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Discussion: Mardi en Musique – La Revanche du Vinyle

  1. #101
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    Lightbulb Notre choix pour juin 2020 - Deutsche Grammophon Resonance – 2535 171

    La revanche du vinyle pour semaine – le dernier partage dans cette série avant septembre – propose un vieil enregistrement par Lorin Maazel de deux symphonies de Mendelssohn.

    La carrière de Maazel en tant que chef d’orchestre le proposent comme un enfant-prodige ; à l’âge de 13 ans, Lorin Maazel est monté sur le podium lors d’un concert bénéfice au Public Hall de Cleveland le 14 mars 1943, y dirigeant une sélection de pièces qui comprenait l’ouverture de l’opéra Rienzi de Wagner et la symphonie « Inachevée » de Schubert. Plus tôt dans sa jeune carrière, Maazel avait déjà dirigé le NBC Symphony, le New York Philharmonic, le Los Angeles Philharmonic et l’Orchestre symphonique de Pittsburgh.

    À l’âge de 30 ans, Maazel devient le premier Américain à diriger à Bayreuth. Il sera le premier chef de la Deutsche Oper Berlin de 1965 à 1971 et du RSO Berlin (anciennement connu sous le nom d’Orchestre symphonique RIAS de Berlin) de 1964 à 1975, succédant à son chef fondateur, Ferenc Fricsay.

    L’enregistrement d’aujourd’hui date de cette même période du début des années 1960, cette fois à la tête de l’Orchestre philharmonique de Berlin dans les symphonies italiennes et de la Réformation de Mendelssohn. Cet enregistrement faisait partie d’une compilation rééditée en 2004 « Complete Early Berlin Philharmonic Recordings 1957 - 1962 », bien que je l’ai acquis à l’origine comme une réédition de vinyle à la fin des années 1970 sur la série DG Resonance.

    Il s’agit d’un enregistrement typique Maazel - un enregistrement digne, mais pas mon préféré. Toutes les notes sont là, mais ça reste assez froid, et exempt de la belle reprose du premier mouvement de l’Italienne.

    A vous de me dire ce que vous-en pensez!


    Felix MENDELSSOHN-BARTHOLDY (1809-1847)

    Symphonie No. 4 en la majeur, Op. 90 "Italiaenne"
    Symphonie No. 5 en ré majeur, Op. 107 "Réformation"

    Berliner Philharmoniker
    Lorin Maazel, direction

    Deutsche Grammophon Resonance – 2535 171
    Format: Vinyle, LP, Stereo
    Dates d’enregistrement: avril 1960 (op. 90) et janvier 1961 (op. 107)

    Discogs - https://www.discogs.com/Mendelssohn-...elease/5050747

    YouTube - https://www.youtube.com/playlist?lis...XYicmaYKPKzxcP

  2. #102
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    Lightbulb Notre suggestion pour novembre 2020 – Deutsche Grammophon ‎– 415 128-1

    Puisque beaucoup de nos récents partages en vinyle furent proposés dans le cadre d'un autre fil (#Beethoven2020), nous avons un peu négligé ce fil-ci. Donc, un retour aux sources si on veut...

    Habituellement, novenbre est l'occasion pur moi de souligner des artistes disparus, et cette année maruqe trente ans (déjà!) que Bernstein nous a quittés. Le disque proposé ici fait partie de sa série d'albums pour DG, la plupart croqués sur le vif. Ici, il se tourne à la musique "symphonique" de Stravinski dirigeant un orchestre avec lequel il a longyemps collaboré, le Philharmonique d'Israel.

    Les deux symphonies sur cet album datent toutes deux de la période de la Seconde Guerre Mondiale; commencée en France avant l'exil du compositeur en Amérique, sa Symphonie "en ut" est un peu l'équivalent de la symphonie Classique de Prokofiev, étant une tentative d'hommage à l'esthétique classique de Haydn, mais clairement à la sauce moderne.

    L'autre symphonie, "en trois mouvements", peut également être considérée en contexte avec une autre de Prokofiev - sa cinquième - les deux étant des ouvres "de guerre". En fait, Stravinski a trouvé inspiration dans des courts métrages de faits divers (qu'on présentait dans les cinémas avant la télé) et leurs reportanges sur les défilés en Allemagne et au Japon.

    Bernstein propose ces symphonies sans détour, et avec son brio habituel.

    Bonne écoute!



    Igor STRAVINSKI (1880 - 1971)

    Symphonie en ut (1940)
    Symphony en trois mouvements (1945)

    Israel Philharmonic Orchestra
    Leonard Bernstein, dorection
    (Enregistrements publics)

    Deutsche Grammophon ‎– 415 128-1
    Format: Vinyl,e LP, Stereo (ADD)
    Date d'émission: 1985

    Discogs - https://www.discogs.com/Igor-Stravin...elease/4406135

    YouTube - https://www.youtube.com/playlist?lis...gquTDhzuETFzEq

  3. #103
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    Lightbulb Notre suggestion pour décembre 2020 – CBS Masterworks ‎– M 36685

    La revanche du vinyle pour décembre propose un disque que j’ai acquis lorsque j’étais membre du club de disques Columbia. Il s’agit d’une interprétation du troisième concerto pour piano de Rachmaninov avec Andrei Gavrilov en tant que soliste. Le disque a été initialement publié en Union Soviétique sous son label national Melodiya, mais réédité sous l étiquette CBS Masterworks.

    Melodiya a été créée en 1964 par le Ministère de la Culture de l'URSS et, en 1973, publie quelque 1 200 disques avec un tirage total de 190 à 200 millions par an, en plus de 1 million de cassettes, exportait sa production dans plus de 70 pays.

    La production du label était dominée par la musique classique, la musique de compositeurs et de musiciens soviétiques, les performances d'acteurs de théâtre soviétiques et les contes de fées pour enfants. Par exemple, Melodiya a notamment diffusé des performances d'œuvres de Tchaïkovski et Chostakovitch.

    Dans les années 1970 et 1980, des enregistrements Melodiya de musique classique et folklorique sont apparus sur les labels Melodiya / Angel (USA) et Melodiya / HMV à la suite d'un contrat d'exclusivité avec EMI, propriétaire des deux labels. Un plus petit nombre d'enregistrements a été distribué sur d'autres labels, en particulier après 1989, avant que Melodiya n'accorde les droits exclusifs à BMG en 1994. Après l'expiration du contrat BMG en 2003, la société réapparait sous une nouvelle direction et en 2006 a commencé à rééditer des enregistrements à travers son propre label.

    Andrei Gavrilov est né dans une famille d'artistes à Moscou; sa mère était la pianiste arménienne Assanetta Eguiserian (20 décembre 1925 - 29 novembre 2006), qui avait étudié avec Heinrich Neuhaus et donné à Gavrilov ses premières leçons de piano à l'âge de 2 ans. À l'âge de 18 ans, après un semestre au conservatoire, il a remporté le Concours international Tchaïkovski de 1974 et a acquis une renommée internationale lorsque, au Festival de Salzbourg la même année, il a remplacé Sviatoslav Richter. Jusqu'en 1979, Gavrilov se produit dans tous les grands centres musicaux du monde en effectuant jusqu'à 90 concerts par an, tout en poursuivant ses études à l'université.

    Il y a des éléments intrigants à propos de cet enregistrement de 1976. Réédité par EMI, Eurodisc et distribué ailleurs par Meodiya, le nom de l’orchestre passe de l’Orchestre philharmonique de Moscou, à l’Orchestre symphonique universitaire d’État de l’URSS, puis à l’Orchestre symphonique de l’URSS… Ce concerto est disponible sous les doigts de plusieurs solistes, toutefois Gavrilov se montre solide et le résultat reste agréable.

    En 1979, au sommet de la carrière de Gavrilov, Herbert von Karajan, qui l'avait entendu dans le premier concerto de Tchaïkovski à Berlin, proposa des enregistrements de tous les concertos de Rachmaninov, malgré le fait que Karajan ne les dirigea que rarement. En décembre 1979, des enregistrements sont programmés à Berlin avec l'Orchestre philharmonique pour le 2e concerto, mais Gavrilov ne se présente pas aux répétitions. On apprendra qu'en raison de ses remarques critiques sur le régime soviétique, l'URSS avait saisi son passeport.

    Quel aurait été le résultat de cet exercice?


    Sergey RACHMANINOV (1873-1943)
    Concerto No. 3 en ré mineur pour piano et orchestre, Op. 30
    Lieu d'enregistrement – Grand Hall du Conservatoire de Moscou, avril 1976

    Andrei Gavrilov, Piano
    Ochestre Académique d'état d'URSS
    Alexander Lazarev, direction

    Label: CBS Masterworks ‎– M 36685
    Format: Vinyl, LP, Album
    Emission: 1981
    (Edition originale Melodiya, 1976)

    Discogs - https://www.discogs.com/Rachmaninoff...elease/3213621

    YouTube- https://www.youtube.com/playlist?lis...nS09LbCsCTfpIS

  4. #104
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    Lightbulb Notre suggestion pour janvier 2021 – Angel Records ‎– S-37168

    Nous redémarrons nos partages bimensuels avec la revancje du vinyle et un vieil enregistrement EMI tout-Mendelssohn mettant en vedette Riccardo Muti et le Philharmonia

    De la fin des années 50 au début des années 70, le chef d'orchestre de l'Orchestre Philharmonia était Otto Klemperer, avec qui l'orchestre a donné de nombreux concerts et réalisé de nombreux enregistrements du répertoire orchestral de base. En 1972, Klemperer a annoncé sa retraite de la direction de l'orcheatre (brièvement connu sous le nom de New Philharmonia). L'orchestre a reconnu qu'un chef d'orchestre solide était nécessaire pour rétablir ses normes et ses finances, mais il n'y avait pas de candidat immédiatement évident. Le cadre de l'EMI, Walter Legge, n'avait plus aucun intérêt dans l'orchestre, bien qu'il en surveillât les progrès avec bienveillance, et ayant repéré le potentiel de Riccardo Muti, il le recommanda au directeur général, Terence McDonald. D'autres candidats potentiels ont été considérés, mais Muti a été nommé chef de l'orchestre à partir de 1973.

    Muti, bien qu'il ait rejeté une telle description, était un disciplinaire ferme, et sous sa direction l'orchestre a rétabli ses normes. Les critiques de l'époque ont commenté la "superbe performance" de l'orchestre, son "immense virtuosité", son jeu de cordes "étonnamment délicat" et son "phrasé à vent encore plus magique que leurs collègues berlinois".

    Avec Muti, l'orchestre a enregistré l'opéra (Aida, 1974; Un ballo in maschera, 1975; Nabucco, 1977; I puritani, 1979; Cavalleria rustiqueana, 1979; La traviata, 1980; Orfeo ed Euridice, 1981; et Don Pasquale, 1982); un large éventail du répertoire symphonique, y compris les cycles Schumann et Tchaïkovski; des concertos avec des solistes dont Sviatoslav Richter, Andrei Gavrilov, Anne-Sophie Mutter et Gidon Kremer; et la musique chorale de Cherubini et Vivaldi.

    Pendant le mandat de Muti, l'orchestre a retrouvé son titre d'origine, après de longues et complexes négociations. À partir de septembre 1977, le "Nouveau" a été abandonné, et l'orchestre est depuis lors le Philharmonia.

    L'une de nos premièrs partages dans cette série fut tiré du cycle Muti / Philharmonia Tchaikovsky, et la part d'aujourd'hui fait partie d'un ensemble partiel de Mendelssohn (réédité et présenté comme un ensemble de deux disques - voir l'hyperlien notre YouTube ci-dessous). Le microsillon spécifique de ma collection comprend la symhonie no. 3 (Ecossaise) et l'ouverture Mer calme et voyage prospère..

    Bonne écoute


    Felix MENDELSSOHN-BARTHOLDY (1809-1847)
    Symphonie No. 3 en la mineur, Op.56 "Ecossaise"
    Ouverture, "Meeresstille und glückliche Fahrt" Op. 27
    New Philharmonia Orchestra
    Riccardo Muti, direction

    Label: Angel Records ‎– S-37168
    Format: Vinyl, LP, Album, Quadraphonic
    Emis: 1976

    Détails - https://www.discogs.com/Riccardo-Mut...elease/5264986

    YouTube - https://www.youtube.com/playlist?lis...nPf7uJFHLpb22o

  5. #105
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    Lightbulb Notre suggestion pourmai 2021 – Amgel RL-32064

    Pour conclure notre regard en trois parties sur les symphonies de Schumann, j'ai choisi ma préférée, la Rhénane. Il a été composé en 1850, la même année où il a terminé son Concerto pour violoncelle (qui a été publié quatre ans plus tard).

    Schumann a été inspiré pour écrire la symphonie après un voyage en Rhénanie avec sa femme Clara. Ce voyage a été un voyage heureux et paisible; il a incorporé des éléments du voyage et dépeint d'autres expériences de sa vie dans la musique.

    Il y a deux forces à l'œuvre dans la Symphonie: un conservatisme formel essentiel et une inventivité rythmique et mélodique exubérante. Ces deux forces se combinent pour donner au mouvement d'ouverture un énorme fanfaron et un swing. Les trois mouvements centraux fonctionnent comme des intermèdes, capturant différentes ambiances et suggérant différentes scènes, tout en remplissant simultanément les exigences de la symphonie pour un scherzo et un mouvement lent.

    Avec le final, l'animation du premier mouvement revient. Ici, Schumann met l'accent sur le rythme et la clarté de l'articulation (une grande partie de la musique est marquée pour être jouée staccato), donnant à la musique une légèreté propulsive qui conduit la Symphonie à sa fin exaltante et noble.

    Cette performance d'époqie signée Klemperer avec son «nouvel orchestre» Philharmonia est couronnée par l'ouverture que Schumann a écrite pour ce que nous devrions considérer comme un «oratorio de Faust;». La musique de Schumann suggère la lutte entre le bien et le mal au cœur de l'œuvre de Goethe, ainsi que la recherche tumultueuse de Faust pour l'illumination et la paix.



    Bonne écoute!


    Robert SCHUMANN (1810-1856)
    Symphonie No. 3 en mi bémol majeur, Op. 97 ("Rhénane")
    Ouverture pour "Scènes de Faust", A3, no. 0


    New Philharmonia Orchestra
    Otto Klemperer, direction

    Angel Records – RL-32064

    DISCOGS - https://www.discogs.com/Schumann-New...lease/13714543

    YouTube - https://youtube.com/playlist?list=PL...QN1SfbEmuuk8nw

  6. #106
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    Lightbulb Notre suggestion pour octobre 2021 - VoxBox – QSVBX 5132

    Notre revanche du vinyle ce mois-ci est cette collection VOX BOX publiée en 1974 qui présente toutes les œuvres de concert majeures pour orchestre et piano et orchestre de George Gershwin.

    Le titre du coffret de 3 microsillons est un peu exagéré, car ce ne sont pas « toutes » les œuvres pour orchestre et piano et orchestre attribuées à M. Gershwin. Absents dans cet ensemble sont les ouvertures de ses nombreuses comédie musicales, les arrangements orchestraux du recueil de chansons Gershwin et une version de Rialto Ripples pour piano et orchestre. Tous ces éléments risquent de faire partie de partages plus tard.

    Deux œuvres de cet ensemble sont plus rarement enregistrées. La berceuse est une œuvre d'étudiant initialement conçue pour quatuor à cordes, et dont le thème principal est réutilisé dans l’opéra en un acte de 1922 Blue Monday. J'ai entendu cette œuvre en concert en 1987-88 et elle faisait partie de l'anthologie « Gershwin Centennial » d'Erich Kunzel. Il en va de même pour Catfish Row, la seule suite « officielle » assemblée et publiée par Gershwin lui-même de musique de son grand opéra Porgy and Bess. La suite la plus enregistrée est le « portrait symphonique » arrangé par son orchestrateur de longue date, Robert Russell Bennett.

    Au moment de cet enregistrement, Leonard Slatkin était l'assistant de Walter Susskind à Saint-Louis. Il reviendra à l'orchestre quelques années plus tard en tant que directeur musical (1979-1996). Slatkin dans une récente interview a expliqué que Susskind lui avait demandé de prendre en charge le projet car il était mieux adapté au répertoire américain.

    Issu d'une famille de musiciens, le pianiste de renommée internationale Jeffrey Siegel a étudié avec Rudolf Ganz dans son Chicago natal, avec la légendaire Rosina Lhévinne à la Juilliard School et, en tant que Fulbright Scholar, avec Ilona Kabos à Londres. Siegel a été soliste avec les plus grands orchestres du monde. Communicateur passionné autant qu'interprète, il anime Keyboard Conversations, un concert-commentaire itinérant, dans les grandes villes américaines.

    Bonne écute!



    George GERSHWIN (1898-1937)
    Concerto in F (1925) *
    Trompette – Susan Slaughter

    Lullaby (1919) [Version pour orchestre à cordes]
    Violoncelle – Yuan Tung
    Violon – John Korman

    Cuban Overture (1932)
    Catfish Row: Suite symphonique d’extraits de Porgy and Bess (1935-36)
    Piano – Barbara Lieberman
    Banjo – David Mortland


    An American in Paris (1928)
    Clarinette – George Silfies


    Shall We Dance (1937 film) - Promenade (‘Walking the Dog’)
    Clarinette – George Silfies

    Rhapsody in Blue, (1924) *
    Second Rhapsody (1931) *
    Variations sur "I Got Rhythm" (1934) *

    * Piano – Jeffrey Siegel
    Saint Louis Symphony Orchestra
    Leonard Slatkin, direction


    VoxBox – QSVBX 5132
    Format: 3 x Vinyl LP, Stereo, Quadraphonique
    Année – 1974

    Discogs - https://www.discogs.com/release/6913...or-Orchestra-F

    YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...hKyRCOEY3Q6KpU

  7. #107
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    Lightbulb Notre suggestion pour décembre 2021: Angel Records – DS-538096

    Avec quelques jours de retard (loin de mon clavuer et en vacances) voici mon partage pour la première quinzaine de décembre : un des nombreux couplages disponibles des suites les plus populaires de Georges Bizet à partir de ses œuvres scéniques, notamment ses deux suites de la musique de scène qu'il a écrite pour la pièce L'Arlésienne d'Alphonse Daudet et des sélections musicales de son dernier opéra, Carmen.

    La musique de scène que Bizet a composée pour L'Arlésienne se compose de 27 numéros (certains quelques mesures seulement) pour voix, chœur et petit orchestre, allant de courts solos à de plus longs entractes. Bizet lui-même joua de l'harmonium dans les coulisses de la première, qui eut lieu le 1er octobre 1872 au Théâtre du Vaudeville à Paris.

    La pièce elle-même n'a pas eu de succès, se clôturant après seulement 21 représentations. Cependant, la musique de scène a survécu et s'est épanouie. On l'entend le plus souvent sous forme de deux suites pour orchestre. Assemblée par Bizet lui-même, la première suite utilise un orchestre symphonique complet mais sans le chœur. La première exécution eut lieu lors d'un concert de Pasdeloup le 10 novembre 1872. La deuxième suite, également écrite pour grand orchestre, fut arrangée et publiée en 1879, quatre ans après la mort de Bizet, par Ernest Guiraud, sur des thèmes originaux de Bizet.

    Ernest Guiraud, né à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, est également responsable de la musique restante sur cet enregistrement d'Ozawa ; Guiraud a arrangé douze numéros de l'opéra Carmen de Bizet en deux Suites orchestrales. Guiraud est peut-être le plus célèbre pour avoir construit les récitatifs - à la fois aimés et critiqués - qui ont remplacé le dialogue parlé dans les représentations de Carmen pendant plus d'un siècle.

    Les notes originales de la pochette suggèrent que les numéros de la suite Carmen ont été assemblés par M. Ozawa lui-même.

    Bonne écoute !



    Georges BIZET (1838-1875)
    L' Arlésienne Suite No.1 (extraite de la musique de scène), op. 23bis
    L' Arlésienne Suite No.2 (assemblée par Ernest Guirard, 1879), GB 121b
    Carmen, Suites pour orchestre No.1 and 2 (assemblées par Ernest Guirard, 1885-86) Sélections
    • Les Toréadors - Acte I, Prélude (mesures 1-119)
    • Prélude - Acte I, Prélude (mesures 121–48)
    • Aragonaise - Entr'acte avant l’Acte IV
    • Intermezzo - Entr'acte avant l’Acte III
    • Habanera - Acte I, Aria (Carmen): L'amour est un oiseau rebelle
    • Danse Bohème - Acte II, Danse gitane: Les tringles des sistres tintaient

    Orchestre National de France
    Seiji Ozawa, direction
    Label: Angel Records – DS-538096
    Format: Microsillon
    Enregistrement: 25 & 26 juin 1983, Salle Wagram, Paris

    Discogs - https://www.discogs.com/release/3989...Suites-Nos-1-2

    YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...kMzVsargDxEUsc

  8. #108
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    Lightbulb Notre suggestion pour janvier 2022 RCA Red Seal – ARL1-4901

    Notre première revanche du vinyle pour 2022 est le premier de deux billets mettant en relief les symphonies de Jean Sibelius.

    Il est juste de dire qu'Eugène Ormandy a eu la chance d'interpréter la musique de quelques grands compositeurs qu'il a lui-même eu le plaisir de rencontrer : Bela Bartok, Sergey Rachmaninov et Jean Sibelius figurent particulièrement dans son répertoire.

    Quelques remarques du chef à propos de Sibelius :

    En rencontrant Sibelius pour la première fois, j'ai eu l'impression d'être en présence de quelqu'un presque surhumain. Il y avait là un être que j'avais admiré toute ma vie - et soudain j'étais en sa présence. C'était un homme imposant, une personnalité imposante, avec une tête magnifique et un visage puissant. Sa belle maison était pleine de disques, dont beaucoup que nous lui avions envoyés d'Amérique au fil des ans.

    La Première Symphonie de Sibelius a été la « première » pour moi dans un autre sens — c'était la première des symphonies du maître que j'aie jamais dirigée. C'était en 1932, avec le Minneapolis Symphony Orchestra — et nous l'avons enregistré pour RCA Victor cette année-là. Je pense que c'était peut-être la première symphonie de Sibelius à être enregistrée en dehors de la Scandinavie. Bien sûr, le grand chef d'orchestre finlandais, l'ami de Sibelius, Kajanus, avait ouvert la voie à Sibelius des années auparavant, tout comme Koussevitzky, Stokowski et Beecham. J'ai joué la Première Symphonie de nombreuses fois au cours des ans, et elle ne perd jamais sa fascination pour moi. Les enregistrements ont beaucoup changé depuis 1932, les interprétations de ses œuvres aussi, et il a toujours eu de l'admiration pour le travail de mes collègues Stokowski et Koussevitzky. Je risquerai l'impudeur d'ajouter qu'il louait aussi mes lectures. Son enthousiasme est une source de grande fierté pour moi.
    Le lien YouTube ci-dessous est une compilation de symphonies Sibelius enregistrées par Ormandy pour RCA, incluant la première symphonie que je possède dans ma collection de vinyles et que je partage sur le lien d’archive.

    Bonne écoute !


    Jean SIBELIUS (1865-1957)
    Symphonie n°1 en mi mineur, Op.39
    Valse Triste, de Kuolema, op. 44
    Le Cygne de Tuonela, Op. 22 no. 2

    Philadelphia Orchestra
    Eugène Ormandy, direction

    RCA Red Seal – ARL1-4901
    Format : Vinyle, LP (1984)

    Discogs - https://www.discogs.com/release/5222...wan-Of-Tuonela

    YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...ieV1KBl6xT46K8

    Internet Archive - https://archive.org/details/symphony...nor-op.-39-iv.

  9. #109
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    Lightbulb Notre suggestion pour février 2022 - Decca Jubilee KJC 79

    Ce mois-ci, le vinyle càde sa place à l’oxide de chrome, déterrant une vieille cassette que j'ai acquise au début des années 1980 avec la musique d'Ottorino Respighi inspirée de la musique composée par son compatriote, Gioacchino Rossini.

    Respighi écrit le ballet La Boutique fantasque pour Léonide Massine et les Ballets russes de Diaghilev en 1919, en le basant sur de courtes pièces pour piano du recueil de Rossini Péchés de vieillesse.

    Massine a décrit comment, à Rome pour une saison de ballet, Respighi a apporté la partition des Péchés de vieillesse de Rossini à Diaghilev. Toulouse-Lautrec a eu une influence sur le décor et le style d'époque de La Boutique fantasque , et Massine a envisagé le personnage principal "tout à fait à la Lautrec".

    L'histoire du ballet présente des similitudes avec Die Puppenfee ("La poupée féérique") de Josef Bayer, un ancien ballet allemand qui avait été interprété par Jose Mendez à Moscou en 1897 et par Serge et Nicholas Legat à Saint-Pétersbourg en 1903. D'autres notent les similitudes avec L'intrépide soldat de plomb de Hans Christian Andersen. Le scénario de Massine est centré sur l'histoire d'amour entre deux poupées danseuses de cancan dans un magasin de jouets, incorporant des éléments de comédie, de danse folklorique nationale et de mime, ainsi que de la chorégraphie classique.

    En 1925, Respighi revient à la musique de Rossini, mais pas comme un ballet, simplement comme une musique de concert. Il a de nouveau utilisé Péchés de vieillesse, en particulier Quelques riens du Volume XII, et leur a appliqué ce qu'il a appelé une trascrizione libera (transcription libre).

    La partition en quatre mouvements est brillante, mais aussi sombre et évocatrice. Bien qu'elle n'ait pas été écrite pour le ballet, Rossiniana a été chorégraphiée pour la scène.

    Antal Dorati a enregistré de nombreuses oeuvres orchestrales de Respighi pour Mercury avec les orchestres symphoniques de Minneapolis et de Londres dans les années 1950, et son enregistrement des Airs et danses anciennes avec la Philharmonia Hungarica (encore une fois pour Mercury, présenté dans un billet d’il y a quelques années) est un enregistrement de référence. . Ce couplage des deux partitions inspirées de Rossini intervient bien plus tard, au milieu des années 1970 pour Decca, avec le Royal Philharmonic. Je note que la partition de la Boutique est qualifiée de "suite de ballet", ce qui signifie que certaines sections du ballet complet sont omises dans cette performance - elle reste toujours nette et agréable.

    Bonne écoute !



    Ottorino RESPIGHI (1879-1936)
    La boutique fantasque (ballet après Rossini), P.120 – suite
    Rossiniana, P.148 (après Rossini)
    Royal Philharmonic Orchestra
    Antal Dorati, direction

    Decca Jubilee Series – KJBC 79

    Discogs - https://www.discogs.com/release/1068...ite-Rossiniana

    YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...l3TJb2MXWQBuqE

  10. #110
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    Lightbulb Notre Suggestion: Longanesi Periodici – GCL 35

    Avec quelques jours de retard, ma suggestion pour la revanche du vinyle (pour avril) est un enregistrement public par Maazel d’une œuvre allemande du 20e siècle, le Chant de la Terre de Mahler, mais avec un orchestre inusité, celui du Teatro La Fenice à Vennice, en Italie.

    L'histoire de l’orchestre de La Fenice est liée à celle du théâtre, qui a tenu une place si importante dans l'opéra au XIXe siècle, avec des créations telles que Semiramide, I Capuleti e i Montecchi, Rigoletto et La traviata. La seconde moitié du siècle a apporté une internationalisation du répertoire, élargie également par des concerts symphoniques et la collaboration avec des solistes de premier plan (parmi lesquels Enrico Mainardi, Mstislav Rostropovich, Edwin Fischer, Aldo Ferraresi, Arthur Rubinstein).

    En 1938, La Fenice devient une entité autonome et l'orchestre se développe davantage avec une participation active au Festival de Musique Contemporaine de la Biennale. Dans les années 1940 et 1950, sous la direction de Toscanini, Scherchen, Bernstein et Celibidache (avec un cycle complet de symphonies de Beethoven), Konwitschny (avec le cycle Ring de Wagner) et Stravinsky, l'orchestre a présenté une série de concerts historiques. En concert, l'orchestre a entrepris des cycles, dont ceux consacrés à Berg et à Mahler, sous la direction de chefs tels que Sinopoli, Kakhidze, Masur, Barshai, Tate, Ahronovitch, Kitajenko, Inbal et Temirkanov.

    Je me souviens d'un documentaire que j'ai vu il y a une quarantaine d’années, mettant en vedette Michael Tilson Thomas, expliquant comment il avait du mal à diriger Mahler avec des orchestres italiens, car leur rythme naturel est lyrique (Uno, Due, Tre) par rapport au rythme allemand qui est plus strident (Eins, Zwei, Drei).

    Mais une chose que les orchestres de théâtre italiens font bien, c'est l'opéra et la chanson, et même si l'œuvre de Mahler est un hybride entre une symphonie et un cycle de chansons, elle est très enracinée dans ce dernier, et sous la direction sévère habituelle de Maazel (oui, même à ce début étape de sa carrière), les résultats sont assez surprenants.

    Bonne écoute



    Gustav MAHLER (1860-1911)
    Das Lied von der Erde (Le chant de la Terre) (1908-09)

    Contralto– Kristhine Meyer
    Ténor– Richard Lewis
    Orchestra Del Teatro La Fenice
    Lorin Maazel, direction
    Enregistrement public, Venezia 11.9.1960

    Label: Longanesi Periodici – GCL 35

    Discogs - https://www.discogs.com/release/4239...d-Von-Der-Erde


  11. #111
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    du mal à diriger Mahler avec des orchestres italiens, car leur rythme naturel est lyrique (Uno, Due, Tre) par rapport au rythme allemand qui est plus strident (Eins, Zwei, Drei).
    ´Uno due tre´ est un ‘rythme lyrique’, ‘eins zwei drei’ un ‘rythme strident’. J’avoue avoir peine à comprendre, et découvrir pour la première fois depuis quelques décennies que je m’intéresse un peu à la musique, que compter de un à trois peut être ‘lyrique’, ou ‘strident’, voire dramatique ou autre chose, selon la langue dans laquelle on compte. Comment un rythme peut-il être ‘lyrique’ ou ‘strident’ ?
    ´Un deux trois’, c’est quoi ? ´One two three’, c’est quoi ? ´Raz dva tri’, ´eeen twee drie’, ´uno dos tres ´, etc.?

    Mais une chose que les orchestres de théâtre italiens font bien, c'est l'opéra et la chanson, et même si l'œuvre de Mahler est un hybride entre une symphonie et un cycle de chansons
    Je vais de découverte en découverte, Mahler a donné dans la ‘chanson’ ?

    Kristhine Meyer
    ´Kristhine’ Meyer semble assez ´inconnue au bataillon’ - se pourrait-il qu’il s’agisse de Kerstin Meyer, bien connue, elle, des lyricophiles ?

    Cela dit, tous ces mystères et approximations ne font pas que ce rare Chant de la Terre ‘maazelien’ ne soit tout à fait intéressant.
    Dernière modification par The Fierce Rabbit ; 07/05/2022 à 16h38.

  12. #112
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    Citation Envoyé par The Fierce Rabbit Voir le message
    (...) Je vais de découverte en découverte, Mahler a donné dans la ‘chanson’ ?
    Bah oui ... sans être nullement germanophone, j'ai consulté plusieurs sites de traduction en ligne et le mot « lied » y est toujours traduit par « chanson » ; donc oui, Mahler a bel et bien écrit des chansons ... tout comme de nombreux autres

    Pierre est si je ne me trompe québécois et l'on connaît bien l'habitude des Québécois de « traduire » en français toutes les appellations - en particulier artistiques - en français. C'est une prise de position énergique et honorable, même si à mon sens elle est excessive, souvent inappropriée et surtout, souvent ridicule :
    https://www.topito.com/top-des-titre...s-mal-traduits
    Mais ce n'est que mon avis.
    L'intention initiale me semble être la protection du français au profit de l'anglais qui dévore tout ... rien que cela me rend cette entreprise sympathique, malgré certains choix discutables à mon sens ...

    Les Québécois sont des francophones au même titre que les autres, libre à eux de décider comment ils souhaitent faire évoluer la variante du français qu'ils utilisent

  13. #113
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    plusieurs sites de traduction en ligne et le mot « lied » y est toujours traduit par « chanson » ; donc oui, Mahler a bel et bien écrit des chansons ... tout comme de nombreux autres
    Bien, OK.
    L’à mon goût sublime ‘Ich bin der Welt abhanden gekommen’ est une chanson.
    Au même titre que sont des chansons ‘Darla dirladada’ et son dérivé ´Y’a du soleil et des nanas’. Entre quelques millions.
    Et donc ‘Das LIED von der Erde*», comme l’indique le mot Lied, est une chanson.
    «*Je le note et je m’en félicite*» comme on disait il y a longtemps aux Guignols.
    Et puis si les sites de traduction en ligne le disent, c’est l’Evangile, comment aller contre.

    Les Québécois sont des francophones au même titre que les autres, libre à eux de décider comment ils souhaitent faire évoluer la variante du français qu'ils utilisent
    Absolument. D’ailleurs, il est bien connu que les francophones canadiens s’estiment seuls dépositaires de la seule vraie langue française.

    Comment se dit «*Lied*» en français sénégalais, ou burkinabé, ou mauricien, ou .. ? Ou en français polynésien ? Ou en français cajun ? Ou n’importe où ailleurs où se parle le français (enfin ce qu’il en reste) ?

    Tout cela pourrait être drôle, pour peu qu’on ait envie d’en rire.

    Au fait, quid des rythmes ´lyriques’ ou ´stridents’ ?

    Quid de ‘Kristhine’ Meyer ?

    Bon allez, ça va bien comme ça, si j’avais su faire preuve d’une once de bon sens, je n’aurais même pas dû écrire le post #111.
    Dernière modification par The Fierce Rabbit ; 08/05/2022 à 14h04.

  14. #114
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    Citation Envoyé par The Fierce Rabbit Voir le message
    Bien, OK.
    L’à mon goût sublime ‘Ich bin der Welt abhanden gekommen’ est une chanson.
    Au même titre que sont des chansons ‘Darla dirladada’ et son dérivé ´Y’a du soleil et des nanas’. Entre quelques millions.
    Et donc ‘Das LIED von der Erde*», comme l’indique le mot Lied, est une chanson.
    «*Je le note et je m’en félicite*» comme on disait il y a longtemps aux Guignols...
    Exactement, et comme si d'un même évènement, toi-même et Sebastião Salgado preniez de celui-ci la photographie.

    L'écart sera encore plus grand que celui musical entre "Le Chant de la Terre" et "Y’a du soleil et des nanas". Et dans les deux cas de figures, l'on parlera pourtant de photographies !

    D'ailleurs, "Das LIED von der Erde" ne se traduit-il pas communément par " Le chant de la terre ?

    Mauvais foi un jour, mauvaise foi toujours ! C'était le dicton du jour ...


  15. #115
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    Comment éditer à posteriori pour corriger une faute ou omission de frappe, d'un post rédigé la veille ?

  16. #116
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    Citation Envoyé par E.D. Voir le message
    Exactement, et comme si d'un même évènement, toi-même et Sebastião Salgado preniez de celui-ci la photographie.

    L'écart sera encore plus grand que celui musical entre "Le Chant de la Terre" et "Y’a du soleil et des nanas". Et dans les deux cas de figures, l'on parlera pourtant de photographies !

    D'ailleurs, "Das LIED von der Erde" ne se traduit-il pas communément par " Le chant de la terre ?

    Mauvais foi un jour, mauvaise foi toujours ! C'était le dicton du jour ...

    Tiens, il disparaît pendant des mois, voire des années, et puis pouf, Jack in the Box, le v’là qui ressort de sa boîte pour faire son intéressant !
    Trop drôle !
    ‘Chanson’ et ‘chant’, c’est kif-kif bourricot. Je le note aussi et m’en félicite derechef.
    J’ignorais que nous nous tutoyions. Je le note encore sans pour autant m’en féliciter.
    Je me demande sur quoi ‘tu’, donc, te fondes, sans aucun élément, pour préjuger de mes aptitudes de photographe et de l’écart qui me séparerait de Salgado.
    ´Tu’ vas pouvoir prendre la succession d’IP. Lourde tâche, mais ´tu’ sembles à la hauteur. Bête un jour, bête toujours. C’était le dicton de ce jour.
    Ciao bellino !
    Dernière modification par The Fierce Rabbit ; 30/05/2022 à 14h01.

  17. #117
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    Lightbulb Ma suggestion pour mai 2022 - Angel Records Digital – DS-37899

    La Revanche du Vinyle cette semaine met en vedette des œuvres d’Igos Stravinski interprétées par l’Académy of St-Martin-in-te-Fields, un trio de solistes, le tout sous la direction de Sir Neville Marriner.

    L'œuvre principale de ce microsillon ADD d'Angel est le ballet en un acte de Stravinski, Pulcinella, l'un des deux ballets inspirés des œuvres de compositeurs antérieurs. Il est basé sur une pièce du XVIIIe siècle, Quatre Polichinelles similaires. Le ballet est créé à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920 sous la direction d'Ernest Ansermet. Léonide Massine a créé à la fois le livret et la chorégraphie, et Pablo Picasso a conçu les costumes et les décors originaux.

    Pulcinella (Polichinelle) est un personnage classique qui trouve son origine dans la commedia dell'arte du XVIIe siècle et est devenu un personnage de base dans la marionnette napolitaine. La polyvalence de Pulcinella en termes de statut et d'attitude a captivé le public du monde entier et a maintenu le personnage populaire sous d'innombrables formes depuis son introduction à la commedia dell'arte par Silvio Fiorillo en 1620. De nombreuses variantes régionales de Pulcinella ont été développées au fur et à mesure que le personnage se diffusait à travers l'Europe. Dans de nombreuses adaptations ultérieures, Pulcinella a été dépeinte comme une marionnette, car le théâtre de style commedia dell'arte n'a pas continué à être populaire sur tout le continent au fil du temps.

    Un peu comme Le Baiser de la fée (1928) où Stravinski a élaboré plusieurs mélodies à partir de pièces pour piano anciennes et de chansons de Tchaïkovski dans sa partition, Diaghilev voulait un ballet basé sur un livret de commedia dell'arte du début du XVIIIe siècle et une musique alors supposée avoir été composée par Giovanni Battista Pergolesi. Cette attribution s'est depuis avérée fausse. Une partie de la musique peut avoir été de Domenico Gallo, Unico Wilhelm van Wassenaer, Carlo Ignazio Monza et Alessandro Parisotti. Stravinski a adapté la musique ancienne à un style plus moderne en empruntant des thèmes et des textures spécifiques, mais en injectant ses rythmes, cadences et harmonies modernes.

    Complément, le disque comprend les deux suites pour petit orchestre de Stravinski. Ces Suites envoûtantes et doucement satiriques sont des orchestrations faites par Stravinski des huit duos pour piano qu'il avait écrits pour ses enfants, Théodore et Mika, les trois premiers en 1914-1915 puis cinq autres en 1917.

    Notez que le lien YouTube contient une compilation de musique de Stravinski. Les clips 29 à 47 sont le contenu du disque d'aujourd'hui.

    Bonne écoute !




    Igor STRAVINSKI (1882-1971)
    Pulcinella, Ballet avec chant en un acte (1920)
    Soprano– Yvonne Kenny
    Ténor– Robert Tear
    Basse – Robert Lloyd

    Deux Suites (Nos. 1 and 2) pour petit orchestre (1921, 1926)
    Academy Of St. Martin-in-the-Fields
    Neville Marriner, direction

    Angel Records Digital – DS-37899
    Format: Vinyl, LP, Album, Stereo
    Emis en 1982

    Discogs - https://www.discogs.com/release/8137...e-Ballet-Suite

    YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...SIe4rSv-5AMGZ8

    NDLR - Normalement, mes actvités bloguesques entrent un mode estival, avec moins de nouveau contenu, commençant en juillet. Cette année, un nombre de projets domestiques s'accumulent et je me dois de leur consacrer plus de temps. Ainsi, j'avance d'un mois le changement de programme. Ainsi, vous me reverrez en septembre – bon été!

  18. #118
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    Lightbulb Notre suggestion pour septembre 2022 - Odyssey – Y2 30308

    Sur notre chaîne Pod-O-Matic, nous présentons de vieux et de nouveaux partages des symphonies de Gustav Mahler. Aujourd'hui, la Revanche du Vinyle partage une réédition de la Neuvième symphonie de Mahler, avec Bruno Walter et le "Columbia Symphony Orchestra".

    Commençons par établir l'orchestre. Selon les données que j'ai recueillies, cette performance a été enregistrée le 26 janvier 1961 à l'American Legion Hall à Hollywood; il s'agit donc d'une incarnation californienne du Columbia Symphony - utilisant probablement les mêmes musiciens que Stravinsky utiliserait localement pour ses enregistrements légendaires du 80e anniversaire pour le même label. Je m'attendrais à ce que beaucoup soient membres de l'Orchestre philharmonique de Los Angeles et des musiciens contractuels des studios de cinéma.

    Comme l’histoire nous rappelle, la Neuvième de Mahler est sa dernière symphonie "complète" (c'est-à-dire composition et orchestration) et n'a jamais été jouée du vivant de Mahler ; Walter, à qui l'œuvre est dédiée, dirigea sa première représentation le 26 juin 1912, au Festival de Vienne.

    Bien que la symphonie suive la forme habituelle en quatre mouvements, elle est inhabituelle en ce que le premier et le dernier sont lents plutôt que rapides. Comme c'est souvent le cas chez Mahler, l'un des mouvements du milieu est un ländler. Bien que l'œuvre soit souvent décrite comme étant dans la tonalité de ré majeur, le schéma tonal de la symphonie dans son ensemble est progressif ; tandis que le mouvement d'ouverture est en ré majeur, le finale est en ré bémol majeur. Comme c'est le cas pour ses dernières symphonies, l'œuvre ne nécessite pas seulement un grand orchestre (comprenant des clarinettes en la, si bémol et mi bémol, deux harpes et un large éventail d'instruments à percussion), elle dure bien plus d'une heure.
    La discographie de Walter comprend au moins deux enregistrements de la Neuvième - un concert de 1938 avec l'Orchestre philharmonique de Vienne et cet enregistrement en studio de 1962. Il pourrait bien y avoir d'autres performances publiques croquées sur disque en cours de route.

    Comme le dit un critique, le neuvième de Mahler est un peu comme Hamlet - il y a une vaste place pour des interprétations variées. L'enregistrement stéréo de Bruno Walter est indispensable pour une vision claire de l'approche non névrosée de l'œuvre.

    L'enregistrement a été retapé à de nombreuses reprises – celui de ma propre collection fait partie de la série de rééditions Odyssey « à bas prix » – et plus récemment sur l'édition Walter complète de Sony. Il s'agit d'une version superlative qui appartient à la collection de tous les passionnés de Mahler ; le son de l'original était étonnant en son temps, et l'est toujours.

    Bonne écoute!



    Gustav MAHLER (1860-1911)
    Symphonie no. 9 en ré majeur (1908- 09)
    Columbia Symphony Orchestra
    Bruno Walter, direction
    Lieu d’enregistrement American Legion Hall, Hollywood (26 janvier 1961)
    Odyssey – Y2 30308
    Format: Album double, Stéréo (réédition, 1971)

    Discogs - https://www.discogs.com/release/3399...-Symphony-No-9


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