux disques symphoniques sont également disponibles dans le cube consacré aux 50 printemps de l'orchestre de Liège.

http://ecx.images-amazon.com/images/...500_AA300_.jpg

Ce disque présente un splendide quintette pour piano et cordes (du calibre de ceux de Brahms et Franck) et la sonate pour violoncelle et piano.

Petit commentaire d'un internaute norvégien et amazonien :

I admit to having a penchant for exploring musical byways and rarities, but I do think that I am able to make more or less sober assessments of what I come across. Still, there seems to be no way around the fact that the music of the Belgian composer Adolphe Biarent (1871-1916) represents a major discovery of a composer whose negligence is wholly unjustified. Fortunately his music has received a couple of recordings the last couple of years - in fact, both works here have, as far as I can see, alternative recordings (although I haven't heard them) - and hopefully more will follow.

The cello sonata really deserves a place in the standard repertoire and doesn't pale at all in the company of, say, the Debussy or Rachmaninov sonatas. It is a large-scale, big-boned work that owes something to Cesar Franck and d'Indy, both formally and harmonically, but is fully individual and magnificently laid out for the instruments; gorgeously opulent and vibrantly dramatic, it doesn't contain a single dull or unmemorable moment or idea during its 35 minutes. Similarly, the piano quintet is inventive and thematically strong; Brahms and Franck are clear influences (but the quintet doesn't really sound anything like the piano quintets of either composer), wonderfully melodic and with a dramatic tension and energy beyond comparison. It contains no real slow movement, but consists of two huge, dramatic outer movements flanking a short, evocative intermezzo.

Fortunately the performances are superb; Diane Andersen comes across as a fabulous chamber musician, impressively sensitive both to the musical lines and the chamber textures. In the cello sonata Marc Drobinsky is unfazed by the technical challenges, playing with a rich tone and fully conveying the shattering drama of the music, whereas the Danel Quartet is equally excellent in the quintet. It is all captured in vivid, detailed sound and a delectable packaging. Very, very strongly recommended.

Pour me faire pardonner une coquille laissée dans mon précédent post, au mot "cinéphile" (:rose:), je présente encore deux extraits de films avec musique de Jaubert : l'un est tiré de L'Atalante (Jean Vigo), l'autre est le générique d'Hôtel du Nord (Marcel Carné).

J'en ajoute un troisième, mais sans musique, tiré aussi d'Hôtel du Nord (je n'ai pas pu résister :bebe:).

YouTube - L'Atalante Theme - Maurice Jaubert[/URL]

YouTube - Hôtel du Nord[/URL]

YouTube - Hôtel Du Nord (1938) - "Atmosphère" scene with Arletty[/URL]


Jacques :coucou:

Excellente idée, aussi, d'avoir présenté Adolphe Biarent (:up:) !

Ça me fait penser que j'ai des disques avec des musiques de deux autres compositeurs belges, Arthur Meulemans (1884-1966) et Godfried Devreese (1893-1972), moins connus encore que Guillaume Lekeu et Joseph Jongen, par exemple, mais dont les oeuvres mériteraient bien qu'on leur consacre quelques lignes.

Je le ferai peut-être un jour, sur ce même fil.

Jacques :coucou:

Adolphe Biarent est malheureusement peu connu...y compris des belges, et c'est dommage.
Je possède les deux CD, celui de la symphonie et celui du quintette, et j'espère bien qu'un de ces jours nous en trouverons d'autres. Pour en rester chez les belges, qui connaît le flamand Peter Benoit (1834-1901) ? Il a composé une Rubenscantate époustouflante, ainsi qu'un oratorio dédié à l'Escaut (De Schelde). Je n'ai écouté que l'ouverture de son opéra Le Roi des Aulnes, et j'aimerais bien l'écouter en entier.

Citation:

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Envoyé par joachim

Pour en rester chez les belges, qui connaît le flamand Peter Benoit (1834-1901) ? Il a composé une Rubenscantate époustouflante, ainsi qu'un oratorio dédié à l'Escaut (De Schelde). Je n'ai écouté que l'ouverture de son opéra Le Roi des Aulnes, et j'aimerais bien l'écouter en entier.

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Bonjour Joachim :coucou:.

Je ne connais pas encore le compositeur flamand Peter Benoit. Mais pour ce qui me concerne, ce sera sans doute une très précieuse découverte.

En attendant, je m'autorise un "petit détour" par la Finlande :)...

Au post 274 (!) du fil Ravel, à propos d'une pièce de Scriabine pour la main gauche jouée par le pianiste japonais Izumi Tateno, j'ai suggéré qu'un fil de discussion soit ouvert sur le compositeur Selim Palmgren (1878-1951), qui fut salué en 1916, après la création triomphale de son Concerto pour piano No 3, comme étant "le prince héritier du trône occupé par Sibelius". Je pense toutefois qu'une simple mention ici sera finalement suffisante.

J'avais aussi laissé entendre qu'Izumi Tateno avait enregistré une intégrale de l'oeuvre pour piano de Palmgren, mais ce n'est pas exactement le cas. Il s'agit en fait d'une copieuse anthologie en trois CDs, où les pièces de ce compositeur finlandais sont réparties par périodes.

Voici ces trois disques, ainsi qu'un double album où figurent les cinq Concertos pour piano de Palmgren, composés respectivement en 1904, 1911, 1916, 1927 et 1941 (les pièces pour piano seul qui y figurent également, reprises de l'anthologie, ne sont là que pour "meubler l'espace") :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118128300.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118128304.jpg

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118128311.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118128312.jpg

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http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118128315.jpg

Sur Palmgren, je me contenterai de reproduire ci-dessous des passages du texte que lui consacre Kimmo Korhonen (traduction française d'Anja Fantapié) dans la brochure jointe au deuxième disque. Je complète cependant les noms des compositeurs ayant marqué Palmgren par celui de Grieg, dont l'influence me paraît évidente (avec même une "petite pointe de Bartok" dans la Länsisuomalainen poloneesi Op. 64/5 de 1918). Quant aux sonorités "impressionnistes" signalées, ce n'est pas toujours Debussy qu'elles évoquent, mais parfois aussi, ce qui est plus inattendu, Déodat de Séverac (NB : en un sens, ce n'est guère étonnant puisque Tateno est un véritable "fan" du compositeur languedocien; avant d'enregistrer son double album consacré à Séverac, le pianiste japonais, chose rare, se rendit même "en pèlerinage" à Saint-Félix de Caraman en Lauragais [Haute-Garonne], où il prit lui-même des photos du village et de la campagne environnante afin d'en orner la brochure jointe audit album :love:).

Voici ces passages :

"(...) Pour un compositeur finlandais, Palmgren mena une vie exceptionnellement cosmopolite. De 1906 à 1909 il séjourna en Italie. L'Allemagne était une base naturelle pour un musicien de l'Europe du Nord, et il s'y trouvait lorsque la première guerre mondiale éclata. Il habita ensuite à Stockholm puis à Copenhague, avant de retourner en Finlande en 1916. En 1919 il partit avec sa femme, la cantatrice Maikki Järnefelt-Palmgren, pour une tournée aux États-Unis, et de 1921 à 1926 il enseigna la composition à l'Eastman School of Music de Rochester. Il passa les années suivantes en Finlande, tout d'abord comme professeur de piano au Conservatoire d'Helsinki et dès 1939 comme professeur de composition dans le même établissement, devenu l'Académie Sibelius.

Palmgren fut le premier compositeur-pianiste important de la musique finlandaise et on l'appelait tantôt «le Chopin du Nord», tantôt «le Schumann du Nord». Sa musique pour piano - environ 300 pièces en soliste et cinq concertos - constitue en effet le centre de son œuvre. La plus importante parmi ses autres œuvres est l'opéra Daniel Hjort, créé en 1910. En outre, certains de ses chœurs pour voix d'hommes ont trouvé une place permanente dans le répertoire des chœurs finlandais.

Palmgren fit ses débuts de compositeur pendant son temps d'études au printemps 1898 quand parut son premier opus, un recueil de quatre pièces pour piano. Plus tard il continua de publier la plupart de ses œuvres pour piano sous la forme de recueils de plusieurs pièces. Bien que ceux-ci aient souvent un titre évocateur et unificateur, ils ne donnent pas l'impression d'être de véritables suites pour piano.

Les pièces pour piano de Palmgren couvrent un échelle étendue d'impressions et de moyens d'expression. Son évolution de compositeur pour le piano ne se divise pourtant pas en périodes nettement distinctes; on pourrait plutôt trouver qu'il trace plusieurs sillons différents et parallèles. Parfois les pièces d'un seul recueil peuvent être très différentes stylistiquement les unes des autres.

Les racines de sa musique pour piano sont profondément enfoncées dans le terreau du romantisme. Ses grands modèles étaient Chopin, Schumann, Liszt, les romantiques russes, et l'influence de Rachmaninov est particulièrement sensible. Palmgren ne fut en aucun cas un novateur du postromantisme mais, pianiste habile, il sut exploiter avec une grande efficacité le vocabulaire pianistique créé par ses grands prédécesseurs.

Bien que profondément postromantique, Palmgren a souvent inclus dans ses œuvres pour piano des éléments impressionnistes, par exemple des intervalles majeurs, des tierces augmentées, des passages en accords parallèles et des structures de texture typique de la musique impressionniste pour piano. Il fut le premier Finlandais à les introduire dans sa musique. Il est pourtant paradoxal qu'il ne se soit pas particulièrement intéressé à la musique de Debussy mais qu'il parvint plutôt instinctivement à son expression impressionniste. Pour lui, il s'agissait d'une part d'un prolongement de la pensée harmonique nuancée du postromantisme, d'autre part d'un moyen pour mettre en musique des impressions délicates de la nature. (...)"


Un exemple de l' "impressionnisme" de Palgmren, la pièce simple et techniquement facile intitulée "Nuit du mois de mai", quatrième du recueil Printemps Op. 27 (1907), ici jouée par un pianiste amateur (?), probablement américain :

YouTube - May Night - by Selim Palmgren[/URL]


Jacques

J'aimerais aussi voir réévalué Niels Gade, compositeur danois ami de Schumann, qui a laissé de fort belles oeuvres, ses symphonies 3 et 6 par exemple, sa symphonie 5 qui a pour particularité d'exploiter fort bien un piano dans l'orchestre et qui pourrait bien être une de mes oeuvres préférées, et sa sonate pour piano en mi mineur, très mendelsohnienne mais très belle!

Citation:

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Envoyé par Amitiou

très mendelsohnienne mais très belle!

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voilà un "mais" qui pourrait vous attirer des ennuis!

Pourquoi? Il y a des anti-mendelssohn? Qu'ils se montrent! :D

Dire "très mendelssohnienne mais très belle" ça sous-entend que beau et mendelssohnien ne vont pas ensemble, donc que Mendelssohn n'est pas un bon compositeur, et ça c'est plus grave que d'aimer du Delius môssieur :p

Sinon, si mes souvenirs sont exacts Gade est allé à Leipzig, Mendelssohn a trouvé sa musique très bien, a joué sa première symphonie et l'a pris comme assistant pour diriger le Gewandhaus. C'est ainsi que Gade dirigeait l'orchestre lors de la création du concerto pour violon Op.64 de Mendelssohn. Pas étonnant que la musique de Gade ait un petit air de famille...

Citation:

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Envoyé par Amitiou

J'aimerais aussi voir réévalué Niels Gade, compositeur danois ami de Schumann, qui a laissé de fort belles oeuvres, ses symphonies 3 et 6 par exemple, sa symphonie 5 qui a pour particularité d'exploiter fort bien un piano dans l'orchestre et qui pourrait bien être une de mes oeuvres préférées, et sa sonate pour piano en mi mineur, très mendelsohnienne mais très belle!

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Il va falloir que je me penche sur la question parce que j'ai failli répondre spontanément "moi je n'aimerais pas" mais en fin de compte je connais très très mal et mon souvenir est trop lointain... Rien ne sert d'être catégorique. J'aime beaucoup Mendelssohn mais j'ai du mal avec ses épigones comme A. Rubinstein & Co.
Je note les pistes d'approche (Sym 3-5-6) :zen:

En fait, ce que j'entendais par "mendelssohnienne mais belle", c'était que ce n'était pas une pâle copie de l'original, c'est tout :)
Et oui, toute personne n'aimant pas Mendelssohn devrait être fusillée en place publique, mais cela étant trop coûteux et fatiguant, un simple blâme suffira ^^

Quant à moi, Rubinstein sera l'un de mes prochains cheval de bataille ^^

Bon courage :rateau:

Il y a de bons moments dans la symphonie "Océan" (la deuxième) mais dans les autres... je n'ai pas trouvé. Le Démon, que je n'ai pas encore écouté, suscite néanmoins ma curiosité : Rimsky-Korsakov raconte que Tchaïkovsky s'en est visiblement souvenu pour sa Iolanta.

Sa musique pour piano réserve parfois de très belles surprises ^^

YouTube - Niels W. Gade - Symphony No 5 Op 25 I. Allegro Con Fuoco (1/4)

Et ça c'est pour découvrir: si vous n'aimez pas, n'allez pas plus loin :)

Ouvrir un fil général de discussion sur le compositeur suisse Aloÿs Fornerod (1890-1965) n'eût pas été raisonnable : il est bien trop peu connu et les enregistrements de sa musique sont rarissimes. J'aurais pu en parler sur le fil consacré à Gabriel Fauré, son idole, mais c'est déjà fait. C'est donc ici que je suis venu pour l'évoquer (même si mon souhait, cela va de soi, n'était pas de le voir "réévalué") :).

Comme il était l'oncle du mari d'une des soeurs de mon père, je le connais quand même un peu. Je ne l'ai cependant jamais rencontré personnellement (j'étais de toute façon encore beaucoup trop "gamin" à l'époque où il est mort).

Sur cette photo déjà montrée sur le fil Fauré, Aloÿs Fornerod apparaît tout à gauche, à environ 20 ans, avec ses parents, ses deux soeurs et son frère (c'est sa soeur Hélène qui devint la belle-mère de ma tante) :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118260382.jpg

Catholique à l'ancienne et très orienté à droite (façon Vincent d'Indy), sa devise artistique et culturelle aurait pu être, bien qu'il fût suisse : "la France seule" (façon Charles Maurras). Ses compositions ne sont pas très nombreuses et assez peu modernistes mais relativement variées : messes pour soli, choeur et orchestre; oeuvres orchestrales diverses (dont un Concerto pour piano Op. 29); musique de chambre (dont un Quatuor à cordes Op. 47); pièces pour piano (dont une Sonate Op. 39).

C'est assez tard qu'Aloÿs Fornerod connut un certain succès, avec la création en octobre 1942 par Ernest Ansermet et l'OSR de sa suite pour orchestre Le Voyage de printemps (c'était à l'origine une suite pour piano, qu'il orchestra lui-même), dont l'exergue est empruntée aux Idylles de Théocrite. C'est une oeuvre assez peu fauréenne (contrairement à sa musique de chambre), qui évoque plutôt la "simplicité raffinée" de Jean Françaix (cf. notamment, de ce dernier, son Concertino pour piano de 1932).

Quoi qu'il en soit, voici l'une des rares versions de ce Voyage de printemps (avec successivement : "Eglogue", "Ronde", "Nocturne", "Rigaudon" et "Montferrine"), enregistrée en public le 16 mai 1975 par l'Orchestre de Chambre de Lausanne sous la direction d'Armin Jordan :

YouTube - ‪Aloÿs Fornerod : Le Voyage de printemps‬‏[/URL]


Jacques :coucou:

Très intéressant... merci pour cette rareté.
Savez-vous quelque chose d'Alexandre Denereaz, et s'il existe d'autres oeuvres enregistrées qu'Au tombeau de Tout-ankh-Amon? dont je crois que la première fut aussi confiée aux bons soins d'Ansermet?

Je viens d'écouter, c'est vraiment charmant et... printanier ! L'oeuvre porte bien son nom. On pense un peu à D'Indy, il y a de petites touches impressionnistes, c'est délicieux, on aimerait en entendre plus.

Je viens de voir que cette oeuvre a également été enregistrée par Emmanuel Siffert en 2004 et qu'on peut la trouver dans cette compilation ("Swiss Symphonic Composers n°2") couplée avec son 2nd concerto pour orchestre de chambre.

http://www.arkivmusic.com/graphics/c...19/1199981.jpg

Citation:

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Envoyé par Jacques

Comme il était l'oncle du mari d'une des soeurs de mon père, je le connais quand même un peu.

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Comment désignez-vous une telle relation de parenté en Suisse: quelque chose comme un "grand-oncle par alliance" ? :modo:

ptet "un cousin à la mode de Bretagne"?

Citation:

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Envoyé par Fou des chutes

Comment désignez-vous une telle relation de parenté en Suisse: quelque chose comme un "grand-oncle par alliance" ? :modo:

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Ne faites pas ce genre de remarque, vous allez vous attirer des foudres modératoresques ! :)

Citation:

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Envoyé par lebewohl

ptet "un cousin à la mode de Bretagne"?

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Un cousin à la mode de Bretagne n'est-ce pas ce qu'on appelle aussi un cousin issu de germain? Soit un consanguin. Le cas présent est plus compliqué: frère de mère de mari de sœur de père.

Que Jacques et la modération me pardonnent cette digression.

ah... je confesse que je prenais "à la mode de Bretagne" dans son acception large de "cousin éloigné et même tellement éloigné et tellement par alliance qu'on n'est pas vraiment cousin mais enfin quand même si"...

Citation:

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Envoyé par Fred Audin

Savez-vous quelque chose d'Alexandre Denereaz, et s'il existe d'autres oeuvres enregistrées qu'Au tombeau de Tout-ankh-Amon? dont je crois que la première fut aussi confiée aux bons soins d'Ansermet?

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Bonsoir Fred Audin :coucou:.

Hélas non. J'avoue qu'à part des compositeurs suisses (ou d'origine suisse) souvent joués comme Arthur Honegger, Ernest Bloch ou Frank Martin, je connais encore très peu les autres. L'exception concernant Fornerod vient évidemment du lointain lien de parenté que j'ai signalé.

Mais je vais essayer d'en apprendre plus (auprès de quelqu'un de Lausanne que je connais et qui est généralement très au courant de ce genre de chose) sur Alexandre Denereaz et d'éventuels autres enregistrements que celui d'Au Tombeau de Tout-ankh-Amon.

Jacques

Citation:

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Envoyé par Erwan

Je viens de voir que cette oeuvre a également été enregistrée par Emmanuel Siffert en 2004 et qu'on peut la trouver dans cette compilation ("Swiss Symphonic Composers n°2") couplée avec son 2nd concerto pour orchestre de chambre.

http://www.arkivmusic.com/graphics/c...19/1199981.jpg

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Bonsoir Erwan :coucou:. Et merci pour cette info.

À toutes fins utiles, je vais la transmettre à mes cousins Olivier et Etienne, les deux fils de la tante (aujourd'hui décédée) que j'évoquais et dont le lien de parenté avec Aloÿs Fornerod est moins "indirect" que le mien avec ledit compositeur.

Ça me rappelle que cette tante ne ratait pas une occasion de parler de l' "oncle Aloÿs" et qu'elle mettait toujours bien en évidence sur son piano la partition de la version pianistique du Voyage de printemps (:D).

Pour lui faire plaisir, je l'ai même apprise :) (ce n'est pas très difficile, en tout cas moins que la plupart des pièces de Ravel que j'étudiais à la même époque). Mais c'était il y a longtemps.

Jacques

Citation:

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Envoyé par Fou des chutes

Comment désignez-vous une telle relation de parenté en Suisse: quelque chose comme un "grand-oncle par alliance" ?

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Pardon pour la modération (:rose:), mais c'est très exactement ça :).

Pour tenter de faire plus simple, je dirai que la soeur cadette de mon père épousa un jour un homme dont l'un des oncles était Aloÿs Fornerod. La mère de cet homme était Hélène, soeur du compositeur (cf. la photo ancienne montrée plus haut).

Je signale que contrairement à Aloÿs, j'ai assez souvent rencontré sa soeur Hélène dans mon enfance. C'était une dame extrêmement charmante et tout à fait "vieille France" :D (malgré sa nationalité et son éducation suisses).

Jacques :coucou:

En voyant le disque montré par Erwan au post 157, je me suis souvenu que je connaissais aussi Jean Balissat (1936-2007) : c'est lui qui avait composé la partition de la Fête des vignerons de 1977 (:)) et je lui avais écrit vingt-deux ans plus tard à propos des difficultés que pouvait rencontrer un compositeur face à la problématique suivante : dans quelle "proportion" doit-il respecter le folklore, quasi obligé en pareilles circonstances, par rapport à son souci légitime de composer quand même une musique originale, voire novatrice ? Je venais d'assister à une représentation de la Fête de 1999 et n'avais guère été convaincu pas la musique que j'avais entendue, oeuvre collective de trois compositeurs penchant outrageusement du côté de Boulez, le folklore étant pour ainsi dire "passé à la trappe".

Concernant Balissat, je signale cet article Wikipédia. Et sur la Fête des vignerons de Vevey, je signale celui-ci.

Je montre en outre ci-dessous une photo du compositeur et la réponse qu'il fit à ma lettre :

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264703.jpg http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264705.jpg

Pour illustrer le caractère assez extravagant de cette Fête (:D), dont les nombreux figurants et les chanteurs sont pratiquement tous des amateurs, j'y ajoute des vues de...

- celle de 1889 (musique de Hugo de Senger, que je ne connais pas) :
http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264708.jpg

- celle de 1905 (musique de Gustave Doret, qui onze ans auparavant avait dirigé la première du Prélude à l'Après-midi d'un Faune) :
http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264709.jpg

- celle de 1927 (musique de Gustave Doret à nouveau) :
http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264710.jpg

- celle de 1955 (musique de Carlo Hemmerling, qui remplaça Arthur Honegger d'abord sollicité mais qui, malheureusement, était trop malade pour se lancer dans une pareille aventure) :
http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264712.jpg

- celle de 1977 (musique de Jean Balissat, dont les compositeurs l'ayant influencé étaient, de son propre aveu, Mahler et Chostakovitch) :
http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264716.jpg


Je montre enfin une vidéo où peut être entendue, tirée de la partition composée par Balissat pour la Fête de 1977, la pièce pour choeur et orchestre intitulée "Le Soleil". La musique commence pianissimo (attention à ne pas trop pousser le volume sonore ;) !) dans un climat d'angoisse et se poursuit en un long crescendo, le soleil ainsi décrit n'étant pas du tout un astre souriant mais une force naturelle implacable. Les quelques photos accompagnant cette musique ont toutes été prises à l'occasion de l'une ou l'autre des représentations du mois d'août 1977.

La voici :

YouTube - ‪Jean Balissat - Le Soleil (1977)‬‏[/URL]


Jacques :coucou:

Deux petits compléments au post qui précède :)...


1/ Qu'a répondu Jean Balissat, deux jours avant la fin de la Fête des vignerons 1977, à la question de savoir s'il avait été ému de diriger pour la première fois sa partition devant 16'000 personnes ?

Son surprenant aveu peut être entendu sur cette brève vidéo :

YouTube - ‪Jean Balissat, peu avant la fin de la Fête des vignerons (1977)‬‏[/URL]


2/ Qu'avait-on joué lors de la précédente Fête, celle de 1955 ?

Une musique très proche du folklore suisse romand habituel, avec juste quelques harmonies "piquantes" par-ci par-là (:D). J'ai décrit ainsi sur YouTube la vidéo qui suit :

"Arthur Honegger avait été sollicité pour composer la musique de la Fête des vignerons de 1955 (Vevey, Suisse). Malheureusement trop malade, il dut renoncer à ce mandat. Et c'est finalement Carlo Hemmerling qui fut chargé du travail, en composant une musique encore proche des partitions très tributaires du folklore écrites pour les Fêtes de 1905 et 1927 par Gustave Doret (autre compositeur suisse, surtout connu pour avoir dirigé en 1894 la première exécution du Prélude à l'Après-midi d'un faune de Debussy). La partition d'Hemmerling fait appel non pas à un orchestre symphonique traditionnel mais à un ensemble d'harmonie (instruments à vent uniquement), qui en 1955 n'était autre que l'Orchestre de la Garde Républicaine, venu tout exprès de Paris. Enregistrés en monophonie pendant la Fête, les trois courts morceaux avec choeur qu'on entend sur la vidéo sont successivement : "Chanson du vin nouveau", "Chanson des vieux et des vieilles" et "Farandole". En couleur, sauf celles montrant la déesse Cérès et le dieu Bacchus, les photos ont été prises pendant la Fête, en août 1955.

Voici cette vidéo :

YouTube - ‪Carlo Hemmerling - Fête des vignerons 1955‬‏[/URL]


Jacques :coucou:

Bonjour.

Ces réjouissances bachiques ont-elles lieu tous les ans? J'ouvrirai bien un fil sur la question mais je ne vois pas trop ce que nous aurions d'équivalent à proposer en France. Il est vrai que je connais mal festivités de masse dans les régions, étant un méchant parisien :bebe:

:coucou:

Je ne connais rien de tel, ce qui ne veut rien dire, en revanche la Saint Vincent (22 janvier, je crois) est fêtée abondamment dans beaucoup de villages viticoles ; dans certains, comme Buxy (Haute-Saône), cela s'accompagne de musique, mais pas forcément composée pour l'occasion.

S'il y a autant de monde que ça

http://nsm05.casimages.com/img/2011/...7118264716.jpg

on devrait en causer dans les gazettes, non?

c'est ce que je dis : je ne connais rien de tel!

Même le Parisien que tu es devrait, en revanche, connaître ça :
http://www.fetedesvendangesdemontmartre.com/

Citation:

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Envoyé par lebewohl

Je ne connais rien de tel, ce qui ne veut rien dire, en revanche la Saint Vincent (22 janvier, je crois) est fêtée abondamment dans beaucoup de villages viticoles ; dans certains, comme Buxy (Haute-Saône), cela s'accompagne de musique, mais pas forcément composée pour l'occasion.

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Je voyais Buxy un poil au sud de Chalon sur Saône... :siffle::coucou:

Saône-et-Loire, pardon, pardon...

Cela mérite une tournée virtuelle de Montagny!

Il n'y a pas un bar plus proche? :D

Citation:

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Envoyé par mah70

Ces réjouissances bachiques ont-elles lieu tous les ans?

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Non, fort heureusement (:D).

À la fin du XVIIIème siècle, elles avaient bien lieu chaque année, mais c'était peu de chose et ça ne durait qu'un jour.

Elles se sont toutefois raréfiées au cours du XIXème siècle, tout en prenant beaucoup plus d'ampleur et en s'étendant sur plusieurs jours.

La règle actuelle est qu'il n'y ait plus que quatre ou cinq "réjouissances" de ce genre par siècle (une fois tous les ving-cinq ans en moyenne). Ainsi, au XXème siècle, il n'y eut que celles de 1905, 1927, 1955, 1977 et 1999 (le nombre de spectateurs par représentation passant progressivement, pour chacune de ces années, de 12'000 à 17'000, ce qui est très coûteux à organiser).

J'ai assisté aux deux dernières (1977 et 1999) et, croyez-moi, pour ce qui est de boire du vin après - voire même avant - le spectacle et de "faire la fête", c'est vraiment "quelque chose" (:casse:... :rateau:).

Quand ça se prépare et lorsque ça a lieu, les gazettes (surtout locales) en parlent évidemment beaucoup. Ce qui fait revenir dans leur pays, pour l'occasion, beaucoup de Suisses romands expatriés parfois depuis plusieurs générations. En 1999, j'en ai rencontré qui venaient d'un peu partout, notamment des Etats-Unis et de Nouvelle-Zélande, certains parlant à peine le français.

Jacques :coucou:

Il y a trois ans, sur le fil de discussion consacré au compositeur suisse allemand Willy Burkhard (1900-1955), j'ai dû faire un piteux aveu d'ignorance (:rose:).

Or, la même aventure m'est arrivée récemment, un ami m'ayant demandé ce que je savais d'Othmar Schoeck (1886-1957), autre compositeur suisse allemand (re-:rose:).

Mais là, honteux de cette nouvelle grosse lacune, j'ai quand même fait ensuite quelques petites recherches sur Schoeck et constaté, entre autres choses, que son opéra "expressionniste" en un acte Penthésilée (composé en 1924/25 sur un texte de Heinrich von Kleist et créé à l'Opéra de Dresde en janvier 1927) connaissait depuis quelques années un net regain d'intérêt (:)).

On peut le voir notamment à la lecture d'un article paru le 20 juillet 1998 dans Libération et toujours accessible ici (je le mentionne car il présente aussi l'avantage de fournir sur cet opéra suffisamment de données pour m'épargner d'en dire beaucoup plus ;)).

Cela étant, j'ai commandé et reçu ce matin la version suivante de Penthésilée, enregistrée live le 17 août 1982 aux Salzburger Festspiele (la brochure jointe n'est qu'en anglais et en allemand mais reproduit tout le texte de Kleist) :

http://img4.hostingpics.net/pics/136503Schoeck01.jpg http://img4.hostingpics.net/pics/177177Schoeck02.jpg

C'est une bonne version, je crois, avec quelques excellents solistes. La prise de son favorise toutefois un peu trop les voix (chantées, souvent parlées aussi, façon "sprechgesang") au détriment de l'orchestre. C'est dommage car ce dernier est tout à fait original : seulement quatre violons mais un très grand nombre d'altos, de violoncelles et de contrebasses; pas de harpe mais deux pianos; pas de hautbois mais un contrebasson, dix clarinettes et sept trompettes (dont trois sur scène).

Mais l'oeuvre, surtout pour qui l'entend pour la première fois (comme moi aujourd'hui), n'en demeure pas moins impressionnante. Certains passages sont même d'une extrême violence.

À toutes fins utiles, puisque la totalité de cette version (qui dure 79'59) figure sur YouTube, je montre ci-dessous la vidéo correspondante :

Othmar Schoeck: Penthesilea op.39 (1924/1925) - YouTube[/URL]


Jacques :coucou:

Citation:

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Envoyé par Jacques

Il y a trois ans, sur le fil de discussion consacré au compositeur suisse allemand Willy Burkhard (1900-1955), j'ai dû faire un piteux aveu d'ignorance (:rose:).

Or, la même aventure m'est arrivée récemment, un ami m'ayant demandé ce que je savais d'Othmar Schoeck (1886-1957), autre compositeur suisse allemand (re-:rose:).

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Jacques ! :) étonnant que le compositeur Schoeck vous soit jusqu'à présent resté inconnu :cool:
J'ai personnellement le sentiment qu'il s'agit d'un compositeur suisse des plus importants, peut-être l'un des meilleurs (à mon goût) même si ma connaissance en est partielle (je me suis surtout intéressé à sa musique de chambre et à ses "lieder", dont je dirai quelques mots à une prochaine occasion) ; je dois posséder 4 ou 5 CDs de lui, et il me semble qu'un fil pourrait lui être consacré. Je présenterai les qqs oeuvres que je connais de lui quand je le pourrai (pour l'instant le temps me manque ...) ; en attendant le site officiel de Schoeck (en allemand ...) peut être consulté ici : http://www.othmar-schoeck.ch/komponi...afie_kurz.html :coucou:

Merci pour vos remarques et les informations fournies, Philippe :coucou:.

Sur l'importance d'Othmar Schoeck, vous avec raison. Je fais donc à nouveau mon mea culpa pour l'avoir snobé pendant si longtemps et verrais avec plaisir l'ouverture d'un fil (général) consacré à ce compositeur.

Il faut dire que la Suisse est partagée entre deux cultures principales, l'allemande et la française. Et mes affinités, favorisées par mon enracinement romand (encore que ma grand-mère paternelle fût bernoise), m'ont longtemps fait pencher systématiquement vers la seconde. D'où mon peu d'intérêt, jusqu'à tout récemment, pour la musique de Schoeck, profondément germanique quant à elle. Il est vrai que ces deux influences souvent coexistent chez les compositeurs helvétiques, notamment chez Arthur Honegger et (surtout) Frank Martin, ce qui ne m'avait pas empêché d'apprécier ces derniers sans réserve depuis des décennies.

Quoi qu'il en soit, il n'est jamais trop tard pour bien faire :).

Jacques

un ' petit ' concerto de Vivaldi dont on parle rarement et qui est très touchant:love: Antonio Vivaldi - Concerto pour flûte, cordes et basse - YouTube

J'aimerais voir réévalué Clementi qui a eu le noble privilège de jouer avec Mozart et connu Beethoven :) Clementi: Sonatina in C major, op. 36 no. 3 (complete) - YouTube

Bonsoir Jonathan :coucou:.

Votre post ci-dessus et la jolie Sonatine en do majeur Op. 36 No 3 de la vidéo m'ont rappelé que je possédais depuis longtemps ce gros coffret de 15 disques (je l'ai ressorti pour l'occasion) enregistrés il y a plus de vingt ans par le pianiste italien Pietro Spada :

http://img11.hostingpics.net/pics/568184Clementi100.jpg

Et cette petite sonatine y figure, comme il se doit :).

Mais le coffret contient évidemment quantité d'autres choses, en particulier toutes les sonates pour clavier composées par Clementi, la plupart étant bien plus élaborées et ambitieuses. On y trouve même quelques "perles" évoquant Haydn, Mozart, voire Beethoven.

Cela dit, bien que ces sonates soient toujours très agréables à entendre (certaines sont même fort belles), il faut bien admettre que Clementi n'atteint pas souvent le niveau qui caractérise les oeuvres analogues des trois autres compositeurs cités.

Je tiens néanmoins beaucoup à ce coffret et ne voudrais surtout pas m'en défaire, même si je n'y reviens plus très souvent.

Jacques

Je ne sais pas si Myslivecek mérite d'être réévalué (je ne le connais pas assez) mais le second mouvement de son octuor pour vents en si bémol majeur me semble exquis. Ici :
Josef Myslivecek (1737-1781): Octet in B flat Major - YouTube[/URL]
ça va de 4:28 à 7:14.
IP

Citation:

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Envoyé par InnocentParadis

Je ne sais pas si Myslivecek mérite d'être réévalué (je ne le connais pas assez) mais le second mouvement de son octuor pour vents en si bémol majeur me semble exquis. Ici :
[/URL]
ça va de 4:28 à 7:14.
IP

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J'ai apprécié énormément :zen:

Parmi les petits-maîtres contemporains de Mozart, Ignaz Pleyel me semble mériter d'être remarqué. On trouve sur You Tube pas mal d'oeuvres de lui. Il y a de joyeux allegros de symphonies, des duos pour violons dont l'écriture, sans être extraordinairement savante, me semble agréablement soignée et un adagio de concerto pour piano (Ben 103 A) :
Masha Dimitrieva ✿ plays Ignaz PLEYEL ✿ _ Piano Concerto on Ben103A _ 2. Adagio - YouTube[/URL]
que, pour ma part, je trouve fort beau de 2:21 à la fin .
IP

Je sais que ce n'est pas bien de poster plusieurs fois de suite sur le même fil, mais j'ai un scrupule : ce qui me semble le plus beau dans le mouvement de Pleyel, c'est le passage qui va de 3:11 à 3:35 . Or cela m'a l'air d'une "cadence libre" pour le soliste, et les compositeurs ne publiaient pas toujours leurs propres cadences. Il n'est donc pas impossible que ce passage soit l'oeuvre de l'interprète...
IP

Je dirais même qu'à l'époque il était fort rare de publier ses propres cadences, me semble-t-il.

L'un des avantages de lire de gros ouvrages sur certains compositeurs célèbres est d'en découvrir beaucoup d'autres, moins connus mais ne manquant pas d'intérêt pour autant. Je pense en particulier au beau livre consacré à Gabriel Fauré par Jean-Michel Nectoux (Fayard, 2008), qui mentionne à plusieurs reprises un compositeur américain d'origine allemande, Charles Martin Loeffler (1861-1935).

De ce musicien au destin peu commun, j'ai été heureux de trouver dans la BM du forum deux belles compositions pour orchestre que je ne connaissais pas (:)). Ce qui m'a conduit à ressortir de ma collection d'enregistrements dédiés au chant cet album (le seul que je possède à ce jour avec des oeuvres de Loeffler) comportant treize mélodies sur des poèmes en français, dont la musique, me semble-t-il, évoque avec bonheur tantôt Fauré, tantôt (plus souvent encore) Duparc :

http://img11.hostingpics.net/pics/705795Loeffler01.jpg http://img11.hostingpics.net/pics/527063Loeffler02.jpg

Dans la brochure jointe, en plus de ces images montrant le compositeur peint en 1903 par John Singer Sargent (qui fit aussi un portrait resté célèbre de Fauré) et photographié à l'âge de 16 ans,

http://img11.hostingpics.net/pics/663055Loeffler03.jpg http://img11.hostingpics.net/pics/527290Loeffler04.jpg
　
... on trouve, avec le texte des poèmes et leur traduction en allemand et en anglais, une présentation par Laurent Martin du compositeur et des mélodies enregistrées que je me permets, vu son intérêt, de reproduire en entier ci-dessous :


"Charles Martin Loeffler, né en 1861 à Berlin, voyage avec sa famille pour suivre son père, ingénieur (et aussi écrivain sous le nom de Tornow), dans ses déplacements professionnels en Russie, Hongrie, Suisse et arrive à Paris en 1879. Vers 1870, Charles Loeffler commence l'étude du violon en Russie, puis décide à 13 ans de devenir professionnel. Il se perfectionne à la Hochschule de Berlin avec le célèbre Joachim, et commence des études d'écriture avec Woldemar Bargiel, le demi-frère de Clara Schumann.

À Paris, il travaille avec le grand violoniste Lambert Massart, et aussi la composition auprès d'Ernest Giraud (professeur également de Debussy, Pierné, Mel Bonis et bien d'autres). Son père subissant une persécution de plus en plus forte du régime de Bismarck en raison de ses opinions politiques, Loeffler se dit maintenant français, né à Mulhouse, et renforce son attachement définitif pour la culture et la langue françaises. Il est membre quelque temps de divers orchestres (dont Pasdeloup) puis s'embarque pour les Etats-Unis où la situation des musiciens est bien meilleure et où il sera naturalisé en 1887.

D'abord membre de l'Orchestre Damrosch à New York, il s'installe en 1882 à Boston, devient second violon solo du Boston Symphony Orchestra, une des meilleures phalanges américaines, et s'impose rapidement parmi ses pairs. Il y restera vingt ans, commençant à composer et faisant de fréquents séjours en Europe. Souvent joué aux Etats-Unis, il gardera toujours le contact avec le vieux continent où on l'interprétera parfois.

Très lié avec certains musiciens français, il aidera même financièrement son grand ami auquel le lie une admiration réciproque, Gabriel Fauré, qui se retrouve avec peu de ressources après 1920 et son départ de la direction du Conservatoire de Paris. Fauré lui dédicacera sa Deuxième Sonate pour violoncelle et piano et lui offrira des manuscrits en remerciement.

En 1903, Loeffler décide de se consacrer à la composition, abandonne l'orchestre et s'installe dans le Massachusetts où il a une ferme et des chevaux, après avoir passé une année à Paris. Il sera de plus en plus sédentaire jusqu'à sa disparition en 1935.

À côté de l'écriture qui l'occupe principalement, il participe à la vie musicale américaine. Il est membre de la direction de l'Opéra de Boston et participe à la création de la Julliard School à New York en 1924.

Son oeuvre est impressionnante par son ampleur, sa variété, sa qualité. Cosmopolite par ses voyages, ses goûts, il reste marqué par la musique et la littérature françaises, dont il est un grand connaisseur, mais aussi par l'Allemagne, la Russie, la Hongrie, l'Irlande, l'Espagne ou encore la musique populaire américaine. Avec une personnalité forte, il s'exprime dans tous les genres : opéra, musique symphonique, musique de chambre, chœurs, mélodies et ensembles instrumentaux étonnants, faisant appel à des combinaisons inédites (avec, par exemple, un saxophone ou une viole d'amour, un harmonica, ou encore des cloches, etc.), et souvent avec des harmonies ou des sonorités novatrices.

Ultime preuve de son amour pour la France, il léguera ses biens au Conservatoire de Paris et à l'Académie Française.

Loeffler a écrit une quarantaine de mélodies, dont une moitié environ sur des textes français. Spécialiste de la poésie symboliste, il mettra en musique les «Palais Nomades» de Gustave Kahn. Ses favoris sont également Verlaine, Baudelaire, Mallarmé, Laforgue ou Maeterlinck. Loeffler est attiré, comme les poètes, par l'exotisme, l'inouï, l'enchantement, les humeurs d'ennui et de mélancolie. Il ne raconte pas des histoires mais évoque des ambiances et des images : «Harmonie du soir», la «Cloche fêlée». Sa musique est symboliste dans son intensité de couleurs, de nuances, d'expression émotionnelle et ses atmosphères. Au fond, c'est un mystique (il inscrit souvent le Dies Irae de façon obstinée dans ses partitions), un rêveur, un visionnaire.

Les neuf mélodies avec alto (formule peu courante, employée par Brahms) sur des textes de Verlaine et Baudelaire ont été écrites en 1893/94 et publiées en 1903. Certaines furent créées en 1897 à Boston (avec Loeffler à l'alto), d'autres en 1900. Les quatre sur des poèmes de G. Kahn furent probablement écrites dans la même décennie. Il impose dans toutes ces traductions musicales une adéquation exceptionnelle aux ambiances des textes, qui fait de chacune un havre de beauté, avec des atmosphères tour à tour charmeuses, voluptueuses ou dramatiques, dans un raffinement rarement atteint par ailleurs."


Jacques

Citation:

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Envoyé par Jacques

le seul [album] que je possède à ce jour avec des oeuvres de Loeffler

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J'en aurai quand même bientôt un deuxième, que j'ai commandé la nuit dernière :) :

http://img11.hostingpics.net/pics/837997Loeffler05.jpg

Sinon, en tout cas au vu des catalogues des principaux sites de vente par correspondance, la discographie de Loeffler ne semble pas briller par son abondance. Du moins pour le moment.

Jacques

voila une recommandation que j’approuve et appuie...
Je constate que vous êtes mieux renseigné que l'Encyclopédie Britannica et Wiki france, qui continuent à défendre la légende que Loeffler (Charles Martin ou Charles Tomov comme il se fit appeler quelquefois en hommage à son père) était natif de Mulhouse, mensonge formé par Loeffler lui-même pour échapper à l'anti-germanisme français lorsqu'il envisagea de faire carrière en France.
Comme le registre de la Hochschule de Berlin le stipule, Loeffler était né à Schöneberg, près de Berlin.

Une grande confusion règne dans le catalogue de ses oeuvres: tantôt on lui attribue la Danse bizarre pour violon composée par son père dix ans avant sa naissance, on voit répertorier sa première oeuvre officielle sous le titre Les vieilles de l'Ukraine (suite pour violon et orchestre Les Veillées d'Ukraine).

Au passage, il fréquenta la classe d'Ernest Guiraud au conservatoire, autre compositeur qui mériterait sans doute une redécouverte, puisqu'il composa les récitatifs et dialogues de Carmen et la 2ème suite de l'Arlésienne; l'idée étrange (et géniale) d'entrelacer la farandole en majeur et la marche des Rois en mineur dans le finale est de Guiraud et non pas de Bizet.

On dit que beaucoup d'oeuvres de Loeffler sont perdues, faute de s'être donné la peine de les chercher, ses manuscrits étant partagés entre la Library of Congress et la Bibliothèque nationale. J'ai été étonné dans la notice citée de le voir considéré comme compositeur d'opéra: et en fait la biographie de Musimen (qui semble la plus complète en ligne) le donne bien comme compositeur en 1912 de La Passion d'Hilarion, opéra en un acte d'après William Sharp (Fiona Mc Leod), mais aussi des Amants Jaloux en 1918 et de The Peony Lantern en 1919, sans qu'il soit possible de savoir si les deux derniers connurent une création.

L'académisme de Loeffler est contredit par les relations qu'il entretint avec Gershwin avec qui il correspondit abondamment avant de le rencontrer en 1928. De cette époque datent plusieurs compositions pour Jazz Band, dont Clowns: l'influence de l'école ukrainienne (peut-être par l'intermédiaire de Vladimir Dukelsky, le futur Vernon Duke, élève de Glière, qui trouva le pseudonyme Gershwin pour son ami Jacob Gershowitz) n'y est peut-être pas étrangère.

Edit: on parle de ses relations avec Fauré; à noter qu'elles allèrent plus loin que la simple dédicace, exemple rare et comparable à celui d'Albeniz finançant incognito la parution du Poème de Chausson, Loeffler permit à Fauré de survivre par des dons en argent lorsque celui-ci se retrouva sans salaire après avoir été démis de ses fonctions de directeur du Conservatoire.

' Je peux devant le monde entier qu'en dehors l'amour- propre je n'ai aucun fol orgueil;car c'est une loi pour tous de ne pouvoir rien atteindre sans travail ' Telemann de son vivant apprécié dans toute l'Europe,et à sa mort il tomba dans l'oubli:up: Telemann Oboe Concerto - YouTube

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Envoyé par Jonathan

Telemann de son vivant apprécié dans toute l'Europe,et à sa mort il tomba dans l'oubli

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Mais je crois que le vingtième siècle l'a bien réhabilité.
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Envoyé par InnocentParadis

Mais je crois que le vingtième siècle l'a bien réhabilité.
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Et même à partir de la moitié du 19È siècle ;)

j'aurais plutôt pensé qu'on ne l'avait redécouvert vraiment que dans le dernier quart du XXe, non? (et encore...)

Je me permets de revenir un instant sur Charles Martin Loeffler et de remercier chaleureusement Fred Audin pour tous les compléments d'information qu'il a fournis sur ce compositeur au post 190 (alors que je m'étais borné, sans faire de recherches particulières, à reproduire le texte trouvé dans la brochure d'un seul album).

Je lui en suis très reconnaissant, ces compléments étant pour moi d'un grand intérêt.

Jacques

Citation:

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Envoyé par lebewohl

j'aurais plutôt pensé qu'on ne l'avait redécouvert vraiment que dans le dernier quart du XXe, non? (et encore...)

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Oui, Telemann reste assez peu connu, ce qui est une honte.

À ceux qui l'auraient oublié, je rappelle respectueusement qu'un fil général de discussion est consacré à Telemann sur ce forum (il est vrai qu'il n'est plus très actif depuis un certain temps) :).

Il commence ici.

Comme j'y avais fait "étalage" (:bebe:) de bon nombre d'enregistrements tirés de ma collection, il m'était difficile de ne pas m'en souvenir ;).

Jacques

Déclaration de hugo wolf "Ce fut une victoire complète de la lumière sur l'obscurité.Avec une force primitive,une tempête d' applaudissements se déchainait après chaque mouvement.Bref,ce fut un triomphe plus beau qu'aucun général romain osa jamais en rêver "
La symphonie n°8 seconde version :) Bruckner: Symphony No. 8 / Thielemann · Berliner Philharmoniker - YouTube

L'excellent pianiste catalan Jordi Masó, qui vient d'achever chez Naxos une intégrale de l'oeuvre pour piano de Federico Mompou, poursuit celle qu'il consacre (même label) au piano de Joaquín Turina [1882-1949]. Son septième volume vient de sortir, je l'ai reçu récemment et c'est probablement l'un des meilleurs de la série à ce jour :).

Vu l'abondance de ce que Turina a composé pour le piano, Masó n'en est toutefois qu'à mi-parcours, apparemment...

Turina avait beaucoup de talent et d'inventivité, il a composé de fort belles choses et certaines de ses oeuvres sont souvent jouées (comme ses Tres Danzas fantásticas Op. 22 de 1919, dont la version pour orchestre, dirigée par Ataúlfo Argenta, peut être entendue sur la BM du forum). Mais je ne ne suis pas sûr qu'on puisse accorder à sa musique la même importance qu'à celles de ses compatriotes et amis Isaac Albéniz et Manuel de Falla. C'est pourquoi je l'évoque sur ce fil (encore que je l'aie déjà fait en d'autres endroits mais "incidemment"), sans ouvrir à son sujet une discussion générale.

Pour plus de détails, je me borne à signaler ce petit article Wikipédia, ainsi que le site officiel du compositeur (sauf la biographie, qu'on peut lire aussi en anglais, il n'est toutefois qu'en espagnol).

Sinon, je présente ci-dessous deux photos peu connues de Turina trouvées sur son site officiel, qui le montrent à Paris en 1910 et en Espagne quelques années plus tard, entouré, à gauche, de Miguel Salvador et, à droite, de Manuel de Falla (j'ignore en revanche qui est la dame assise) :

http://img4.hostingpics.net/pics/209295Turina100.jpg http://img4.hostingpics.net/pics/974596Turina101.jpg


Et j'y ajoute quelques vidéos musicales figurant sur YouTube, qui permettent d'entendre :


a/ la pianiste Alicia de Larrocha jouer successivement "Zapateado"(la troisième des Tres Danzas andaluzas Op. 8 de 1912) et "Sacromonte" (la cinquième des Danzas gitanas Op. 55, 1ère série, de 1932) :

Turina: Zapateado - A. de Larrocha - YouTube[/URL]

J.Turina: Sacromonte Op.55 Nº5 A. de Larrocha - YouTube[/URL]


b/ le Trio Intempore interpréter les trois mouvements du beau Trio pour piano, violon et violoncelle en ré majeur No 1 Op. 35 de 1926 (NB : on peut aussi l'entendre, par d'autres artistes, sur la BM du forum) :

Intempore Piano Trio - TURINA - Trio No.1 - 1 - YouTube[/URL]

Intempore Piano Trio - TURINA - Trio No.1 - 2 - YouTube[/URL]

Intempore Piano Trio - TURINA - Trio No.1 - 3 - YouTube[/URL]


Jacques

Je ne connais pas suffisamment l'oeuvre de Mario Castelnuovo-Tedesco [1895-1968] pour pouvoir en dire beaucoup à son sujet. Mais comme ce compositeur (à propos de ses Guitares bien tempérées Op. 119) a été évoqué tout récemment sur un autre fil (section "Claviers", où avait d'ailleurs aussi été ouvert, il y a longtemps, un fil concernant une intégrale de son oeuvre pour orgue), j'ai pensé qu'il méritait au moins une place ici (:)). Ne serait-ce que pour rappeler que sa production fut loin de se limiter à des oeuvres pour guitare, comme on le pense trop souvent.

Voici par exemple un récital, paru en 1992, de certaines de ses compositions pour piano (c'était alors un "world premiere recording"), ainsi que le premier des quatre volumes de l'intégrale qu'Aldo Ciccolini leur consacra quelques années plus tard :

http://img15.hostingpics.net/pics/49...telnuovo03.jpg http://img15.hostingpics.net/pics/17...telnuovo04.jpg

http://img15.hostingpics.net/pics/75...telnuovo05.jpg http://img15.hostingpics.net/pics/20...telnuovo06.jpg

Or, rédigée par Michel Fleury, la brochure jointe à l'album Etcetera présente le compositeur en ces termes :

"À l'orée du [XXème] siècle, c'est aux compositeurs de la génération 1880 qu'il devait être donné de rendre à la musique italienne instrumentale et symphonique ses lettres de noblesse, après plus d'un siècle de règne sans partage de l'opéra. Ottorino Respighi (1879-1936), Ildebrando Pizzetti (1880-1968), Gian-Francesco Malipiero (1882-1972) et Alfredo Casella (1883-1947) sont les principaux représentants de ce «Renouveau musical italien». Bien qu'il appartienne à une génération plus tardive, Mario Castelnuovo-Tedesco doit être rattaché à ce groupe de musiciens. D'une étonnante précocité, il atteignit sa maturité artistique avant 1920, une époque où ses aînés donnaient à l'Ecole italienne certains de ses sommets les plus significatifs: Pins de Rome (Respighi) ou Pause del Silenzio (Malipiero). Une esthétique romantico-impressionniste et imprégnée de tradition populaire justifie également de le rattacher aux musiciens de la «generazione del 80». Sa position dans la musique italienne est à certains égards similaire à celle d'Erich Wolfgang Korngold, en Autriche. Né en 1895 à Florence, et faisant preuve de dons précoces, Castelnuovo-Tedesco fut élève de Pizzetti. Il attira l'attention dès avant 1914 par ses premières pièces de piano, comme Questo fu il carro della morte (1913), ou Lucertolina (1916), souvent joué en concert par Casella. Encouragé par ce dernier, il connut une certaine vogue dans les années vingt. D'origine juive, il se réfugia aux USA en 1939, et s'installa à Beverley Hills. Comme Korngold, il a beaucoup composé pour Hollywood. Il n'avait pas pour autant oublié les cyprès de sa terre natale : il retourna souvent en Toscane, jusqu'à sa mort, survenue en 1968. Castelnuovo-Tedesco a laissé une oeuvre immense, mais d'inégale valeur. Ses meilleures oeuvres, principalement des pièces de piano ou des mélodies, ont été écrites entre 1915 et 1925. A partir de 1932 il a beaucoup écrit pour la guitare. Curieusement, ces oeuvres, souvent dédiées à Andrès Segovia, sont davantage restées au répertoire que les autres. Pour le grand public, Castelnuovo-Tedesco est devenu un compositeur pour la guitare, alors que les pièces pour cet instrument ne représentent qu'une faible part de son oeuvre. Les pages retenues pour cet enregistrement représentent bien les deux pôles de la muse du compositeur: l'inspiration italienne (Cipressi, Questo...), et les sources hébraïques liées à son ascendance qui en font, au même titre qu'Ernest Bloch, l'un des plus grands musiciens juifs du XXème siècle. (...)"

S'agissant en tout cas de la musique pour piano de Castelnuovo-Tedesco, j'ai été frappé de constater en la découvrant qu'elle était, dans l'ensemble, au moins aussi remarquable et novatrice (même si les influences de Ravel et d'un autre compositeur français dont on célébrera cette année le 150ème anniversaire de la naissance [;)] y sont parfois manifestes) que celle, mieux connue, de son collègue Malipiero. Je pense en particulier au cycle Le Danze del re David, que Fleury présente ainsi :

" (...) Le Danze del re David se rattachent à cette inspiration judaïsante. Cette oeuvre, longuement développée, est sous-titrée : «rhapsodie hébraïque sur des thèmes traditionnels». Datée de 1925, elle est dédiée à la mémoire du grand-père maternel du compositeur. Sept pièces d'un caractère contrasté, utilisant chacune un motif liturgique juif, sont reliées par un épisode en notes répétées, agrémentées d'arpèges parallèles en fusées, et aboutissant à une coda théâtrale. Pour l'épisode en notes répétées, l'auteur a indiqué : «à la manière d'un shofar». Le shofar est un instrument traditionnel et rudimentaire de la liturgie juive, taillé dans une corne de bélier. Le retour de cette séquence, ainsi que les échelles modales (annonçant le mode II de Messiaen), assurent l'unité de ce cycle dont le déroulement imprévu et fantasque abonde en surprises. (...)"

Jacques